Nombre real Kurt Donald Cobain
Nacimiento 20 de febrero de 1967
Origen Estados Unidos, Aberdeen
Muerte c. 5 de abril de 1994 27 años
Estados Unidos, Seattle
Ocupación músico, guitarrista, compositor, cantautor
Información artística
Alias
Kurdt Kobain, Kurdt Cobain,

Curt Cobain, Kurdt Cobane
Instrumento(s) guitarra, Fender Jaguar, Fender Mustang, voz, batería, bajo.
Artistas relacionados Nirvana
Fecal Matter

F.a.q. general de las guitarras y equipamiento usado por Kurt Cobain.
· Mustangs
· Jaguars
· Stratocasters
· Telecasters
· Otras Fenders
· Univox
· Otras Guitarras
· Guitarras acústicas ·
· Efectos
· Amplificadores

· Mustangs

Mustang azul del ‘69 (”lake placid”). Tiene rayas de competición. Usada en el video de Smell Like Teen Spirit, y en varios conciertos durante la era de Nevermind. También usada en Rio, enero de ‘93. Esta era la guitarra que el cuidaba, excepto en Dallas, 19/10/91. Kurt estaba caliente por el mal sonido y la estrelló contra el monitor. La junta del diapasón se rompio y recibió daños en el borde de abajo. El micrófono de fábrica del puente fue reemplazado con un Seymour Duncan hot rail negro. También se le coloco un puente Tune-o-Matic (el de las Gibson) Gotoh antes del viaje a Argentina. Tenía el clavijero pintado del mismo color.

Mustang roja (”Fiesta Red”): Usada para el tour de In Utero. Fender envió 4 Mustangs para este tour. Esta y tres azules (”sonic blue”). Esta guitarra fue recibida antes del primer show en Roseland. Primero tenía un protector de pua “tortoise shell” (rojo) y luego Earnie lo reemplazo por uno blanco (”Pearloid”, de Chandler) Fue utilizada la mayor parte del tiempo con este protector. Esta fue la primer mustang que Earnie cambio para usar un hambucker Seymour Duncan J.B.. Luego Kurt quiso todas las demás con estos micrófonos, excepto la Mustang del ‘69.

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Nota: estas 4 Mustangs fueron modificadas por Earnie, pero se utilizan términos muy técnicos que yo desconozco, vayan a la página de Chris si creen poder entenderlo en ingles. Si no esperen a que yo lo traduzca.

Mustang azul, celeste (”Sonic blue” o “Daphne blue”). Había dos de estas, son difíciles de distinguir, una tiene el protector “Tortoise”(es rojo con manchas blancas) y la otra rojo mate. Estaban preparadas como las anteriores. La del protector “tortoise” es la usada en el concierto del Live and Loud de MTV. Fender había enviado 3 Mustangs mas para el tour de In Utero, la 3ra nunca fue modificada y se quedó en la casa de Kurt.

Ferrington Mustang. Diseñada por el luthier Daniel Ferrington para su libro, “Ferrington Guitars”. Incluiré la entrevista donde se describe esta guitarra mas adelante.

· Jaguars

La guitarra principal de Kurt durante la era de Nevermind era una Jaguar.

1. Fender Jaguar del ‘65: esta guitarra era flameada, con el rojo en los bordes desvaneciéndose, Kurt la compró en el L.A. Recycler.

Tiene un calco incorrecto debajo de la laca. Esta guitarra tenía 2 volúmenes, 1 tono, y un puente Schaller
Tenía cinta en los interruptores de los micrófonos, hambuckers Dimarzio Paf en el diapasón y Super Distortion en el puente. Luego en el tour de In Utero, este ultimo fue cambiado por un Seymour Duncan JB negro. Esta guitarra la usa Eric Landerson de Hole en el vídeo Doll Parts. De acuerdo con Earnie, el nunca limpiaba esa guitarra, era desagradable. En el vídeo de Lithium, golpea duro el escenario. En Rio, se empapa con jugo (y las semillas que habia en ese jugo). Luego es arrojada contra las vías de la cámara cuando está escupiendo a la cámara.

· Stratocasters

Kurt tenía un montón de Stratocasters. Le gustaban mas las japonesas que las americanas. Principalmente las usaba para romperlas, porque son baratas. No se pueden listar todas porque tenía muchas parecidas:
1.Strato negra: tenía 2 micrófonos simples blancos y un humbucker negro. Protector negro. Fácilmente reconocible por el sticker que dice: “Vandalism: As Beautiful as a Rock in a Cop’s Face” y “Courtesy of the Feederz: Office of Anti-Public relations”. Esta guitarra fue usada en Reading 1991, con Sonic Youth. También usada en el video “1991: The Year Punk Broke”. El diapasón tuvo que ser reemplazado varias veces, comenzo con el Fender, luego un diapasón Fernandez para el recital del 31/10/91 en el Paramount Theater en Seattle. Fue vuelto a romper allí y luego se cambió a uno sin nombre. Esta fue destruida en París en la primavera de 1992 o invierno de 1991.

Fenders stratos japonesas: Blancas, Kurt tenía dos de estas. una fue usada en los MTV Video Music Awards de 1992, cuando tocaron Lithium. Tenían micrófonos Seymour Duncan hot rails que podían ser blancos o negros, porque se dañaban fácilmente. La usada en MTV fue destruida en Seattle Center el 11/9/92 y la otra en Argentina.

strato roja (”Candy apple”) : pagó $200 por esta. Originalmente tenía un diapasón de maple y protector blanco. Earnie la cambió por un diapasón de rosewood. Tenía un Seymour Duncan hot stock. Era una reedición japonesa del ‘57. Destruida durante el tour de In Utero de la costa este de los EEUU.

Nota: Kurt tambien tenía 5 o 6 stratos mexicanas para el tour de In Utero, eran usadas para el final, tenían cuerpos negros, hot rails negros. Una fue usada para el Live and Loud.

· Telecasters

Kurt solo tenía un par de estas:
1. Telecaster flameada: se puede ver en la sección del solo del vídeo Come As you Are, antes de ser pintada. Kurt usó pintura de látex para casa azul, luego le despintó un corazón y la palabra Courtney, que son visibles en rojo por el flameado.

2. Telecaster flameada custom. En las palabras de Earnie:

· Otras Fenders

1. The Jag-Stang: esperen a que traduzca el artículo donde se describe esta guitarra.
2. Fender Electric 12-string: de mediados de los ‘60, para diestros, flameada con calcomanías. Courtney tenía una igual. En la primavera del ‘92 las dos fueron dañandas cuando fueron dejadas en la bañera porque pensaban que si entraban a robar no buscarían en el baño. Pero hubo una pérdida, y se arruinaron las dos guitarras con unos libros de canciones y cintas. La de Kurt fue la que se dañó mas. Luego Kurt escribió “Serve the servants” en lo que quedaba.

· Univox

Durante los primeros días, Kurt podía casi siempre ser visto con una Mosrite de Univox.

1. Univox Mosrite: Actualmente llamadas “Hi-Flyers”. Protector blanco, diapasón de maple.

Natural Univox Hi-Flyer: tenía dos de estas en otoño de 1993. Tenian humbuckers de fábrica, puentes Badass (las que venían con microfonos simples, tenían puentes tipo Jazzmaster). Mandó a un amigo una para que se la pinte estilo Van Gogh

Univox Les Paul (imitación): negra, fue dada a Kurt por el publicista Anton Brooks en el tour de Europa 1991. Piezas de fábrica, una calcomanía de “Witchpoo” y a Flipper dibujado en blanco sobre el logo.

· Otras Guitarras

1. Epiphone Les Paul negra: usada para la toma bajo el agua de Nevermind.

2.Les Paul Vantage: naranja.

3. Mosrite Gospel: amaba esta guitarra. Usada en el show Motor Sports.

4. Gibson SG Standard: con los micrófonos con cinta. Azulada, usada en Tijuana donde es destruida.

5. Epiphone flameada roja: modelo ET270, usada en el video In Bloom de Sub Pop y era su principal guitarra durante la era de Bleach. Usualmente estaba cambiando de diapasones todo el tiempo.

6. Archtop Harmony. Usada en el video Come as You Are.

7. Mapa de los EEUU: Verde, para diestros, tremolo, 2 mics. cambiada para usarla de zurdo.

8. Hagstrom Les Paul azul: la consiguió en diciembre del ‘92, pagó $500, un montón por ese modelo en esa época.

9. Bajo Rickenbacker 4001 para zurdos.

10. Ibanez Les Paul custom: flameada, mics Dimarzio X2N, 2 switches para las bobinas, para zurdos, protector negro.Perillas negra o doradas.

11. Mosrite Mark IV: azul, dañada en la bañera, se la dio a pat en SNL, 1993.

12. Lindell: primera guitarra de Kurt, se la dió su tío Chuck Fradenburg en su cumpleaños No. 14.

· Guitarras acústicas
Martin D-18E: usada en unplugged, no sonaba bien, tanto metal incrustado hacía que suene como un banjo. Usada por Courtney en Doll Parts y en Hungry Like The Wolf en el Unplugged. Solo fueron hechas 302 de estas

2. Cuerpo con un corte de lado, usada en un show en una radio el 25/11/91; junto con un bajo Dolphin. Ambos eran alquilados.

3. Ibanez Vantage (o Vintage?): usada para el show en Tower Records. 4. Epiphone Texan: probablemente del ‘61. Tiene el sticker que dice Nixon Now. Tenía un puente ajustable que fue reemplazado por uno fijo para zurdos. Earnie dice que era la mejor acústica de Kurt. No la usa para el Unplugged.

5. Stella 12 cuerdas: usada con 5 cuerdas de nylon, comprada por $31,23 en una casa de empeño. Es flameada. Kurt grabó Polly, Something in the Way, la versión de demo de Lithum y probablemente Dumb, Pennyroyal Tea y All Apologies. Probablemente usada para grabar Opinion, Dumb y Lithium para el show en la radio KAOS, 1990.

6. Harmony 12 cuerdas: idéntica a la anterior pero con terminación natural.

Esto es todo en cuanto a guitarras, si alguien sabe de alguna otra envíenme un e-mail.

· Amplificadores

En cuanto a amplificadores, Kurt era muy versatil. Su amplificador de estudio favorito era un Fender Twin Reverb. En vivo preferia los gabinetes Marshall.

1. Fender Twin Reverb de los ‘80: Tenía 120w en lugar de 85. Muy limpio. Originalmente tenía 2 valvulas Peavey 6L6. Kurt no entendía como podía funcionar así pero pensó que ese era el secreto de su gran sonido y le pidió a Earnie que nunca lo arregle. Pero estaba trabajando con 60w, y Earnie sabía que sonaría increíble con 4 valvulas, entoces se las cambió para los ensayos de In Utero y le dijo a Kurt que le había limpiado los potes, y Kurt dijo que sonaba mejor que nunca. Entonces Earnie le dijo la verdad.

2. Mesa Boogie Studio .22 preamp, Crown or Crest 4801 power amps. Muy poderoso. Alimentaban 8 gabinetes. Para parlantes usaba 25w Greenbacks, luego 75w Celestions, y luego Vintage 30w, que le gustaban mas. Estos eran sus equipos para la gira de Nevermind. Usó los Crests hasta el final.

3. Cabezal Randall: usado al principio con power amps. Posiblemente no era de válvulas. Alimentaba ungabinete BFI Bullfrog 4×12 para el tour de Bleach.

