El otro blog de José Luis

Música, cine, geek life

Mike Olfield Story & Turning back the clock


INTERVIEW: One On One With Steven Wilson – Music Life Magazine

Steven Wilson in Hamilton, Ontario the night before this interview was conducted. (PHOTO: Paul Barrie)

Sunday, November 25th, 3:30pm @ London Music Hall (backstage) – London, Ontario

KB: One of the things that struck me was that last year you ended up on British Breakfast Television and I sort of thought to myself “This is something I thought I’d never see.” Are there any milestones, particularly ones that might not be obvious, that you’ve passed in your career that you can think of?

STEVEN WILSON: I mean, it’s interesting that you think it’s something you thought you would never see. And I totally understand why you wouldthink that, and I think a lot of people think that.  And the simple reality of that is, if I had achievedwhat I’ve achievedin any other musical genre, I would be – I wouldn’t say ubiquitousin the mainstream – but I would certainly be quite evident in mainstream pop culture.  If I played hip hop music, if I played R and B music, if I played electronic music, and I had sold the number of records I’ve sold and the number of ticketsI’ve sold, and done the number of tours I’ve done and I’ve had the Grammy nominations and all this stuff, I would be – I wouldn’t say a fixture of mainstream pop culture – but most people would know who I am.

The reality is that when I do pop up in mainstream culture it is an aberration and it is unusual and it shouldn’t be.

I’m not disagreeing with what you said – it’s absolutely true.  I think most people were like “Oh my god!” you know, “He’s on mainstream daytime television. That’s really weird!” And of course, the reality is that it’s only weird because of the kind of music I’m perceived to play. I come from a background of conceptual rock music, you know, classic rock – whatever you want to call it. And that music, largely, these days, is completelyinvisible in the mainstream. And, like I say, if even an artist that had sold much less than me was a hip hop or R and B artist you’d probably know them – the name would be a lot better known than my name is for example. And it’s a shame that that’s the case but it is the case.  I think thatwe’re all slightly surprised when rock music these days makes its presence felt in popularmainstream culture.

You know, I describe Metallica these days as the biggest underground band in the world.  Or, Iron Maiden – the biggest underground band, you know – these are two of the biggest underground bands in the world. They’re completely invisible in pop culture – completely invisible.  Okay, Metallica – occasionally you might hear one of their songs in a movie or something. But generally speaking they are a cult band. They’re a cult , comes to your city and sells out a fifty-thousand seat arena. And yet, if you see them in daytime tv, it’s bizarre – somethingabout it kind of jars.

KB: It would be something like Bruce Dickinson [lead singer of Iron Maiden] talking about his planes or something…

STEVEN WILSON: Yeah, something like that.  But if it’s actually them going on to talk about their music on a daytime tv show, it’s bizarre. But it’s not bizarre if an R and B act or a hip-hop act or somebody like that goes on mainstream tv to talk about their new album. And that’s something that’s really happened, I think, since the turn of the millennium. Because even I think in the 90s, it wasn’t so unusual for rock music to be in the mainstream. We had grunge music then, certainly in the UK we had Brit-pop, Brit-rock, and bands like Oasis werevery much at the centre of pop culture. Bands like Pulp, bands like Blur – these bands were at the centre of what was happening in pop culture.

And at the turn of the 21st century – sorry, I know this is getting completely off the topic of my music, but I find this stuff interesting – at the turn of the millennium, gradually these musical forms started to retreat from the mainstream.  So you get to the point where Steven Wilson pops up on breakfast TV in 2017 and it’s like, it’s like you’ve entered the Twilight Zone.  It shouldn’t be that way.

KB: Is it perhaps comparable to what happened with the neo-progmovement in the eighties where you had groups like Marillion selling a million records and people were going “What the hell are these guys doing” in the charts…

STEVEN WILSON: I think the best analogy for me is what happened with jazz music. Jazz music in the first part of the 20th century was pop music.  Kids would go to a dance, they would be dancing to Glen Miller or a big band. They’d be dancing to jazz music, or [doing the] Charleston, or whatever it was. And then rock and roll came along.