4. Cabezal Sunn Beta-Lead alimentando gabinetes Peavey 4X12 era el equipo que usaba para la era de Bleach.

5. 70’s Peavey Vintage 2X12: Fue su primer amplificador cuando estaba creciendo en Aberdeen. Era el modelo a válvulas. Su papá se lo dió a Goodwill, y Kurt estaba muy molesto acerca de esto.

6. Fender Champ.

7. Vox AC30 usado en Nevermind, probablemente alquilado.

8. Fender Bassman usado en Nevermind, probablemente alquilado.

9. Marshall Ministack: usados en el tour de In Utero, nunca fueron conectados, para joder, Kurt le dijo a la gente si esperaban que el rompiera algo, entonces tiró uno por el escenario.

· Efectos

Kurt al principio no tenía muchos efectos, pero luego encontró algunas cosas raras.

1. BOSS DS-1: Usado para la grabación de Bleach y casi todo Nevermind. Era su principal pedal para toda la era Bleach. Tenía una forma diferente a los actuales.

2. BOSS DS-2: cambió a un Turbo Distortion para el tour de Nevermind en adelante.

3. Arion Stage Tuner: afinador de plástico usado durante la era de Bleach, se rompió mientras estaban en tour.

4. ProCo Rat: usado para hacer algo de ruido en Nevermind, no se sabe si Kurt usó uno, pero Krist lo usó para Breed, la canción secreta y Turnaround. Probablemente Pat usó uno también.

5. Electro-Harmonix Big Muff: Usado para hacer ruido en Nevermind y para grabar Lithium.

6. Univox Superfuzz: Kurt decía que tenía uno pero que alguien se lo sacó de su espacio de práctica. Earnie le hizo uno parecido llamado “Yung-Mann Fuzz”.

7. Electro-Harmonix Small Clone Chorus: üsado para los efectos de Nevermind, y el Unplugged. En esa época sos efectos iban: Guitarra–DS-2–Small Clone–Amp.

8. Electro-Harmonix Clone Theory AC Unit: no le gustaba esta como su Small Clone, la rompió.

9. Electro-Harmonix Echoflanger: tenía solo uno de estos. Lo usó en “The Priest They Called Him” y los shows de Brasil. Para grabar In Utero se llevo el Polychorus de Earnie (estos dos pedales tienen el mismo circuito). Lo usa para “Heart-Shaped Box”, “Scentless Aprentice” y “Radio Friendly Unit Shifter”.

10. Electro-Harmonix Polychorus: ver #9; Earnie encontró orto Polychorus y se lo mandó a Kurtesperando recuperar el suyo (lo hizo, con cinta pegada encima con los seteos de los controles pintados con esmalte).Ahora lo tiene Eric Landerson de Hole

11. Orange MXR Phase 100: usado para Curmudgeon, probablemente prestado por el estudio donde la grabaron.

12. DOD Grunge pedal: comprado como un chiste, Kurt lo odiaba, lo tiró a la audiencia en el último tour.

13. Tech 21 Classic Sansamp: simulador de gabinete. Fuzz principal en el último tour.

14. Wah: Usado en “Love Buzz” y la versión instrumental de “Sifting”. Era prestado.

15.BOSS CE-5: usado en MTV 120′. Visible en el intermedio de “Drain You”.

Kurt no usó un Rotovibe en In Utero, la gente que hizo ese libro está equivocada, tampoco usó un flanger para Nevermind ni ningún Phase Shifter

Contra la bajada salarial y el incremento de jornada en la función pública

FRANCISCO J. BASTIDA CATEDRÁTICO DE DERECHO CONSTITUCIONAL

Con el funcionariado está sucediendo lo mismo que con la crisis económica. Las víctimas son presentadas como culpables y los auténticos culpables se valen de su poder para desviar responsabilidades, metiéndoles mano al bolsillo y al horario laboral de quienes inútilmente proclaman su inocencia. Aquí, con el agravante de que al ser unas víctimas selectivas, personas que trabajan para la Administración pública, el resto de la sociedad también las pone en el punto de mira, como parte de la deuda que se le ha venido encima y no como una parte más de quienes sufren la crisis. La bajada salarial y el incremento de jornada de los funcionarios se aplaude de manera inmisericorde, con la satisfecha sonrisa de los gobernantes por ver ratificada su decisión.

Detrás de todo ello hay una ignorancia supina del origen del funcionariado. Se envidia de su status -y por eso se critica- la estabilidad que ofrece en el empleo, lo cual en tiempos de paro y de precariedad laboral es comprensible; pero esta permanencia tiene su razón de ser en la garantía de independencia de la Administración respecto de quien gobierne en cada momento; una garantía que es clave en el Estado de derecho. En coherencia, se establece constitucionalmente la igualdad de acceso a la función pública, conforme al mérito y a la capacidad de los concursantes. La expresión de ganar una plaza «en propiedad» responde a la idea de que al funcionario no se le puede «expropiar» o privar de su empleo público, sino en los casos legalmente previstos y nunca por capricho del político de turno. Cierto que no pocos funcionarios consideran esa «propiedad» en términos patrimoniales y no funcionales y se apoyan en ella para un escaso rendimiento laboral, a veces con el beneplácito sindical; pero esto es corregible mediante la inspección, sin tener que alterar aquella garantía del Estado de derecho.

Los que más contribuyen al desprecio de la profesionalidad del funcionariado son los políticos cuando acceden al poder. Están tan acostumbrados a medrar en el partido a base de lealtades y sumisiones personales, que cuando llegan a gobernar no se fían de los funcionarios que se encuentran. Con frecuencia los ven como un obstáculo a sus decisiones, como burócratas que ponen objeciones y controles legales a quienes piensan que no deberían tener límites por ser representantes de la soberanía popular. En caso de conflicto, la lealtad del funcionario a la ley y a su función pública llega a interpretarse por el gobernante como una deslealtad personal hacia él e incluso como una oculta estrategia al servicio de la oposición. Para evitar tal escollo han surgido, cada vez en mayor número, los cargos de confianza al margen de la Administración y de sus tablas salariales; también se ha provocado una hipertrofia de cargos de libre designación entre funcionarios, lo que ha suscitado entre éstos un interés en alinearse políticamente para acceder a puestos relevantes, que luego tendrán como premio una consolidación del complemento salarial de alto cargo. El deseo de crear un funcionariado afín ha conducido a la intromisión directa o indirecta de los gobernantes en procesos de selección de funcionarios, influyendo en la convocatoria de plazas, la definición de sus perfiles y temarios e incluso en la composición de los tribunales. Este modo clientelar de entender la Administración, en sí mismo una corrupción, tiene mucho que ver con la corrupción económico-política conocida y con el fallo en los controles para atajarla.

Estos gobernantes de todos los colores políticos, pero sobre todo los que se tildan de liberales, son los que, tras la perversión causada por ellos mismos en la función pública, arremeten contra la tropa funcionarial, sea personal sanitario, docente o puramente administrativo. Si la crisis es general, no es comprensible que se rebaje el sueldo sólo a los funcionarios y, si lo que se quiere es gravar a los que tienen un empleo, debería ser una medida general para todos los que perciben rentas por el trabajo sean de fuente pública o privada. Con todo, lo más sangrante no es el recorte económico en el salario del funcionario, sino el insulto personal a su dignidad. Pretender que trabaje media hora más al día no resuelve ningún problema básico ni ahorra puestos de trabajo, pero sirve para señalarle como persona poco productiva. Reducir los llamados «moscosos» o días de libre disposición -que nacieron en parte como un complemento salarial en especie ante la pérdida de poder adquisitivo- no alivia en nada a la Administración, ya que jamás se ha contratado a una persona para sustituir a quien disfruta de esos días, pues se reparte el trabajo entre los compañeros. La medida sólo sirve para crispar y desmotivar a un personal que, además de ver cómo se le rebaja su sueldo, tiene que soportar que los gobernantes lo estigmaticen como una carga para salir de la crisis. Pura demagogia para dividir a los paganos. En contraste, los políticos en el poder no renuncian a sus asesores ni a ninguno de sus generosos y múltiples emolumentos y prebendas, que en la mayoría de los casos jamás tendrían ni en la Administración ni en la empresa privada si sólo se valorasen su mérito y capacidad. Y lo grave es que no hay propósito de enmienda. No se engañen, la crisis no ha corregido los malos hábitos; todo lo más, los ha frenado por falta de financiación o, simplemente, ha forzado a practicarlos de manera más discreta.

Enlace al folleto del producto en .pdf

El sistema compacto de cine en casa MCD908 está compuesto por un lector, un amplificador estéreo con previo de válvulas, un sintonizador AM/FM y unos monitores, todo ello con unos acabados estéticamente intachables, incluyendo inserciones en madera en los laterales del equipo y las cajas, conectores chapados en oro, así como un mando a distancia cuya parte inferior va forrada de cuero.

El equipo electrónico está físicamente dividido en dos chasis, en los que se alojan por una parte el lector y por otra el previo y la etapa en una sola caja. Ambos se conectan entre sí con un conector y un cable específicos, ya que están pensados para trabajar juntos. La sección de amplificación no puede trabajar de forma separada del lector y sólo permite conectarse con un subwoofer. A la vez, el lector cuenta con diversas salidas de vídeo (componentes, S-Video, vídeo compuesto, SCART y HDMI), así como salidas digitales (una de cada tipo). Conectando a través del propio lector, puede unirse también por entrada analógica una fuente externa (como un descodificador de TDT o satélite, un televisor, etc). El conjunto está pensado para una instalación sencilla, fundamentalmente estéreo, en la que además aspira a ofrecer una calidad superior, pero sin renunciar a interactuar con un equipo de cine en casa, por ejemplo de menos aspiraciones sonoras.

El lector es totalmente compatible con la mayoría de formatos que pueden grabarse en discos de de 12 cm, incluyendo por supuesto ficheros MP3, JPEG y DivX. En un producto dirigido a un público más exigente se echa de menos la compatibilidad con el formato SA-CD, por el que originalmente apostó la marca holandesa. Como lector de DVD-Video, cuenta con un avanzado convertidor de vídeo de 12 bits a 108 MHz, con capacidad de escalado a 720p y 1.080i, por lo que dada su conectividad, se encuentra perfectamente preparado para trabajar con dispositivos de visualización con certificación “HD ready”.

VÁLVULAS ECC83

El previo del conjunto está construido en torno a dos válvulas de vacío ECC83 (doble tríodo) y como complemento para la sección de amplificación presenta una electrónica clase D, cuya principal virtud es su reducido tamaño y la eficiencia energética, que le permite entregar sobre el papel 2 x 75 W con un equipo compacto y a un precio muy interesante. La propuesta es como la pirámide de cristal a las puertas del Louvre: tecnología y diseño a la última (en la etapa) con un sabor estético tradicional (en el previo).

Los monitores entregados con el MCD908 también presentan una serie de peculiaridades que merecen ser comentadas. Con una agradable estética de laterales curvos y acabados en madera oscura, presentan una configuración especial con un transductor para graves-medios (de 5,25”), un tweeter de cúpula de seda y un super-tweeter de cinta adicional, con un puerto bass-reflex trasero. El rango de frecuencias que cubren respectivamente los transductores sería de 50 Hz a 3 kHz, de 3 a 20 kHz y de 15 a 40 kHz, más allá del umbral de lo audible para el oído humano, pero una banda en la que se pueden percibir armónicos que, en teoría, deben contribuir a mejorar la imagen estéreo, la definición y la credibilidad final de la escena sonora. Las cajas, en conjunto, no parecen ser excesivamente fáciles de atacar atendiendo a sus 4 ohmios de impedancia nominal y los 80 dB de sensibilidad indicados en el manual de instrucciones.

Para evaluar las virtudes del conjunto empecé conectándolo a un simple televisor de 32” utilizando sus diversas conexiones analógicas y previa calibración básica de contraste y brillo.

A PRUEBA

En todos los casos, los resultados fueron más que satisfactorios, con una imagen bien contrastada, llena de color bien saturado y sin artefactos reseñables. Intentando poner las cosas un tanto más difíciles, utilicé un proyector de vídeo y lo conecté al lector por sus salidas de vídeo por componentes y HDMI. El resultado volvió a ser bastante correcto, con imágenes bien definidas y colores vibrantes, aunque el dispositivo utilizado para conectarse en este caso presentase algún tipo de incompatibilidad con la señal cuando ésta se configuró como salida progresiva a 50 Hz. Aplicando la batería de pruebas de desentrelazado y procesado de vídeo habitual, a partir del estándar Hollywood Quality Video, los resultados fueron correctos, pero sin alcanzar los niveles de los mejores de su categoría. En definitiva, un digno reproductor de vídeo del que se puede disfrutar mucho y bien, especialmente si lo unimos a pantallas de plasma o LCD.

Debido a la presencia de una salida bass reflex trasera en las cajas acústicas, éstas necesitan un cierto espacio en la parte posterior para disipar la energía que salga por dicho puerto, por lo que no son apropiadas para estar “encerradas” en una estantería. Como mejor podríamos situarlas es sobre unos soportes específicos, algo que además merecen por estética y calidad sonora. No son las cajas que habitualmente acompañan a este tipo de conjuntos, sino unas cajas que perfectamente pueden tutearse con los monitores básicos de cualquier fabricante especializado. De hecho, me atrevería a decir que podría estar compitiendo de igual a igual con los mejores de esa categoría y rango de precios. Con la adecuada colocación, logran una recreación de la escena sonora bastante realista y detallada, siendo posible en piezas de jazz situar claramente a todos los músicos en un espacio virtual frente al punto de escucha, como en el tema If I could give you more, de Harry Connick Jr, o la versión de My funny Valentine por el Eddy Higgins Trio. Incluso formaciones orquestales más amplias sugieren los grandes grupos instrumentales con una buena tímbrica y localización. Es especialmente interesante la transparencia general, la suavidad con la que se recrean los agudos y finalmente las voces, sonidos en los que se muestran especialmente acertadas. El límite en cuanto a extensión de graves viene dado por las dimensiones del recinto y la respuesta de frecuencia del transductor. Sin embargo, hay que reconocer que allí donde llegan, lo hacen con limpieza, precisión y un sonido agradable en todo momento.

La dinámica del conjunto es también buena, con unos transitorios bastante rápidos, en los que sólo grandes “atracones” de dinámica como el Carmina Burana de Orff, en versión de Herbert Blomstedt, parecen venirle ligeramente grandes a las cajas, que no a la amplificación, capaz incluso de retos más serios.

Con un resultado algo más destacado por el lado sonoro que por el visual, el conjunto MCD908 de Philips se presenta como una interesante versión “mini” de un cine en casa en la que a cambio de tener menos altavoces y canales, incorporaremos un sonido estéreo realmente bueno para disfrutar de la música en vez de hacerlo de las explosiones.

Cuestión de prioridades, pero siempre es bueno tener la opción de elegir, algo que en este caso debemos agradecer a Philips.

ESTE ARTÍCULO está escrito por Juan Perez (GIZMO). Reproducido aquí es su totalidad… espero que no le importe… 

Hay bandas mediocres, malas, buenas, sublimes… y grupos que simplemente son básicos en la historia de esta música. Y para muchos seguidores del rock, entre los que sin dudarlo me incluyo, Motörhead pertenece al último grupo. Tras más de 25 años sin tregua azotando los escenarios de medio mundo y una veintena de discos a sus espaldas la banda del inimitable Lemmy Kilmister ha grabado a fuego el sello personal del grupo en miles de seguidores.

Para seguir las raíces y evolución de esta banda quizá sea mejor empezar hablando de la vida de Ian Frasier Kilmister. Mr. Kilmister nació en Stoke-On-Trent (Staffordshire, Inglaterra) el 24 de diciembre de 1945, hijo de un sacerdote que abandonó a su familia cuando Ian solo tenía tres meses. Lemmy (apodado así por su insistencia al pedir algo de dinero: “lend me a fiver”…) pronto descubriría el rock’n'roll gracias a Little Richard, Elvis, The Beatles, The Rolling Stones, MC5… Fascinado ante esa nueva música, pronto empezó a tocar la guitarra en diversas bandas de R&B de ámbito local (The Rainmakers, Motown Sect), consiguiendo grabar en alguna banda de mayor nivel como The Rockin’ Vicars. En este tiempo también sería “roadie” de un guitarrista que pasaría a la historia de la música moderna, Jimmy Hendrix.

Su primera gran oportunidad llegó en 1971 cuando ingresó en la famosa banda de rock psicodélico (o rock espacial como a ellos les gustaba denominarse) Hawkwind, aunque por las circunstancias del momento tuvo que cambiar su instrumento habitual, la guitarra, por un bajo, instrumento que seguirá tocando durante toda su carrera con ese estilo tan personal y a la vez salvaje. Con Hawkwind grabó discos como “Space ritual”, “Hall of the mountain grill” o “Warrior on the edge of time”, cosechando grandes éxitos de critica y publico, y llegando a firmar un contrato con Atlantic Records. Desgraciadamente, las relaciones entre Lemmy y el resto de la banda no parecían ser del todo buenas, y cuando Lemmy fue detenido en la frontera de Canadá, camino de Toronto, por posesión de anfetaminas (realmente las autoridades pensaban que se trataba de cocaína) la banda aprovechó para despedirle.

Lemmy se encontraba otra vez sin banda, por lo que decidió formar la suya propia. Su primera opción como nombre fue Bastard, pero su manager de entonces, Douglas Smith, le convenció para cambiárselo, optando por el que todos conocemos, Motörhead, equivalente americano de la palabra inglesa “speed freak”… muy acertado teniendo en cuenta las circunstancias que le obligaron a abandonar su anterior banda. Lemmy tenía muy claro lo que quería hacer, tal como expresó a la prensa de la época: “Seremos la banda de rock n roll más sucia del mundo. ¡Si nos trasladáramos al lado de tu casa tus plantas morirían!”.

Los primeros compañeros de fatigas de Lemmy fueron Lucas Fox en la batería y el ex-Pink Fairies Larry Wallis como guitarrista. El primer show (en el Chalkfarm Roundhouse de Londres, el 20 de julio de 1975) resultó un completo desastre, como tampoco fue especialmente bueno el concierto que ofrecieron en el Hammersmith Odeon como teloneros de Blue Oyster Cult. La prensa musical pronto los crucificó denominándolos como “la peor banda del planeta”. Aun así el grupo siguió adelante (gracias a una base de fans cada vez más amplia) y entre diciembre de 1975 y enero de 1976 grabaron un disco para United Artist, con un cambio en el line-up, ya que tras la batería esta vez se sentaba un hombre clave en la historia de Motörhead, Phil “Philty Animal” Taylor, un amigo de Lemmy sin experiencia profesional en el mundo de la música pero que aportaría a la base rítmica una personalidad y contundencia únicas.

Lamentablemente, a United Artist no pareció agradarle mucho el resultado final, y “On Parole” no vería la luz (por el momento). La banda estaba realmente desanimada, a punto de disolver el grupo y dedicarse a otra cosa. No obstante, la inclusión como guitarrista de Eddie “Fast” Clarke traería nuevos aires al grupo, y como ya veremos, este hombre también será clave en el auge de Motörhead al superestrellato. Larry Wallis dejaría la banda poco después, estableciendo la formación más clásica y famosa de la banda: Lemmy, Eddie y Taylor.

En verano de 1976 contactaron con Stiff Records, que les ofreció grabarles un single. Dicho y hecho, Lemmy y compañía pronto grabaron un sencillo conteniendo “White line fever” y la versión de Tamla Motown “Leavin’ here”. La mala fortuna continuó cebándose con el grupo, pues United Artist impidió la edición del sencillo (aun tenían un contrato vigente, pese a que no quería editar nada del grupo), y la grabación no vería la luz, teniendo el honor de ser el único single en la historia de la música que salió al mercado directamente como reedición. De todas maneras el single sí salió en Europa, así como en diversos piratas y recopilaciones, creciendo ligeramente la popularidad del grupo.

La situación era realmente mala, y la banda estaba al borde de la disolución, pactando con Chiswick Records la grabación de un directo como punto y final de la trayectoria de la banda. La compañía decidió apostar por ellos, y les propusieron editar un nuevo single. Cuando los responsables de la compañía fueron a supervisar la grabación del sencillo, se encontraron con que la banda prácticamente había grabado un disco completo, por lo que se decidió editarlo. Así, tras un breve tour teloneando a Hawkwind, y libres de ataduras con UA, salió a la luz en 1977 “Motörhead”, un álbum que ya indicaba hacia donde iba la banda, un acelerado rock’n'roll sucio y ruidoso, aunque con ciertos retazos psicodélicos heredados de Hawkwind. El disco contenía un par de temas que Lemmy escribió para su anterior banda (“Motörhead” y “The watcher”, muy diferentes a las versiones originales) y dos versiones, la ya citada “Leavin’ here” y el clásico de Yardbirds “Train kept a rollin”. La portada de disco corrió a cargo de Joe Petagno, creando según indicaciones de Lemmy el famoso “war pig” (también llamado por la banda Snagletooth) que desde entonces adorna la mayoría de las portadas del grupo. El disco funcionó bien, llegando al número 37 de los “charts”. Desgraciadamente el inminente tour se tuvo que cancelar cuando Taylor se rompió la muñeca en una pelea, impidiendo que el disco llegará a cotas mayores.

Las cosas pintaban mejor, y en 1978 dieron multitud de conciertos por toda Inglaterra y ficharon por la poderosa Bronze Records, editando el single “Tear ya down” / “Louie Louie”, que llegó al puesto 68 de la lista de ventas, apareciendo en el celebre programa “Top Of The Pops” para promocionarlo. En diciembre de 1978 entrarían otra vez al estudio… para empezar a hacer historia.

“Overkill” (grabado en los Roundhouse Studios de la mano de Jimmy Miller) demostraba todo el poder que tenía dentro el trío. Desde los primeros segundos protagonizados por el doble bombo de Philty, todo el disco es una explosión de fuerza. Cada riff de Eddie, cada grito de Lemmy, todo, absolutamente todo, es perfecto en este disco. Además destaca el buen hacer de Lemmy con las letras, lo cual será común en cada lanzamiento de Motörhead. La revista Sounds lo calificó con 5 estrellas y llegó al puesto 24 de los “charts”, todo un éxito. Hoy en día aun es considerado como uno de los mejores discos de la banda, y temas como “Overkill”, “No class” o “Metropolis” aun perduran en el set de la banda tras más de 20 años, toda una prueba de su vigencia. La edición del álbum fue seguida de un intenso tour (con Girlschool como abriendo los conciertos), girando por Europa por primera vez, con algún que otro sobresalto, como cuando fueron detenidos en el aeropuerto de Helsinki por destrozar un equipo completo de altavoces en un festival.