The equivalent to rock and roll these days would be hip-hop culture or R and B – it’s just pushed rock music right out of the mainstream. And I think rock and roll did that with jazz, in the fifties and sixties. And so now jazz music is very much the music of the aficionado, it’s the music of people who like jazz -they follow it, they’re obsessed with it – but it’s completely outside of the mainstream.  Although Kamasi Washington’s making a case for a come back in jazz.

But generally speaking that’s the way rock music has gone. So, jazz [was] dominant for fifty years, rock and roll music [was] dominant for fifty years.  Now it’s the time of hip-hop culture and deejay culture and R and B, and rock music now is struggling to kind of maintain a foothold – you know, it still sells; I still sell tickets, I still sell records.  Like we said, Metallica, Iron Maiden – still two of the biggest bands in the world. Roger Waters is still one of the highest grossing artists in the world.

So, it still sells tickets, but it’s a strange time where perception of the music that people listen to, the real music fans listen to, and the music that actually is part of the fabric of our lives have completely diversified. If you go to see a movie, if you watch commercials, if you wander into a clothes store in the high street, the music you will hear is R and B, hip hop, rap, whatever it is – that’s the music now that has formed the fabric of the popular mainstream.  And that has happened during my lifetime – in fact, that has happened during my career. Because when I started in the early nineties, it was Nirvana, Pearl Jam, Smashing Pumpkins – that was the dominant music.  So, it’s been really strange and fascinating and obviously a bit depressing to see how that has unfolded during my career. So a lot of the time – sorry, I know this is a very long answer to your question- a lot of the time I feel like I’m having to work twice as hard just to stand still every time in terms of the amount of interestI get from radio, tv, mainstreammedia.  Particularly in America – America’sthe worst of all. There is no-one that wants to write about rock music, there is no-one that wants to talk about rock music on the radio. If there are rock stations, they’re classic rock stations. They just want to play it endlessly – they just want to play Aerosmith, REMs Losing My Religion – endless, like oldies, not interested in new rock music at all. And even when a new rock band comes along, like Greta Van Fleet, it has to be so much a pastiche of an old band, but it’s almost pointless.I don’t know if you’ve heard that band.

KB: Yeah, I know the comparison – it’s pretty obvious.

STEVEN WILSON: It’s almost pointless what they’re doing.  I mean, they’re doing very well, because kids want to go and see a band that recreates the sound of Led Zeppelin.  But in terms of the overall trajectory of pop music and rock music, it’s a footnote – it’s irrelevant, it has no importance at all. So, it’s like going to see a covers band.  It’s like going to see a band covering Led Zeppelin, or Rush or someone.

So…I’ll let you ask your next question.

KBContinuing on with some historical comparisons regarding your career, I can remember watching a webcast about 16 or 17 years ago, around the time of Lightbulb Sun or StupidDream and an individual had asked you to explain what the meaning of a song was, and I recall you stating that you didn’t really like to explain what songs were about.  But certainly with recent albums, there’s a lot more – I don’t want to call a “message” per se – but you know, you’re engaging, there’s something behind the music that you’re communicating more directly…..

STEVEN WILSON: Probably true, probably true yeah.

KB: …and explaining.  Would you say that that is a deliberate change or personal growth?

STEVEN WILSON: I think these days it’s hard to be someone who makes art, music, film, painting, poetry, whatever it is you do – writes books – it’s hard to be someone that does that and not engage in with what’s going on in the world, even if it’s in a very, sort of, impressionistic way.  You know, some people want to write science fiction movies, science fiction books, science fiction concept albums, but of course the beautiful thing about science fiction and I think when it’s most powerful is when it’s very obviously analogous to the world that we live in. So, it’s dystopian, it’s talking about the world we live in in a kind of science fiction context.  Personally, I’ve never been interested in movies like Star Wars, for me that’s just Cowboys and Indians. But take a movie like Blade Runner or Under the Skin or Personal Shopper, those kind of movies, those science fictionmovies that absolutelyare about this dystopian world that we live in, just abstracted, just one step away from the world that we live in to make us think about the world we live in.