Tras otro single (“No class” / “Like a nightmare”) otro bombazo sacudió Inglaterra pocos meses tras la edición de “Overkill”, y nunca mejor dicho… “Bomber” (también producido por Jimmy Miller) era la confirmación de que Motörhead era una de las mejores bandas de Inglaterra. Un poco más pausado que el anterior, este álbum contenía otra colección de grandísimos temas para ampliar el currículum de la banda… “Dead men tell no tales”, “All the aces”, “Stone dead forever”, “Poison” (con un “recado” especialmente duro de Lemmy a su padre), “Step down” (cantada por Fast Eddie) y por supuesto “Bomber”, que se convertiría de inmediato en otro clásico de la banda. El disco vendió más que su predecesor, llegando al número 12 de las listas. “The Bomber Tour”, con Saxon como teloneros, traía una novedad visual muy atractiva: un gigantesco bombardero alemán Heinkel III que sobrevolaba el escenario al final de cada concierto, mientras las sirenas anunciaban un inminente bombardeo. Esto, unido al monstruoso volumen de la banda, hacía de cada concierto de Motörhead una experiencia única. Afortunadamente hoy en día los shows siguen siendo igual de potentes, aunque ya hablaremos de eso más tarde.

Aprovechando el enorme tirón de la banda, United Artist aprovechó en la primera semana de la gira para lanzar “On parole”, el disco que habían rechazado tan solo tres años antes. Aunque la banda no estaba muy de acuerdo con tal lanzamiento (ciertamente le faltaba calidad) no se podía hacer nada por evitarlo. Entre gira y gira aprovecharon para grabar otra vez, esta vez colaborando junto a la banda punk The Damned, grabando la versión de The Sweet “Ballroom blitz” y “Over the top”. Casi al mismo tiempo también salió otro single conteniendo “Bomber” y “Over the top”, en una versión diferente a la anterior.

Tras el EP “The golden years” (una pequeña recopilación de temas en directo, muy bien recibida por los fans), ya en 1980 saldría un disco que haría temblar los cimientos de la escena musical inglesa: “Ace of spades”. Uno de esos discos que se tornan clásicos desde el primer día. Tras la portada en la que por primera vez sale una foto de la banda, vestidos como forajidos del Far West en algún inhóspito desierto de Arizona (realmente la foto fue tomada en una cantera de Londres), se esconden doce temas que dejaron en estado de shock a toda una generación de headbangers. Sin duda, Motörhead ya era la banda más ruidosa del planeta, y gracias a la perfecta producción de Vic Maile, ahora eran más ruidosos todavía. Una combinación perfecta de velocidad, grandes temas, estribillos inolvidables… el tema que da título al disco, “Ace of spades”, se convirtió enseguida en el tema más emblemático de la banda (aún hoy lo es pese a la poca simpatía que Lemmy profesa por esta canción), dos minutos y medio de descomunal orgía sonora, y uno de los temas más famosos del rock inglés. Y no se queda solo en esto: “(We are) The road crew”, “Shoot you in the back”, “The hammer”… una delicia. Evidentemente, el éxito del disco fue poco menos que extraordinario, alcanzando el cuarto puesto de las listas de ventas, mientras que el single conteniendo el tema titulo alcanzó el decimoquinto lugar.

El “Ace Up Your Sleeve our” (con Weapon como acompañantes) comenzó en Octubre y recorrió medio mundo, aunque la gira Europea tuvo que ser pospuesta cuando Phil Taylor se rompió tres vértebras al caerse por una escalera, y saltando el charco hacia los Estados Unidos abriendo los shows para Ozzy Osbourne en la gira del aclamado “Blizzard of Ozz”.

Si 1980 significó éxito y más éxito, lo de 1981 ya no tenía nombre. El 13 de febrero sale a la venta el EP “The St. Valentines day massacre EP”, una colaboración entre la banda y Girlschool versioneando el viejo clásico de 1959 de Johnny Kidd And The Pirates “Please don’t touch”, además de una interpretación de “Bomber” por Girlschool, y otra de “Emergency” por Motörhead (estos temas pueden encontrarse en la reedición en CD remasterizada de “Ace of spades”, además de en el recopilatorio lanzado en el 2000 “The best of Motörhead”). El EP vendió la nada despreciable cifra de 50.000 copias, pero lo mejor estaba por llegar.

Grabando algunos shows (Leeds, Nottimghan, Newcastle, siendo las bandas abridoras Tank, The Raiders y los franceses Trust) la banda, debido a la presión de Bronze, accede a grabar un disco en directo. “No sleep til’ Hammersmith” resultaría en uno de los mejores discos en directo jamás grabados, demostrando que donde de verdad se aprecia todo lo que Motörhead puede ofrecer es sobre un escenario. Impresionantes versiones en vivo de una selección de algunos de los mejores temas de la banda (donde extrañamente solo hay dos representantes de “Ace of spades”) incluyendo alguna vieja canción poco conocida como regalo a sus fans, como “Iron horse – Born to lose”. El disco salió directamente como numero 1 en las listas de ventas británicas. Simplemente un disco en directo imprescindible.

Más y más conciertos siguieron a la edición del directo, en una gira de pabellones y grandes recintos (liderando festivales como el Heavy Metal Holocaust, por encima de Ozzy, Triumph y Riot), pasando por primera vez por España (13, 14 y 16 de Diciembre, en San Sebastián, Barcelona y Madrid, respectivamente, los tres en pabellones de baloncesto). A estas alturas ya nadie podía negar que Motörhead era uno de los máximos exponentes de la nueva ola de bandas de Heavy Metal que surgía en Inglaterra. Lemmy, sin embargo, rechazaba fervientemente esa etiqueta, manteniendo firmemente que tenía mas en común con MC5 y The Stooges que con Black Sabbath y Judas Priest. Realmente, Motörhead fue una de las pocas bandas que consiguió romper con las barreras impuestas con los estilos, consiguiendo seguidores a partes iguales entre heavies, punks y rockers.

En enero de 1982 la banda se metió otra vez en el estudio. Para el siguiente disco la producción corrió a cargo de Eddie Clarke (que ya había hecho algunos pinitos como productor con Tank), lo cual no fue una buena elección, ya que el trabajo de guitarras resultó claramente inferior, mientras que la producción quedó deslucida, sin esa chispa de vitalidad que destacaba en anteriores trabajos. “Iron fist” era un trabajo decente, pero donde se aprecia que la espontaneidad y energía de “Ace of spades” se perdieron en algún lugar del estudio. No obstante, el disco funcionó bastante bien, vendiendo más de 60.000 copias en el Reino Unido. Pero en el seno de la banda las cosas estaban calientes. Las relaciones entre Lemmy y Eddie Clarke no eran precisamente buenas, lo cual repercutió seriamente en el nivel de los conciertos. Finalmente, y tras una fuerte discusión por la decisión de Lemmy de colaborar con la cantante de The Plasmatics, Wendy O’ Williams, Eddie dejaría el grupo. La última actuación con la banda sería el 14 de mayo de 1982, en el Palladium de Nueva York. Dos días antes se había grabado el celebre vídeo “Live in Toronto”. Eddie seguiría cosechando éxitos en el futuro con su propia banda, Fastway.

Hacía falta un sustituto, y el elegido para el puesto fue Brian Robertson (otro nombre que sonó bastante fuerte fue el de Lips de los canadienses Anvil), uno de los héroes de Philty por su gran trabajo en Thin Lizzy. Brian se encargó de acabar la gira, y se quedó con la banda para grabar su siguiente álbum.

“Another perfect day” supuso toda una revolución en el sonido del grupo, una bocanada de aire fresco que como ya veremos se vio truncada por factores extra-musicales. El disco es una maravilla, consiguiendo lo que parecía imposible, combinar a la perfección en un disco de Motörhead fuerza y melodía. Brian era un guitarrista mucho más melódico que Eddie, consiguiendo unos resultados sorprendentes en canciones como “Shine”, “I got mine” o “One track mind”. De la producción se encargo Tony Platt, que llegaba de trabajar con AC/DC, consiguiendo un sonido mucho más limpio que en los anteriores trabajos de la banda.

Desgraciadamente los seguidores del grupo no aceptaron a Robertson. Su indumentaria para los directos (pelo corto, mallas, zapatillas de ballet) sentó como un tiro al motorheadbanger medio. Lemmy y Philty no le dieron mayor importancia, pero había dos problemas bastante más graves: el primero, su afición a la bebida un tanto mayor de lo normal (años más tarde Brian declararía que fueron sus ex-compañeros quienes le arrastraron al alcoholismo); el segundo, su negativa a tocar clásicos como “Bomber”, “Overkill” o “Ace of spades” (según las malas lenguas, para evitar comparaciones con Clarke). Los set-lists del grupo contenían casi todos los temas del nuevo disco, canciones no muy conocidas de títulos anteriores como “(Don’t need) Religion” o “Iron horse” (que sonaban irreconocibles con el exceso de efectos de Robbo) y alguna versión como “Hoochie coochie man” con interminables solos (las grabaciones en vivo más interesantes de este periodo son los piratas semi-oficiales “Live at the King Biscuit Flower Hour” y “Live 1983”). Cuando en una convención de motoristas en Hackney Robertson se negó en el mismo escenario a tocar “Bomber”, firmó su sentencia de muerte. Poco después estaba fuera del grupo.

Otra vez sin guitarrista, y otra vez a buscar a alguien que ocupara el puesto. Tras una serie de audiciones quedaron dos pretendientes: Mick Burston, más conocido como Wurzel, del circuito londinense de bandas locales y Phillip Campbell, un galés que venía de tocar con Persian Risk. Finalmente los dos fueron elegidos. Motörhead era ahora un cuarteto.

El recién estrenado cuarteto duró poco. Tras una celebre aparición en un episodio de la conocida serie británica “The young ones” (el episodio en cuestión es el más famoso de la serie, con reposiciones regulares en la televisión británica), Lemmy y Philty tienen una pelea, abandonando Philty inmediatamente la banda (Taylor se uniría posteriormente al también huido Robertson en un proyecto llamado Operator). Su lugar es ocupado por Pete Gill, ex-batería de Saxon. La discográfica, Bronze, decidió editar un recopilatorio para dar tiempo a la banda a grabar un nuevo disco. En un momento en el que la popularidad del grupo estaba realmente baja. “No remorse” (con carpeta de cuero en la primera tirada) funcionó de maravilla para que el bombardero pudiese remontar otra vez el vuelo. Aparte de estar repleto de los viejos hits del grupo, contenía cuatro temas nuevos entre los que se encuentra uno que virtualmente será el culpable de la resurrección del grupo: “Killed by death”. Un tema buenísimo mucho más cercano al heavy metal de la época que al rock’n'roll donde se demuestra que los cambios no habían hecho mella en el seno de la banda, al contrario, era más fuerte que nunca. La nueva formación había cumplido por el momento en el estudio, solo faltaba pasar el examen final… el directo. El resultado no pudo ser más contundente, los nuevos Motörhead arrasaban con todo en el escenario como nunca lo habían hecho. Los dos nuevos guitarristas aportaron una increíble fuerza al grupo, complementándose a la perfección: Campbell era el más melódico de los dos (tampoco demasiado, teniendo en cuenta la banda de la que estamos hablando) y Wurzel… Wurzel era Motörhead en estado puro, el compañero perfecto de Lemmy. El único que no destacaba en demasía era Pete Gill, cuya labor era correcta pero no podía competir con el carismático Taylor. Para celebrar el décimo aniversario de historia se grabaron dos shows celebrados en el Hammersmith Odeon el 28 y 29 de junio de 1985, abarrotado los dos días, editado en vídeo y LP bajo el título “The birthday party”. El público estaba otra vez con la banda, y ésta era más poderosa que nunca. Debido a problemas legales con el sello que les impedían sacar otro disco, nuestros hombres se dedicaron todo el año a girar por todo el mundo, en ocasiones bajo el nombre de “Iron Fist And The Hordes From Hell”.