And I think that’s really interesting – that it’s difficult for anyone now, I believe, I think it’s difficult to write or create anything without at least referencing what’s going on in the world because it isn’t good – it’s not good! [laughs]And I don’t think anyone would, you know, disagree – well maybe people living in the deep south of America would think everything’s awesome – but generally speaking, I don’t think anyone could look at the world right now and think it’s going well. It’s not. So, maybe as I’ve got older – you know, they say as you get older you become a little bit more grumpy, and a little bit more conscious of the world that you live in and the legacy that you leave, after you go, after you pass away.  I’ve got children now – albeit my step-children – but still, that makes you think about the world in a different way.

And then I think there’s another answer to your question which is that I just think I’ve become a little bit more confident about being more direct with the songs. And that just comes with practice, you know – being able to say things that are very direct but still have a kind of poetry to them. And, I like that – I think it’s nice when you can encapsulate, without wanting to sound pretentious, it’s nice when you can encapsulate the human condition somehow in a single line in a song.

There’s a couple lines I’m really proud of, you know – or I feel like I’ve really [thinks for a few seconds]. There’s a song on the new record called Song of Unborn. “It’s not the years you’ve passed, it’s the moments that last forever within you.”  I think that’s really beautiful – and I don’t come up with those lines very often, but when I do I’m really proud of them! Or, “I’m tired of Facebook, I’m tired of my failing health, I’m tired of everyone, and that includes myself.”

So those things for me, they’re the things that I can point to and say “Yeah, I’m actually proud of that.”  Because that says something, I think, that speaks to everyone, or that has the potential to speak to everyone, and hopefully people can see something about their own life reflected back at them in those.And I think to be able to come up with those lines, which are these like little jewels – you know, I wish I could come up with them all the time and I can’t, but occasionally if I do come up with something like that, I’m really proud.

KB: In other words, it’s music that has a universal message, or that has a resonance, as opposed to in the past more obscure lyrics that people would be filling in with their own meaning.

STEVEN WILSON: And I think that stuff can work, too. I think that stuff can work really well, One thing I do – I think I find I do more – is I don’t…I hope I don’t preach in my lyrics.  What I do is that I write stories, sometimes about characters, sometimes about myself, and in a way I think the more – and I’ve said this many times before and I’ll say it again because I think it’s really true – the more selfish you are as an artist, the more people can read themselves into what you’re talking about.  What I mean by that is, if you try and talk very broadly about the world that we live in, politics, wars, all this stuff that’s going on, I think it can be quite cold and a little bit impenetrable.  But if you make it about yourself, I think it’s easier for people to empathize and see themselves reflected in that.

So there’s this kind of paradox going on that the more selfish I am, the more self-indulgent I am about the way I write the songs, the more insular I make them, the more potential there is for people to really see themselves.  Because we do have this kind of shared, you know, experience, don’t we?

KB: On to more recent things.  You’ve recently released the Home Invasion concert film – it has been very well received.  Were there any concert films, or even non-concert films that you had in mind, especially considering the fact that this film has a lot of cinematic technique involved (i.e. split screens etc.) as opposed to just shots of musicians?

STEVEN WILSON: Yeah, that’s a good question.  Well, I mean, for me my two favorite live performance films are not in a venue, and I would say Sigur Ros’ live performance video dvd where they’re performing on the side of a mountain in Iceland and then at a school hall, and then Live at Pompeii, the Pink Floyd one. And there’s something about the fact that both of those are not in a concert venue that I think makes them more cinematic and more watchable in kind of repeat terms, because the landscape becomes part of the appeal of them.  I would have loved to have done something like that, but it wasn’t practical, unfortunately – we did look at it.

KB: Did you have a location in mind?

STEVEN WILSON: We had a location, yeah, we had a location and it was just so expensive to get the gear there and do it- I’m not going to tell you where it was, ‘cause we might still do it one day. So, for practical reasons it came down to we’ve got to film a show in the venue, andI’d kind of resisted that for the last three or four tours, because it always came up – should we do a live thing. So, I don’t think it’s possible to capture, you know, what’s going on – the screens, and the quadrophonic sound, all this stuff. So, in the end, I was talked into it partly because the Albert Hall is such a special venue. It does have a magic to it. And also the fact that I was doing three nights there meant thatby the time we filmed on the third night, I think we felt quite comfortable, having already played the two previous nights.  “Ok, this feelsquite natural, comfortable now.”  That made it kind of less self- conscious for me. “Ah! Oh god, we’re filming tonight!” You know – because we’d already done two shows there, so it’s “Ah! it’s another show, it doesn’t matter, you know, just relax!” And hopefully that relaxed feeling comes across.