1986 trajo consigo un cambio de sello, firmando un contrato con GWR, compañía formada con la ayuda de Doug Smith, manager del grupo. Bill Laswell se encargó de los controles de la grabación, realizada en los estudios Master Rock de Londres. Aunque la relación de Lemmy con Laswell no fue precisamente buena, el plástico que salió de esas sesiones era una joya, otro clásico de la discografía de Motörhead. “Orgasmatron” es, sin duda, uno de los mejores discos de la banda, con un sonido áspero y sucio que recuerda a los primeros lanzamientos del grupo. Los temas, sin embargo, seguían la línea de los aparecidos en “No remorse” y se alejaban un poco más del más puro sonido rockero, acercándose más al heavy metal y a la nueva vertiente que había aparecido hace poco, altamente influenciada por el éxito de “Overkil”, “Ace of spades” y “No sleep til’ Hammersmith”, el thrash metal. El tema que inicia el disco, “Deaf forever” (sordos para siempre), es toda una declaración de intenciones, sucedido de más cañonazos como “Nothing up my sleeve”, “Dr. Rock” o el tema que da título al disco, con una de las mejores letras que Lemmy haya escrito jamás acompañado de una tremenda atmósfera oscura y opresiva, fijo desde entonces en el set-list de la banda. Evidentemente a la edición del disco le siguió otro tour (que volvió a pasar por España, Madrid, Barcelona y San Sebastián fueron otra vez las ciudades afortunadas), actuando en el prestigioso festival de Donington, junto con Warlock, Bad News, Def Leppard, Scorpions y Ozzy Osbourne, un cartel de autentico lujo.

Ya en 1987, y casi sin tiempo para descansar el grupo graba un tema para la película “Eat the rich”, del mismo título, con Lemmy actuando en la película interpretando a una especie de mafioso llamado Spider, rodando además un video clip aderezado con tomas del film. Esta grabación traía una grata sorpresa: Philty Animal Taylor se sentaba otra vez tras los parches, sustituyendo a Pete Gill. Acto seguido se metieron en el estudio para grabar otro álbum. Desgraciadamente sólo tenían dos semanas para grabarlo y no muchos medios, y el nuevo trabajo, titulado simplemente “Rock’n'Roll” se quedó a medias. No era un mal disco pero podía haber sido mucho mejor. Los nuevos temas se alejaban de la brutalidad de “Orgasmatron” y tenían un aire mucho más rockero (como ya vaticinaba el título del disco), destacando temas como “Rock’n'Roll”, “Stone deaf in the USA” o la anteriormente citada “Eat the rich”. Desgraciadamente la pobre producción deslució mucho este nuevo trabajo. Tras la edición del disco, ya en 1988, la banda vuelve a girar, acompañando a Alice Cooper en su tour americano y después encabezando su propio tour con Slayer como abridores. Lemmy también se dedicaría a colaborar con Lita Ford en su disco “Lita”, coescribiendo la canción “Can’t catch me” y otra vez con Girlschool, escribiendo esta vez “Head over wheels”. Por si fuera poco, también aparece en el documental “The decline of Western Civilization Part II: The Metal years”.

Tras la gira se pensó en editar un nuevo disco en directo. Aunque la idea de Kilmister y sus compañeros era la de sacar a la venta el show grabado en Brixton el año anterior, finalmente la compañía en una decisión de última hora editó el concierto del “Giants of Rock” finlandés, con un sonido bastante inferior (finalmente “Live at Brixton” fue reeditado en 1994). Aun así “No sleep at a ll”, como se tituló este directo, es una buena muestra del buen hacer de Motörhead, que tras la entrada de los dos nuevos guitarristas tocaban más rápido, más fuerte y más agresivamente si cabe que antes. Llaman la atención el trepidante inicio con “Dr. Rock”, la buenísima interpretación del “Just ‘cos you got the power” (que sólo podía encontrarse como cara-B del single “Eat the rich”), incluyendo uno de los mejores solos de Campbell en el grupo, o el clásico “Killed by death”. Pese a que la ejecución de los temas es perfecta, el sonido no hace justicia a la banda y resta fuerza al conjunto de este “No sleep at all”.

Los problemas con GWR impidieron la salida de ningún otro álbum hasta ya entrados los 90, por lo que aprovecharían para girar y visitar lugares donde aun no habían comprobado como se las gastaba esta banda como Brasil o Yugoslavia. Finalmente se resolvieron los problemas con la compañía, abandonando esta, y abriendo otra etapa en el grupo…

En 1990 Motörhead ficha por la todopoderosa WTG – Sony, consiguiendo su primer contrato con una multinacional desde la formación del disco (dejando aparte la etapa con United Artist, tan breve como infructuosa). Lemmy por su parte se traslada a Los Ángeles, cansado de la forma de vida inglesa (y de que Motörhead no tenga un reconocimiento mayor). Algunas voces hablan de la nueva cara “más comercial” del grupo, pero cuando en 1991 sale “1916”, la crítica es unánime; un nuevo triunfo más, según más de uno, la mejor colección de canciones del grupo desde aquel lejano “Ace of spades”. “1916” es un disco lleno de grandiosos temas, casi sin altibajos, y más variado que sus predecesores; incluyendo durísimos cortes como “Make my day” o “The one to sing the blues”, rocks vacilones (“Angel city”, “I’m so bad (Baby I don’t care”), así como un especial tributo a sus amigos The Ramones en forma de un rabioso punk rock titulado “R.A.M.O.N.E.S.” (y que los mismos neoyorkinos se encargaron de versionear). Es digno de mención el último corte, “1916”, una preciosa balada con una emotiva letra basada en la batalla de Somme, durante la I Gran Guerra, con un trabajo de teclados y cello realmente bueno, toda una novedad para los seguidores de la banda. Esta canción, como muchas otras de su discografía, es una clara muestra del interés de Lemmy por la historia militar, llegando a reunir a lo largo de los años la quinta mayor colección de Estados Unidos de objetos de la Segunda Guerra Mundial.

“1916” funciona excelentemente, y como es de costumbre a la edición de éste le sigue otro maratoniano tour, esta vez embarcados dentro del espectáculo “Operation Rock’n'Roll”, junto con Judas Priest y Alice Cooper. De los conciertos alemanes se aprovecha para grabar un vídeo en directo, curiosamente filmado en blanco y negro, con divertidos comentarios de los integrantes de la banda e imágenes de su vida en la carretera, y plagado por supuesto de un buen puñado de temas, principalmente de su último trabajo. El invento sería bautizado como “Everything louder than everything else”. Sin embargo, en la trastienda las cosas no iban tan bien, y la banda sufre un continuo vaivén de managers, existiendo también problemas entre los componentes del grupo. Cuando la prensa preguntó a Lemmy por qué “Overkill” ya no estaba en el set-list de la gira éste contestó “las piernas de Philty ya no son lo que eran, sencillamente no puede tocarla”. Paralelamente a la actividad del grupo, Lemmy escribe las letras de cuatro temas del nuevo disco de Ozzy, “No more tears”.

1992 no empezó nada mal. Motörhead eran nominados para los premios Grammy en la categoría de “mejor disco de metal”, aunque finalmente el premio fue hacia los californianos Metallica. Poco después entraban otra vez en el estudio para grabar otro LP.

La grabación del siguiente disco estuvo llena de tensión. Por una parte por culpa de la compañía, que quería controlar más al grupo, y por otra por parte de Philty Taylor, poco motivado en la grabación del nuevo disco. Al poco tiempo de empezar la grabación, Phil Taylor fue expulsado de nuevo de Motörhead. Como recambió de emergencia se fichó a Tommy Aldrige, que grabó todas las baterías de la nueva obra (aunque en las fotos interiores de la carpeta sale Mikkey Dee, éste no grabó nada). “March or die”, como fue titulado el nuevo capítulo de esta larga historia, era realmente una decepción (empezando por la portada, la primera en muchos años no realizada por Petagno, realmente mala), sin duda uno de los discos más flojos de la banda. Sigue la estela de “1916” en cuanto a sonido, pero sin la vitalidad que aquel poseía. Aun así hay temas realmente buenos como “Stand”, la preciosa balada cantada a medias entre Lemmy y Ozzy “I ain’t no nice guy after all” o la bluesy “You better run” (estas dos últimas con solos del ex-gunner Slash), pero en general, el mal ambiente vivido en el estudio se transmitió al disco. Además, “Hellraiser” fue incluida en la B.S.O. de la película de terror “Hellraiser III”, junto con “Hell on Earth”, canción que no fue incluida en el disco.

Finalmente, para ocupar la plaza abandonada por Philty entró como miembro permanente el sueco Mikkey Dee, a quien ya se le ofreció el puesto en 1985. Su currículum no era nada despreciable, ya que había formado parte de King Diamond y Dokken. Su estreno con la banda inglesa fue el 30 de agosto de 1992 en Saratoga, y aunque cuentan las crónicas que Mikkey no estuvo muy afortunado (tuvo muy poco tiempo para ensayar) pronto dejó claro que venía para quedarse… Mikkey era el batería perfecto para Motörhead, potentísimo, capaz de impregnarle a los temas rápidos una agresividad adicional y muchísimo más técnico que los anteriores baterías. La gira transcurriría bien, destacando unos cuantos shows en los que Motörhead telonearía a dos bandas que reconocían la influencia del grupo sobre su música: Guns N’Roses y Metallica. Sin embargo, lamentable e inexplicablemente, son expulsados de Sony. La fatídica historia se volvía a repetir…

Esta vez el bache era importante. De estar en una multinacional a estar prácticamente “en la calle”. Finalmente graban su nuevo disco por sus propios medios, recurriendo para la distribución a ZYX, una compañía alemana de música techno. Aunque fueron aconsejados por muchas partes para que declinaran la oferta, ésta era buena y la banda aceptó. Fue un grave error, más grave teniendo en cuenta el tremendo discazo que había salido de esas sesiones llenas de rabia. Si “Bastards” (1993, producido por Howard Benson, significando además el retorno de Joe Petagno como ilustrador) hubiera tenido una promoción similar a los dos anteriores discos, se hubiera convertido inmediatamente en un nuevo clásico de los ingleses. Perfecto de principio a fin, sencillamente. Mikkey Dee estaba ya plenamente integrado y aportó las baterías más brillantes que se hayan oído en un disco de Motörhead. Los riffs de Phil y Wurzel se acercaban más que nunca al thrash que tanto habían influido. La tripleta inicial “On your feet or on your knees”, “Burner” y “Death or glory” deja noqueado a cualquiera, mientras que “Devils” o “We bring the shake” abrían nuevas vías en el sonido de los Bastardos, con ambientes oníricos y mágicos presumiblemente difíciles de imaginar en la banda de Lemmy. El single “Born to raise hell” (canción que en un principio Lemmy escribió para la banda alemana Skew Siskin) sonó insistentemente en las radios con programas dedicados al rock… pero “Bastards” era prácticamente imposible de encontrar fuera de Alemania, llegando al resto del mundo de importación, lo cual truncó cualquier esperanza de éxito. Aun así, Motörhead en vivo aun era una fuerza viva y reconocida, y el tour funcionó bastante bien, incluyendo unos cuantos conciertos junto a Black Sabbath y otro co-liderando junto a The Ramones un estupendo espectáculo de rock’n'roll frente a nada menos que 45.000 fans en Buenos Aires. También se grabó una versión alternativa de “Born to raise hell” con Ice-T y Whitfield Crane (ex-Ugly Kid Joe, actualmente en Medication) en las voces para la banda sonora de la película “Airheads” (que a España llegó como “Cabezas huecas”), donde Lemmy aparece diciendo una frase.

El grupo aún no tenía sello en los Estados Unidos pero esto no les impidió meterse en el estudio para editar otro disco, esta vez con el sello alemán Steamhammer – SPV (con el que continúan hoy en día). El resultado de estas sesiones surgió en 1995 bajo el titulo de “Sacrifice”, que constituye otro triunfo en la dilatada carrera del grupo. Otro excelente disco, quizá el más agresivo hasta la fecha. Gracias a la producción de Howard Benson, el sonido conseguido era aplastante, realmente demoledor, además de plenamente renovado. “Sacrifice” incluye canciones realmente originales y bastante alejadas del estándar del grupo como la genial “Make’em die” (con un soberbio trabajo de Dee), “Sacrifice” y su infernal ritmo o “Order / Fade to black”, acompañado de algunos rocks más clásicos como “Sex or death” o “Don’t waste your time”. Destaca por otra parte la poca participación de Wurzel, que sólo firma los solos de dos temas. Pronto se sabría la razón. Wurzel ya está cansado de estar en una banda de rock, prefiriendo estar más tiempo con su familia, abandonando Motörhead justo al finalizar la grabación de “Sacrifice”, que por cierto saldría en los Estados Unidos de la mano de CMC.

La baja de Wurzel era realmente seria, ya que era un guitarrista perfectamente acoplado a Motörhead, además de ser muy querido por los fans. Quizá por eso Lemmy, Phil y Mikkey decidieron no sustituirle, por lo que a partir de ese momento Motörhead volvía a ser un trío después de once largos años. Por su parte Wurzel abandonaría casi por completo la música, uniéndose más tarde a algún que otro proyecto (Warhead) y bandas locales de punk y rock. En 1997 lanzó un disco en solitario de música ambiental, “Chill Out Or Die”, muy alejado de los parámetros heavy metaleros. Parece ser que su salida del grupo provocó más de una discusión (con Lemmy principalmente) y nunca ha vuelto a aparecer sobre el escenario con Motörhead en aniversarios o eventos parecidos.

La gira transcurrió perfectamente (acompañando durante un buen numero de fechas a Black Sabbath – entonces con Tony Martin, Iommy, Cozy Powell y Neil Murray – ). El nuevo trío era tan potente como siempre y la baja de Wurzel resultó menos dramática de lo esperado. Tras la gira, los recién cumplidos 50 años de Lemmy fueron celebrados por todo lo alto con una gran fiesta en Los Ángeles, donde los mismísimos Metallica (disfrazados todos bastante cómicamente de Lemmy) tocaron un reducido set de clásicos de la banda de Lemmy (“Overkill”, “Damage case”, “Stone dead forever” y “Too late too late”; estas grabaciones se pueden encontrar en diversos singles de Metallica así como en su disco “Garage Inc.”), y recibiendo felicitaciones de celebridades como Madonna (¿?).

Tras el éxito de “Sacrifice” la banda no se durmió en los laureles y pronto volvió con otro trabajo. “Overnight Sensation” (1996) constituye otro buen trabajo de la banda, donde se nota que Phil Campbell cuenta con más peso compositivo, profundizando en su aspecto más metálico. Un detalle curioso es que en la portada aparecen los miembros de la banda, cosa que no ocurría desde hacia 15 años (desde la edición de“No sleep til Hammersmith”

). Analizando profundamente el disco, encontramos grandes ideas que evitan que el sonido del grupo caiga en la estancación, destacando “Civil war”, “Eat the gun” (canción contra las actuales leyes sobre armas de Estados Unidos), un agradable medio tiempo con acústicas llamado “Listen to your heart” o “I don’t believe a word”, otro medio tiempo no tan optimista como el anterior. Pese a que “Overnight sensation” poseía tanta calidad como sus predecesores, y a que las críticas fueron muy favorables, no tuvo demasiado impacto comercialmente hablando, aunque disco a disco Lemmy, Phil y Mikkey se encargaban de demostrar que Motörhead no era una banda de nostalgia. El posterior tour sirvió para visitar más rincones del globo aun inéditos para la banda, como Rusia.

Y “Snake bite love” (lanzado en la primavera de 1998) no hizo más que reafirmar la idea de que Motörhead estaban más vivos que nunca, aunque la falta de presupuesto y tiempo les hizo la misma jugada que en la grabación de “Rock’n'Roll”. Los miembros del grupo siempre afirman al hablar sobre este disco que con un par de semanas más el disco hubiera sido mucho mejor. Esta falta de tiempo se nota en la inclusión de alguna canción realmente mala (“Night side”, de las peores de la banda, sin duda alguna) o de grandes ideas que daban la impresión de no haberse pulido del todo, como “Assassin” (donde aun así podemos disfrutar de una soberbia interpretación de Mr. Dee). Esto no quiere decir ni mucho menos que el disco sea malo, y ahí está el musculoso riff de “Love for sale”, el divertido riff de “Snake bite love” o la caña de “Better off dead” para demostrarnos lo contrario.

La gira posterior (que pasó por España, tocando en el ahora desaparecido festival Menorrock) no sólo valdría para dejar maltrechos de nuevo los oídos de miles de fans, sino también para sacar a la venta un nuevo disco en vivo, grabando para ello la descarga realizada en “The Docks” de Hamburgo en mayo de 1998. El producto resultante, “Everything louder than everybody else” (1999), totalmente libre de overdubs y “trucos” similares (en Internet se pueden encontrar piratas de ese día, y os puedo asegurar que suenan exactamente igual, salvando la calidad de la grabación) es para muchos de sus seguidores (entre los que se incluye un servidor) el mejor de todos sus discos en directo. Todo el espíritu, las sensaciones, la fuerza que se puede sentir en un concierto de la banda se puede sentir en este doble CD repleto de clásicos y nuevos himnos, incluyendo temas nunca o raramente interpretados como “On your feet or on your knees” o “Lost in the ozone”. Desde el primer obús, “Iron fist”, hasta el último, el apoteósico final con “Overkill”, es realmente apasionante. En el libreto del CD podemos encontrar además diferentes dedicatorias de grupos como Metallica, The Ramones, Anthrax, Pantera, Overkill o Judas Priest reconociendo la grandeza de la banda y en muchos casos su clara influencia (“Si no fuera por Motörhead, no habría Metallica”, sentencia Lars Ulrich). Tras la gira europea saltarían el charco para recorrer NorteAmérica formando parte del festival itinerante de Ozzy, el Ozzfest.

Tras la edición del directo la banda se tomaría un breve pero merecido descanso para volver en el año 2000 con otra rodaja llena de buen rock’n'roll. “We are Motörhead”, como se dio a conocer el nuevo trabajo, era, otra vez, otro fantástico disco que despedía al segundo milenio con una buena dosis de potencia rockera. Diez furiosos cortes a toda velocidad en la mejor tradición Motörhead (con la salvedad de la cruda balada “One more fucking time”), incluyendo una magnífica versión del corrosivo himno de los Sex Pistols “God save the Queen”, que sirvió como presentación del nuevo disco, grabando un divertido vídeo que incluía a la Reina de Inglaterra haciendo headbanging. Esta vez la producción se repartió entre la banda, Bob Kulick, Bruce Bouillet y Duane Barron, sustituyendo a Howard Benson, que se había encargado de los controles desde 1993. Destaca el último tema, “We are Motörhead”, un “auto-plagio” de canciones como “Ace of spades” o “Motörhead” con una letra donde Lemmy lo deja todo claro…¡llegaron los primeros y serán los últimos en caer!.

Mientras la banda estaba de gira por Estados Unidos salió a la venta “The best of Motörhead”, una compilación bastante correcta de clásicos de la banda y rarezas varias (como la versión original de “Motörhead” por Hawkwind o la versión de Girlschool del clásico “Bomber”). Salió en dos formatos, doble CD y versión limitada en triple LP, siendo más interesante este último, ya que aparte de estar numerado y de tener una portada diferente (realizada expresamente por Joe Petagno para la ocasión) contenía un EP en directo con 4 temas grabados en las mismas noches que el mítico “No sleep til’ Hammersmith” (los temas en cuestión son “Fire fire”, “Bite the bullet / The Chase is better than the catch”, “Shoot you in the back” y “The hammer”). Estos temas aparecen también en la reciente reedición en doble CD del célebre directo. Además, Lemmy deleitó a sus seguidores más rockeros con el disco “Lemmy, Slim Jim & Danny B” (como el propio título indica, junto a Slim Jim Phantom, batería de Stray Cats y Danny Harvey, un prestigioso guitarrista y bajista de la escena rockabilly), regalándonos unas cuentas versiones de clásicos de Buddy Holly, Elvis, Jimmy Reed y Johnny Cash, además de colaborar con Doro Pesch en su “Calling the wild”. Todo un ejemplo de hiperactividad, que no mucho más tarde le pasaría factura. Si esto no era ya suficiente, debemos añadir a la lista el documental realizado por Peter Semple, titulado simplemente “Lemmy”, grabado en Hamburgo durante la última gira.

A finales de año se celebró un gran acontecimiento: el vigesimoquinto aniversario de Motörhead. No se cumplen 25 años todos los días, por lo que se preparó un gran concierto en Brixton Academy, en Londres, con multitud de invitados especiales: la rubia germana Doro Pesch, Withfield Crane, Brian May, Ace de Skunk Anansie y Eddie Clarke, que demostró que aunque en su cara se notaban los 18 años desde que se marchó sus dedos tenían la magia de siempre. Aunque el invitado más especial no era de carne y hueso, sino de metal. El mítico bombardero había vuelto para sobrevolar otra vez los escenarios. Había sido reconstruido para la ocasión, con más luces que en los primeros 80, proporcionando el toque mítico perfecto para la ocasión.

El tour siguió a un ritmo frenético que Lemmy no pudo seguir. El tramo de gira que recorría Europa del Este consistía en 39 conciertos en solo 45 días, provocando que Mr. Kilmister, que ya no está en sus años mozos precisamente, caiga totalmente exhausto. Pese a su insistencia, los médicos le obligan a parar, dado que su vida podría correr peligro. La gira tuvo que suspenderse, reanudándose meses más tarde, en el verano del 2001. Antes, sin embargo, aprovecharían para grabar “The game”, una nueva canción por encargo de la World Wrestling Federation, como himno de batalla para el luchador Triple X., presentándola frente a miles de personas en uno de los eventos de esta organización. Gracias a este tema y a la inclusión de “Ace of spades” en la banda sonora del videojuego “Tony Hawk’s Pro Skater 3” la popularidad de los bastardos se reactiva considerablemente en América, volviendo a cobrar cierto protagonismo y atención por parte de los medios, además de abrir su música a una nueva generación de fans.