And I think you picked up on it already – one of the things I encouraged the guys that were editing it, “Think of this as a piece of cinema. I don’t want you to just think of this as five blokes walking on stage – let’s show them doing their thing.  Think of it as a piece of cinema.”  So you do have split screen, and you have overlays, and you have slow motion, and you have blurring effects, and you have this more impressionistic approach to the film, to the editing. And to me – ironically- that makes it more like the feeling of being there than if you just had a static, you know, well – not static – but just cut aways and things.  For me, that makes it closer to what it’s like to being at the show.

KB: What also might be a factor is that you’ve had some specials on YouTube or Yahoo.  So there’s documentation out there for those who want to see it, as opposed to doing what other groups like Dream Theater have done, releasing a triple set nearly every tour it feels like.  With those other online broadcasts, there is stuff out there.

STEVEN WILSON: I guess soI guess so. You know, I grew up in the eighties and it was, for me, as a fan of the bands I was growing up with, the norm was you would get a live album [pauses]…Maybe every four or five studio albums there would be a live album. And then they would make another four studio albums. And then there’d be another live album.And it’s got to the point now where some bands it does seem to me they do one studio record and then there’s like three live DVDs.

 And, after a while, it becomes a bit more of the same, more of the same, more of the same.  So I guess come from the old-fashioned tradition where you’ll do an official live document every three or four albums and you make it really special and you make it count. And I think that comes from growing up in a climate where the…you know, I remember Rush used to do like four studio records then they’d do a live album, and it would be a double. And then of course, the other beautiful thing about that is that the repertoire in that period has completely changed.

KB: It also bookends periods, and signifies perhaps a change in style…

 STEVEN WILSON: And my previous DVD concert film I think is from2011, and I think I’m right, in saying there isn’t a single song which is common to both. I’m thinking now….

KB:…very few if any…

STEVEN WILSON: I don’t think there’s any song that was on that first concert film that is on that second concert film. And I like that fact.

KB: I’m also thinking of the fact you can go online and see set lists of the show, often while the show is still going on.  Has this impacted your set lists? I’m keeping in mind, as well, that you have stated you are justifiably proud of this set and tour – is this why the setlist has remained virtually the same?

STEVEN WILSON: It is a show. And what I mean by that is it’s a show which has been very carefully sequenced and choreographed.  Now, there is flexibility within the show to change things up.  For example, a couple of nights ago, in Montreal, we substituted about seven or eight songs, because we’d been to Montreal this year already. So, for example, here tonight – I’ve never been to this city – now, I know it’s very near to Toronto, I’m sure there are a few people that will have travelled. But generally speaking I’m imagining most people who’ve come here tonight won’t have seen the show before, so we’ll probably do something, what I will call our “A” set tonight, which is the show that’s in the concert film [Home Invasion] – a variation of it. Tomorrow in Toronto, because we were there in April, we’ll do something a bit different. So, I’m very proud of this show.

One of the things that happens when you tour, I think….You know, when we first got together to rehearse for this tour back in January, we did rehearse about four hours of music.  But, inevitably, there was a particular sequence that felt better than all the other sequences.  It’s like putting an album together- when you start putting the tracks together, there’s something that feels really satisfying about a certain flow and about a certain track selection. And, I guess in a way, I’ve fallen into that trap, you know. I just love the way this show flows, and that’s pretty much the show that’s on the Home Invasion concert film.  Thatshow justfelt really satisfying- the way it kind of just unfolded.

KB: Having a similar set also means that a lot of people who haven’t seen the show get a chance to see it .


KB: And if people come again, they know what they are getting.