En el verano del 2001 la banda volvió a los escenarios tocando en varios festivales europeos, destacando el prestigioso Wacken Open Air, encabezando el cartel con el famoso bombardero (junto a los británicos Saxon, que exhibían su también mítica águila) donde contaron con la colaboración de Nina C. Alice (cantante de Skew Siskin) durante “Born to raise hell”. Tras unas cuantas fechas más en la costa oeste de Estados Unidos, la banda se encierra en el estudio para preparar un nuevo lanzamiento.

Para satisfacer las ansias de material nuevo saldría en ese misma Navidad un excelente DVD. “Boneshaker – 25 and alive” era la mejor forma de celebrar con los fans el 25 aniversario de la cabeza motorizada. Este título contiene el show completo de Brixton de un año atrás, 4 temas de la actuación de Wacken, video clips, entrevistas… sin duda alguna un completísimo DVD que hizo las delicias de los seguidores del grupo.

La espera para el siguiente disco fue breve, y en abril del 2002 apareció el hasta ahora último lanzamiento de las huestes de Lemmy.“Hammered” (producido por Tom Panunzio) es un paso adelante en la dirección musical del trío. No tan frenético como “We are Motörhead” pero más variado y repleto de temas realmente buenos, desde la contundente y velocísima “Red raw” hasta la tranquila “Down the line” pasando por originales temas como “No remorse” o “Walk a crooked mile”. La última pista del CD, “Serial killer”, cuenta con la amenazadora voz del luchador Triple X, mientras que en “Mine all mine” Dizzy Reed (Guns N’Roses) echa una mano con el teclado. El CD salió en tres formatos, la edición normal, una edición limitada para Europa conteniendo “The game”, “Shoot you in the back” y “R.A.M.O.N.E.S.” (estas dos últimas grabadas en el Wacken Open Air) además de un vídeo de 15 minutos con imágenes del DVD “Boneshaker”, y una edición limitada para EEUU con “The game” y una versión en directo de “Overnight sensation”. “Brave new world” fue elegido como single, grabándose un vídeo para la ocasión.

El nuevo álbum es uno de los más exitosos de los últimos años, al igual que la gira, donde se aprecia un aumento del publico atraído. Los teloneros en los USA fueron Morbid Angel y Speedealer mientras que en Europa la mayoría de las fechas fueron realizadas junto a Anthrax. En España la gira resultó todo un éxito, con afluencias de publico realmente buenas en Barcelona, Bergara, Madrid, Granada, Santiago de Compostela y Valencia.

Durante la gira apareció a la venta “White line fever” (editado por Simon & Schuster Publishing), la autobiografía de Lemmy donde nuestro hombre nos relata en clave de humor toda su vida, especialmente plagada de anécdotas y del ácido humor del que Lemmy siempre ha hecho gala, explicándonos se particular visión del mundo.

Y hasta el momento, esto es todo. Lemmy se encuentra actualmente realizando colaboraciones con varios artistas (Dave Grohl de Foo Fighters, The Damned) mientras que Mikkey ha grabado el nuevo álbum de Helloween y ha salido de gira con la estrella techno sueca E-Type. Pero la banda retomará la actividad pronto, ya hay fechas confirmadas para diversos festivales europeos y ya se empieza a hablar de un nuevo disco, siguiendo el frenético ritmo impuesto desde principios de los 90 (8 discos, 1 directo, 1 recopilatorio y 1 DVD en 12 años, con sus giras correspondientes). ¿Retirada? Como ya ha comentado Lemmy en más de una entrevista, aún no es momento de pensar en eso. Motörhead disfruta de una segunda juventud y de un estado de gracia excepcional.

Y hasta aquí llega la historia de una banda realmente única, que ha aguantado el paso de modas, crisis internas, bajones de popularidad y mil obstáculos más a base de puro y duro rock n roll. Como Lemmy mismo se encargó de tatuar en su brazo: BORN TO LOSE, LIVE TO WIN.

Juan Pérez (Gizmo)

BRUCE SPRINGSTEEN AND THE E STREET BAND ANNOUNCE FIRST US LEG OF 2012 ‘WRECKING BALL’ WORLD TOUR

Bruce Springsteen and the E Street Band launch the first US leg of the 2012 ‘Wrecking Ball’ World Tour on March 18 in Atlanta. Bruce Springsteen’s 17th studio album ‘Wrecking Ball’ will be released on Columbia Records on March 6. "We Take Care Of Our Own," the album’s first single,’ is "classic Springsteen" with "anguish and challenge [that] run thick and fast" (Rolling Stone); a "richly orchestrated Wall of Sound… that nods to the ‘Born to Run’ era" (Billboard). The E Street Band’s members are: Roy Bittan – piano, synthesizer; Nils Lofgren – guitar, vocals; Patti Scialfa – guitar, vocals; Garry Tallent – bass guitar; Stevie Van Zandt – guitar, vocals; and Max Weinberg – drums; with Soozie Tyrell – violin, guitar, vocals and Charlie Giordano – keyboards. Bruce Springsteen and the E Street Band 2012 Tour Dates: US Tour Dates March 18 – Atlanta, GA – Philips Arena (on sale Feb 4) March 19 – Greensboro, NC – Greensboro Coliseum (on sale Feb 3) March 23 – Tampa, FL – Tampa Bay Times Forum (on sale Jan 28) March 26 – Boston, MA – TD Garden (on sale Jan 28) March 28 – Philadelphia, PA – Wells Fargo Center (on sale Jan 28) March 29 – Philadelphia, PA – Wells Fargo Center (on sale Jan 28) April 1 – Washington, DC – Verizon Center (on sale Jan 28) April 3 – East Rutherford, NJ – Izod Center (on sale Jan 27) April 4 – East Rutherford, NJ – Izod Center (on sale Jan 27) April 6 – New York, NY – Madison Square Garden (on sale Jan 27) April 9 – New York, NY – Madison Square Garden (on sale Jan 27) April 12 – Detroit, MI – The Palace of Auburn Hills (on sale Jan 28) April 13 – Buffalo, NY – First Niagara Center (on sale Jan 28) April 16 – Albany, NY – Times Union Center (on sale Jan 28) April 17 – Cleveland, OH – Quicken Loans Arena (on sale Jan 28) April 24 – San Jose, CA – HP Pavilion (on sale Feb 3) April 26 – Los Angeles, CA – Los Angeles Memorial Sports Arena (on sale Feb 3) April 29 – New Orleans, LA – New Orleans Jazz & Heritage Festival (on sale now) May 2 – Newark, NJ – Prudential Center (on sale Jan 27) European Tour Dates May 13 – Seville, Spain – Estadio Olimpico (on sale now) May 17 – Barcelona, Spain – Estadio Olimpico Lluis (on sale now) May 18 – Barcelona, Spain – Estadio Olimpico Lluis (on sale now) May 25 – Frankfurt, Germany – Commerzbank Arena (on sale now) May 27 – Cologne, Germany – RheinEnergieStadion (on sale now) May 28 – Landgraaf, Netherlands – Pinkpop (on sale 3 March) May 30 – Berlin, Germany – Olympia Stadion (on sale now) June 2 – San Sebastian, Spain – Estadio Anoeta (on sale now) June 3 – Lisbon, Portugal – Rock in Lisbon (on sale now) June 7 – Milan, Italy – Stadio Meaza (on sale now) June 10 – Florence, Italy – Stadio Francesco (on sale now) June 11 – Trieste, Italy – Stadio Trieste (on sale now) June 17 – Madrid, Spain – Estadio Santago Bernabu (on sale now) June 19 – Montpellier, France – Park & Suites Arena (on sale now) June 21 – Sunderland, UK – Stadium of Light (on sale now) June 22 – Manchester, UK – Etihad Stadium (on sale now) June 24 – Isle of Wight, UK – Isle of Wight Festival (on sale now) July 4 – Paris, France – Bercy (on sale now) July 5 – Paris, France – Bercy (on sale now) July 7 – Roskilde, Denmark – Roskilde Festival (on sale now) July 9 – Zurich, Switzerland – Stadium Letzigrund (on sale now) July 11 – Prague, Czech Republic – Synot Tip Arena (on sale now) July 12 – Vienna, Austria – Ernst Happel Stadium (on sale now) July 14 – London, UK – Hard Rock Calling (on sale now) July 17 – Dublin, Ireland – RDS (on sale now) July 18 – Dublin, Ireland – RDS (on sale now) July 21 – Oslo, Norway – Valle Hoven (on sale now) July 23 – Bergen, Norway – Koengen (on sale now) July 24 – Bergen, Norway – Koengen (on sale now) July 27 – Gothenberg, Sweden – Ullevi (on sale now) July 28 – Gothenberg, Sweden – Ullevi (on sale now) July 31 – Helsinki, Finland – Olympic Stadium (on sale Jan 25) Visit brucespringsteen.net for more Bruce Springsteen news. photo: Jo Lopez

	Wrecking Ball

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El líder y fundador de la banda Motorhead, Lemmy Kilmister, nació el 24 de Diciembre de 1945, su infancia la vivió sin su padre.

Lemmy es un gran fan de los Beatles en una entrevista cuenta que su amor por el rock surgió gracias a ellos.

Recientemente han publicado una película en la que se puede ver su día a día.

Salen muchas caras conocidas como Metallica, Slash, Dave Grohl, Ozzy Ousborune, Alice Copper, Mick Jones, Joan Jett que explican lo que opinan sobre él:

Lemmy es como es, lo coges o lo dejas, a él le va a dar igual lo que hagas.

Con su estilo de vestir: camisetas negras con bordados de flores, botas, pantalones largos normalmente negros en invierno y en verano shorts muy shorts sin importarle lo que los demás opinen de él, Lemmy ha cambiado el rock y ha creado canciones muy conocidas.

En el documental puedes ver que es una persona bastante normal, tienes sus cosas como todos, pero es una gran persona.

Os recomiendo que veáis la película, no hace falta ser muy fan para que os guste.

Hasta aquí el trabajo de de Berta… El resto ya es más información ampliada de Lemmy, de la wikipedia…

Frases célebres de Lemmy

• «Somos Motörhead y hacemos rock & roll».
  • Nota: suele decirlo en los conciertos.

• Yo vengo del rock and roll; esta gente con monos de trabajo y caretas viene del circo (refiriéndose a Slipknot).

• Si Motörhead se muda a tu vecindario, no crecerá más hierba en tu jardín.

• El verano de 1973 fue fantástico. No me acuerdo de nada, pero nunca lo olvidaré.

• En ese tiempo estabamos todos colgados en ácido. Acababamos discutiendo con los árboles, pero lo peor es que a menudo ganaban ellos la discusión.

• ¡Nacer para perder, vivir para ganar!

• Vive rápido, muere de viejo

• No soy rockero todo el día: paro para dormir.

• Si a la gente el ver a una persona mayor tocando rock’ n’ roll no le encaja, simplemente pueden no mirar. Hay gente que mejora con la edad si les importa lo que hacen, y ése es mi caso. Realmente nunca he hecho ésto por dinero, ya que nunca hemos vendido demasiados discos. Muchos grupos de mierda son millonarios, pero no es nuestro caso.

• Un grupo bueno no es el que te hace mover un rato el pie, sino el que desata tu imaginación.