STEVEN WILSON: I mean, I’m kind of caught between two stools. If you go and see a show in the west end in London, for example, of course that show is the same every single night. And some people go back time and time again and see that show. And then you go to the other extreme, a band like GratefulDead, where you never knew what songs that you would get to hear them play every night. [pauses]And I’m kind of…I like that idea, I love the idea, that fans can come and they don’t know what they’re gonna hear. But at the same time, I also like the idea that there’s a particular show which feels the most powerful in terms of the dynamics and the flow.  So I’m kind of caught between the two things. I’d love one tour just to go out and be able to just change the set every [show] – maybe one day I’ll do that, just rehearse like six hours of material, and just go out and just “You know, tonight we’re gonna start with this. And we’ve never started with that” – just so the fans would never know what’s gonna come. At the moment the show is pretty much the show.

KB: Wrapping up, you have stated in other interviews that you feel that the current lineup of touring musicians is one you feel very confident with.  Is the plan to stick with them as long as possible, either in studio or in concert?

STEVEN WILSON: Not necessarily. I mean, like, for example on To the Bone I didn’t really use the band as much I had on the previous records. The previous two records were very much band records. [On] To the Bone I used different drummers, and different guitar players.

KB: For the 4 1/2 ep you used live recordings/backing tracks of a few songs as a basis.

STEVEN WILSON: Exactly, yeah, it [To the Bone]wasn’t like that.  I played most of the guitar myself, I played most of the keyboards myself.

The record I’m working on right now, again, is very different.  I think that they will all be involved, but not to the extent that I think those albums like Raven and Hand Cannot Erase were like the sound of a band in the studio cutting a backing track – which they very much were.  I’ve moved away a little bit from that.  So…[long pause] I don’t know the answer. I think it depends how the studio record turns out.

In the back of my mind I feel like maybe it’s time to change things up a bit. That doesn’t necessarily mean changing the band, but changing the approach maybe.  I don’t know. I think in terms of what I’ve been doing
with the live show at this level, I’ve taken it as far as I can within the sort of financial constraints, you know. If I had the kind of budgets that Roger Waters or Muse had, I’m, you know…But, what I’m doing in this level, I’m pushing it as far as I can, really, with the screens and the quadrophonic sound and the musicianship.  Considering I’m playing relatively still small venues.  So I’m thinking,“Well how can I – what can I do next time that would be different again.” And I’ve haven’t figured that bit out yet. I don’t know the answer to your question. We’ll see, yeah!

I’m all about reinventing myself, and I’m all about…because I get bored with my own music, too, like a lot of people do, I’m sure – get bored.  I don’t want to repeat myself. I don’t wanna allow myself to fall back on my own cliches.  I wanna push myself and try different things all the time, no matter how much resistance I get from my own fanbase and there is always resistance to that.  I kind of thrive on that in a way.

So – it’ll be different again.  I don’t know how yet, of course.

Alan Parsons on 35+ Years of ‘Eye in the Sky,’ Proper Speaker System Setup and His New Album (Q&A) | Rock Cellar Magazine

George A. Paul August 9, 2018


Alan Parsons made his initial mark in the music world by engineering or producing successful late 1960s and ‘70s releases by The Beatles, Pink Floyd, Paul McCartney & Wings, Al Stewart, Ambrosia and others.

After forming The Alan Parsons Project with Eric Woolfson and a releasing a run of bestselling albums, they emerged with the mesmerizing Eye in the Sky in 1982. It became the studio group’s highest charting work, while the lush title track reached #3 on the Billboard Hot 100.

Last December, a lavish four-disc box set was released to mark the 35th anniversary of Eye in the Sky. The exceptional collection includes bonus tracks, songwriting demos from Woolfson (who passed away in 2009), unreleased material, the 2007 original CD remaster, double gatefold LP half-speed mastered at 45 rpm, 5.1 Surround Sound and Stereo HD Eye mixes on Blu-ray, promo flexi-disc replica, poster, postcard and a 60-page hardback book with essays, rare photos, new musician interviews, credits and other interesting ephemera. All told, it’s a must-buy for dedicated fans.

“Sirius,” the instrumental opening track on Eye, has soundtracked the Chicago Bulls’ opening lineup introduction since the ‘90s and heard in conjunction with countless sporting events and programs. Other examples of The Alan Parsons Project’s enduring influence can be felt via sampling by Daft Punk, Jay-Z, Kendrick Lamar and P. Diddy. APP was mentioned in “Austin Powers: The Spy Who Shagged Me” and a cartoon version of Parsons will appear in an episode of “Family Guy” in 2019.

Now, a standalone Blu-ray audio version of Eye in the Sky is available from Real Gone Music. Parsons is currently working on his first new studio album in more than a decade – tentatively titled The Secret – slated for release next spring on Frontiers Records.

We caught up with the Grammy nominated Englishman for a quick chat from his organic avocado ranch home in Goleta, Calif. (near Santa Barbara), which contains the just-opened ParSonics Studio and a Neve Shelford 5088 analog console.

Rock Cellar: Was the new Blu-ray edition of Eye in the Sky always planned as a separate release, or did online fan demand provide an incentive?

Alan Parsons: I certainly had in mind for it to be a separate release. It did take a few conversations with the label to convince them that it was a good idea because there are a lot of surround sound enthusiasts out there that didn’t want to buy the full-blown box set. If they were adamant that they had to have it [right away], then they had to buy the box set. I think some people had a bit of patience and either borrowed a friend’s [copy] or waited until this Blu-ray release.

eye in the sky blu-ray

Rock Cellar: What kind of feedback have you received about the box set?

Alan Parsons: I’ve heard some very good reviews and some very bad reviews.

Rock Cellar: Bad ones? Really? I’m shocked.

Alan Parsons: Well, I am too. I think it was from people who didn’t know how to set up their stereo systems and stuff. I almost wish that I’d done a test section on the disc so that people could make sure that their speakers are in the right place. DTS, the company behind one of the surround sound encoding systems – they used to put a little test on the front of all their stuff. In hindsight, I wish I’d done the same.

Rock Cellar: What were some of the main challenges in creating the 5.1 surround sound mix? Was it locating all the original multi-track masters?

Alan Parsons: That was a challenge in itself. But we managed to lay our hands on everything that was necessary to perform the surround mix. The only one that I had a bit of trouble with was “You’re Gonna Get Your Fingers Burned.” I had to compromise slightly on that because one of the tapes was missing. We managed to make a good job of it. Nobody noticed that it was compromised in any way.

Rock Cellar: For the average music listener who’s not an audiophile, would you describe the difference between stereo to 5.1 as a dramatic sonic leap?

Alan Parsons: I’ve always maintained that it’s same dramatic leap that mono to stereo is. It’s really tough. If you’ve spent a day mixing in 5.1 and you have to go back to stereo, it’s quite an anti-climax. I’ve supported 5.1 surround for a number of years. I just wish it would take off in earnest. It just seems to generally be considered – wrongly in my opinion – a home theater format. Not enough people have accepted it as a music one.

Rock Cellar: Do you think people are too content listening to compressed downloads and inferior streaming on their devices instead of getting a full immersive musical experience?

Alan Parsons: Sadly, the average quality that the average consumer is hearing now is appalling. It really is. The nice thing about doing a surround mix is it means that you must have a proper home setup of some sort, presumably with speakers. There are headphone systems – even with a sheepish Costco system, it’s still a good experience. Of course, I didn’t conceive either Tales of Mystery and Imagination or Eye in the Sky as being surround sound releases at the time. So, it was a challenge to find new placements between the five speakers for content on the 24-track.

Rock Cellar: One element of the Blu-ray that I found impressive was the visuals. There are archival photos of you and Eric and changing graphics as each track progresses. They’re simple, but effective.

Alan Parsons: Yeah, I think the authors did a very nice job on that. I didn’t want it just to be a static image with no graphics at all.

Rock Cellar: Turning to the box set, it really gives fans the full picture of how Eye in the Sky came to fruition. When did the whole process of gathering everything start?

Alan Parsons: You got me there. Probably at least six months before. [Eric’s daughter] Sally Woolfson did all the work on unearthing those demos. I didn’t really have much to do with that because she had all the tapes at her place. She’s the one who went through them all and logged everything. Then had them transferred to hard discs so they could be compiled for the album.

Rock Cellar: Did you and Sally have all the old album review clips, record company memoranda and photos that are included in the box stored somewhere?

Alan Parsons: We both had stuff and there’s a collector in Atlanta, Kirk Keister. He’s been a memorabilia collector right from the beginning. He had a load of stuff.