• -Periodista: Lemmy, ¿eres Dios? -Lemmy: ¡No, qué va, una vez vi a Dios cuando estaba de ácido, y él era mucho más alto!

• -Reportero de MetalHammer, ¿Lemmy, cómo llevas las resacas? – Lemmy: Chaval, las resacas son para los que dejan de beber…

• Nunca me he acostado con una mujer fea, pero si que me he levantado con unas cuantas

• Recuerda, somos Motörhead y hacemos puto rock & roll. (Lemmy en mitad de su directo en Wacken Open Air 2009)

• No entiendo a la gente que piensa que si ignoras algo, esto desaparecera. Eso es totalmente erroneo. Si es ignorado eso gana fuerza. Europa ignoró a Hitler por veinte años. Y como resultado él masacró la cuarta parte del mundo.

• Si él tuvo cojones para operarse yo los tuve para liarme con él.

(Lemmy respondiendo a la pregunta si alguna vez había tenido relaciones con un transexual)

“Cuando muera será un buen momento para dejar de tocar, porque allí es cuando Dios te dice que debes moderarte, cuando mueres”

Frases sobre Lemmy

• -En una Pelea entre Dios y Lemmy, ¿quién ganaría?

-Lemmy -No -Dios! -Ninguno, ¡porque Lemmy es Dios!

Frases de Lemmy en entrevistas

Habla el bajista y cantante sobre el característico e invariable sonido de su banda: “Hacemos la misma clase de música porque nos gusta. ¿Qué otra puta razón hay para hacer música? Dentro de ese área, la cubrimos toda. Hemos hecho canciones con la que nos hemos alejado de ahí pero si al principio tienes una buena idea, ¿por qué no disfrutarla como tal?”

El padre de Lemmy era párroco que abandonó la familia al poco de nacer. “Hacen falta dos de una pareja para saber lo que ocurrió y solo he oído la parte de mi madre. Eran jóvenes cuando se casaron, al acabar la guerra, todo el rollo del romance en tiempos de guerra. Seguramente a ella le atrajo su uniforme y su santidad, y a él sus piernas y su culo. ¿Quién sabe?”

Lemmy, a lo largo de su vida, las ha visto de todos los colores, y guarda un grato recuerdo de sus ocho meses como ‘roadie’ de Jimi Hendrix. “Jimi era un anciano excepcionalmente bueno. Maneras del viejo mundo. Si entraba una chica en la habitación, él se arrodillaba sin que importara si era una vieja o algo así. Sacaba sillas para las mujeres, abría puertas a las mujeres. Si yo hago eso se ríen de mi. No cuestan nada, los buenos modales.”

Entre sus aficiones está el coleccionismo de objetos del nazismo. Aclara Lemmy que “no soy racista ni nada. Simplemente me gusta el aspecto decorativo de los nazis. Me gusta la pomposidad. El alardeo. Los malos siempre tienen los mejores uniformes. “

A su edad, confiesa haber recurrido a la Viagra y no duda en alabar el conocido medicamento: “Aún la uso, de tanto en cuanto. Si Percy no se refiere a la pulcritud, entonces necesita un empujoncito. ¿Qué hay de malo en eso?”

“No puedes mantener a los hombres fieles,” opina sobre el amor. “Si la gente quiere casarse y luego seguir buscando otras cosas, eso es deshonesto. Si te vas a casar, cásate de una puta vez y ahí está. Nunca he visto una chica que me haya hecho dejar de mirar al resto.En 61 años no ha cambiado la cosa, y no creo que vaya a pasar ahora.”

Pese a su edad, Lemmy no encuentra ninguna razón por la que deba dejar los escenarios. “Si te ves tan bien como yo, ¿por qué no? No recuerdo que hubiera un límite de edad cuando empecé. ¿No se debería seguir después de los 59? A la mierda con eso. Lo único que me detendrá es si no me veo capaz físicamente. Pero, ¿qué hay estando retirado que pueda ser mejor que lo que tengo ahora? “

- El año pasado se dio a conocer una particular anécdota ocurrida en un festival europeo, que pinta de cuerpo entero la legendaria indestructibilidad de Lemmy ¿Podrías ampliar sobre ese hecho? – Fue en un show en un festival de Francia, que supuestamente debía hacerse al aire libre. Ese día hacía 42 grados a la sombra y el productor del show perdió las autorizaciones para hacer el festival en el lugar estipulado, por lo que tuvo que mover todo a un lugar cerrado, una especie de hangar, sin ventilación ni aire acondicionado. En el escenario, sin exagerar, debe haber hecho unos 60 grados. Había bandas jóvenes que tocaban durante unos 20 minutos y algunos de sus miembros tuvieron que ser atendidos por los médicos en el backstage. Yo miraba eso y pensaba “¡Oh, Dios mío, nosotros tenemos que tocar una hora y media con este calor!”. Mi técnico de batería contó lo que yo estaba tomando y me dijo que me había bebido unos ocho litros de Gatorade durante el show.Y, cuando estábamos yendo hacia el lugar, le pregunté a Lemmy que pensaba tomar durante el concierto y el me respondió “¿Qué me estas diciendo, Mikkey?, ¡Tengo mi whisky!”. Casi colapsó después del show. El doctor le dijo que había perdido cerca del 60 % de sus fluídos. Pero bueno, creo que aprendió su lección. Ahora antes de cada concierto logramos que, además de su whisky, tome un par de vasos de alguna bebida hidratante.

(Mikkey Dee, bateria de Motörhead)

I’ve been knockin’ on the door that holds the throne
I’ve been lookin’ for the map that leads me home
I’ve been stumblin’ on good hearts turned to stone
The road of good intentions has gone dry as bone
We take care of our own
We take care of our own
Wherever this flag’s flown
We take care of our own

From Chicago to New Orleans
From the muscle to the bone
From the shotgun shack to the Superdome
We yelled “help” but the cavalry stayed home
There ain’t no-one hearing the bugle blown
We take care of our own
We take care of our own
Wherever this flag’s flown
We take care of our own

Where the eyes, the eyes with the will to see
Where the hearts, that run over with mercy
Where’s the love that has not forsaken me
Where’s the work that set my hands, my soul free
Where’s the spirit that’ll reign, reign over me
Where’s the promise, from sea to shining sea
Where’s the promise, from sea to shining sea
Wherever this flag is flown
Wherever this flag is flown
Wherever this flag is flown

We take care of our own
We take care of our own
Wherever this flag’s flown
We take care of our own
We take care of our own
We take care of our own
Wherever this flag’s flown
We take care of our own

Pamela era una joven pelirroja de dieciocho años. Tenia algunas pecas repartidas por su cara. Llevaba el pelo peinado con raya al medio, liso y largo. Sus ojos eran de color azul.

Pamela nació el 22 de Diciembre de 1946 en Weed, California. Pamela dijo cierta vez a Jim que habia dejado sus clases en la Universidad de arte para buscar algo significativo que hacer con su vida. Se autoasigno ser la cuidadora de la poesia de Jim.

Pamela murió 3 años después de Jim, el 25 de Abril de 1974, de una sobredosis de heroína.

Y descansa con Jim en el otro lado de la puerta.

Pamela Susan Courson nació el 22 de diciembre de 1946 en Weed, California. Conoció a los Doors en Gazzarri´s Club en Los Angeles, eran una banda local, y John Densmore se interesó por ella, pero Pam nunca mostró ningún interés, no pasó mucho tiempo hasta que comenzó a salir con Jim Morrison. Pam estudiaba arte en Los Angeles City College.

Publicado el 25 de octubre de 2010 por marlaior en el fantástico blog  http://lasmejorescancionesdelahistoria.wordpress.com/

En 1979 los AC/DC publican Highway To Hell y alcanzan la categoría de mejor banda de Hard Rock del momento. Paradógicamente, ellos, que siempre han parodiado hasta lo risible todos los topicazos rockeros habidos y por haber, se convierten en una de las bandas más iconográficas de la historia.

Angus Young, con su uniforme escolar, con su diadema de cuernos, con su Duck Walk (heredado de Chuck Berry y de Peter Townshend), con su convulsivo e hiperactivo sentido del espectaculo, pero sobre todo con sus contundentes y espectaculares riffs y sus demoledores solos, es la base sobre la que se sustenta el sonido (y la estética) de AC/DC. Bon Scott aporta a la banda garra, carisma y una voz desgarrada y desgarradora.

El éxito de canciones como Highway to Hell, Girls Got Rythm, If Yoy Want Blood, Beating Around The Bush o Night Prowler obliga al gran público a repasar su discografía anterior y a volver a entonar los primeros éxitos de la banda: Jailbreak, The Jack, TNT, Whole Lotta Rosie, Riff Raff, High Voltage, …

Sin embargo, en Febrero de 1980, apenas unos meses después de la publicación del superexitoso Highway To Hell, Bon Scott muere tras una monumental borrachera. El golpe para la banda es brutal. La opinión general es que les será imposible levantarse de algo así. La respuesta de AC/DC es de una contundencia abrumadora: Back In Black, el segundo disco más vendido de la historia de la música y que incluye auténticos clasicazos como Hell Bells, You Shook Me All Night Long o Back In Black. Ni antes ni después de AC/DC ha habido otra banda que haya superado la muerte de su frontman. Ninguna. Pura épica

Jamás se le reconocerá a Brian Johnson todo su mérito. Llega para sustituir a un martir del Rock. Le iguala en el registro, le supera en técnica y se niega a compararse en cuanto a carisma. Desde el primer momento asume su rol sin mayores pretensiones, perfectamente consciente de que para el fan nostálgico, para el gran público, para la historia, el gran vocalista de AC/DC siempre será Bon Scott.

2 comentarios hacia “CAPÍTULO 49: AC/DC — Back In Black”

1. 
   Gonzalo Aróstegui Lasarte Dijo:
   noviembre 11, 2010 a 2:18 pm
   Un riff impresionante, quizá el mejor de los hermanos Young. En cuanto al disco, me parece la única obra maestra que ha grabado AC/DC con Johnson. En conjunto, la etapa Scott la considero muy superior a la de Johnson, con el que han grabado algunos discos que dejan bastante que desear.Saludos.Responder
   • 
     El Amansador de Fieras Dijo:
     noviembre 11, 2010 a 6:50 pm
     Es difícil (y al mismo tiempo inevitable) comparar las etapas de Bon Scott y de Brian Johnson. Con Bon Scott los AC/DC siempre fueron en ascenso. Cada disco siempre fue mejor y más exitoso que el anterior. Así hasta el final, con Highway To Hell. Bon Scott se murió en la cima de su carrera.Por el contrario, Johnson comenzó con su mejor disco… con el mejor disco de AC/DC. Imposible continuar ascendiendo. Después del Back In Black los AC/DC fueron intercalando buenos trabajos con absolutas mediocridades.Además de la odiosa comparación (perdida de antemano) Johnson tenía un handicap: lo repetitivo del sonido de los AC/DC. La propia banda bromeaba con ello. Siempre recuerdo una genial frase de Angus: “Alguna gente dice que tenemos 11 discos que suenan exactamente igual y no es cierto; ¡Tenemos 12 discos que suenan exactamente igual!” Para ejemplificar esto basta comparar, por ejemplo TNT con Dirty Deeds Done Dirt Cheap.. Es difícil progresar repitiendo fórmula una y otra vez. Al final uno se vuelve cansino y se estanca.Responder