Rock Cellar: In the process of gathering all the audio and visual material, were you surprised about anything you found?

Alan Parsons: Of course, the bonus tracks, rough mixes and so on were sort of long forgotten because they weren’t on the original release. Yeah, it was quite an ear-opener hearing those again.

Rock Cellar: While making the original Eye in the Sky album, you utilized a couple of instruments which were either new or relatively new at the time: the LinnDrum machine and the Fairlight CMI digital synthesizer, sampler and audio workstation. Were you the type of producer and musician who always wanted to use the latest technology?

Alan Parsons: I tried to. There’s an incredible amount of technology released every minute these days. We have plug-ins…if you’re a studio engineer, it’s kind of your job to keep up with new developments. There’s so much stuff out there now. It’s really hard to stay abreast of it all. I’m not really a computer guy. I’m an old school analog mixing kind of guy. I have an excellent [house] engineer, Noah Bruskin. He’s quite a guru on ProTools. He’s been a big asset to the new studio operation.

Rock Cellar: Listening to Eye in the Sky now, it doesn’t sound dated compared to other albums that came out at the same time in 1982.

Alan Parsons: I’m glad to hear you say that. P.J. Olsson, who is also the singer in my live band, was the computer engineer on both ‘Tales’ and ‘Eye in the Sky’ [reissues].

Rock Cellar: At the time of Eye in the Sky’s original release, The Alan Parsons Project had been on a hot streak after The Turn of a Friendly Card went top 10 in eight countries. Do you think it resonated so strongly because of that previous success?

Alan Parsons: It certainly helped. We had two hits on ‘Turn’ – “Time” and “Games People Play.” I think ‘Eye in the Sky’ was much anticipated and of course the title track was a pretty big hit.

Rock Cellar: If you were forced to choose your favorite Alan Parsons Project albums, would Eye in the Sky be among them?

Alan Parsons: Yes, for sure. But only when played with “Sirius” as its intro.

Rock Cellar: Are you amazed by how many licensing and sample inquiries you’ve had for that track?

Alan Parsons: It’s almost unbelievable. Literally one every couple of weeks comes in.

Rock Cellar: When exactly was your first gig with the Alan Parsons Live Project? I’ve seen different time frames.

Alan Parsons: 1994. That coincided with my first album without the word “project” in it – [1993’s] ‘Try Anything Once.’

Rock Cellar: After you’d finally played a series of shows, did you think, ‘I should’ve done this years ago?’

Alan Parsons: I did, actually. Eric Woolfson never really showed much interest in doing live shows. We did form the live band essentially to promote Try Anything Once. The vast majority of material that we played then, and we continue to play to this day, is Alan Parsons Project material.

Rock Cellar: Last year, you performed the entire I Robot album in concert overseas.

Alan Parsons: That’s right. It’s been going great. The 40th anniversary was a good excuse, I thought.

Rock Cellar: Any plans to do any of those full album shows here in the U.S.?

Alan Parsons: I Robot is still very much on the cards for our future shows this year. Probably by the time we get to next year, we’ll be replacing a lot of the stuff with material from the new album.

Rock Cellar: Is it true you have some top name guests on it?

Alan Parsons: If I told you who they were, it wouldn’t be a surprise.

Rock Cellar: Looking back on your early days as an asst. engineer at Abbey Road Studios in London while working on the final Beatles albums, did you learn anything from George Martin that you later applied to your own producing methods?

Alan Parsons: Just his mild manner and his ability to talk the same language as any musician, from classical to hard rock. He had this respect that people really enjoyed. I tried to be a similar character. To be someone who was always ready to listen to an idea and somebody who could equally inject ideas.

He was always a team player and that’s how I felt I was as well … and continue to be to this day.

Geoff Emerick, ingeniero de sonido: “Los Beatles eran algo serio, pero era divertido verlos trabajar”

El británico ingeniero de sonido Geoff Emerick fue parte de la banda más emblemática del rock. Con nostalgia nos cuenta anécdotas de los días que compartió junto a los cuatro de Liverpool.

“Conociendo a los Beatles y viendo a otros artistas, cuando los conocí me parecieron muy divertidos”, nos comentó al recordar su primer encuentro con los “Fabuloso Cuatro” y su relación a lo largo de los años.

A pesar de ser coproductor de Los Beatles en “Revolver” y “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, considerados como dos de los diez álbumes más importantes de la historia del rock, Geoff Emerick puede seguir caminando tranquilo por la calle. “La contribución de los ingenieros de sonido aun no se valora lo suficiente”, escribe Elvis Costello en el prólogo del libro autobiográfico de Emerick “El sonido de Los Beatles”. El hombre detrás de las consolas, responsable de buena parte del salto cualitativo de la banda en sus discos insignias, nos atiende muy amablemente recuerda sus años dorados con la banda de Liverpool.

¿Cómo llegó a ser ingeniero de sonido de la banda más icónica de la historia?
Yo tocaba un poco el piano y la guitarra, pero más que nada me gustaba mucho la música. Mi sueño era trabajar con músicos, y así fue que con apenas quince años entré a trabajar a lo que posteriormente se conocería universalmente como Abbey Road.

Que por aquel entonces era EMI.
Exacto, en 1962. Y Los Beatles eran unos infiltrados en el estudio 2 en Londres, donde en general se grababa música clásica. Yo era asistente. Mi trabajo consistía en mantener limpios los equipos, que todo funcionara bien. No estábamos muy acostumbrado a ver a cuatro rockeros ahí. Así que pedí permiso para estar en la sesión.


¿Cuál fue su primera impresión sobre los Fab Four?
Que no querían quedar como melódicos en su primer single. John (Lennon) estaba muy enojado. Aunque lo intentara, no podía sacar adelante “How do you do it” (canción por cierto un tanto melosa, que sería el debut discográfico de Los Beatles). Tras parar varias veces la grabación miró hacia la cabina donde estaba George (Martin) y le dijo: “Esta canción nos parece una mierda”. Martin abrió el micrófono y le contestó: “Te voy a decir lo que vamos a hacer, John. Cuando puedas escribir una canción tan buena como ésta, la grabamos”. Como siempre fue Paul el que sacó la situación adelante y se apareció con “Love me do”. De todos modos la grabación fue un tanto improvisada, el tema estaba poco ensayado y George (Martin) no estaba satisfecho. El estudio cerraba a las 10, pero ellos pidieron quedarse un rato más para seguir probando. Mi jefe se fue y yo me quedé a cargo.

Es decir que estuvo ahí casi desde el principio.
Yo todavía estaba a un costado. Pero me gustaba estar ahí. Vi todas las versionas de “Love Me Do”. Primero con Best, que a las dos semanas fue reemplazado por Ringo (Starr), y una nueva con Andy White.

Ese fue mi primer aporte a la banda (risas), le dije a Ringo que estaba parado al lado mío en el control que en vez de estar ahí sin hacer nada, entrara al estudio y tocara la pandereta en la que resultó la versión definitiva.

¿Y cómo fue el salto a estar a cargo en “Revolver”?
El que verdaderamente estaba a cargo era George. Él me eligió. Un día llegué a trabajar y me dijeron que me esperaban en la oficina del gerente. Ahí estaba Martin sentado, y me preguntó si quería ser el ingeniero de sonido de Los Beatles.

¿Lo dudó?
Un poco. Era una responsabilidad enorme. Pero no tenía nada que perder. Si lo hacía mal todos dirían que era demasiado joven y con el tiempo tendría otra oportunidad. Entonces acepté. Tenía apenas 19 años. Los otros ingenieros me odiaron por un tiempo.

Como si fuera poco, en su primera sesión en la consola, ante unos Beatles que ya eran un fenómeno mundial, el ingeniero tuvo que hacer frente a los alocados pedidos de John Lennon, que quería que su voz sonara como “el Dalai Lama hablando desde la cima de una montaña”, en “Tomorrow never knows”.

La innovación de Emerick fue la grabación vocal de John Lennon en esa canción a través de un altavoz Leslie para obtener el sonido estéreo que Lennon quería. Recibió un Grammy por la ingeniería de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Abbey Road.

Además de este desafío, en los años siguientes Emerick estuvo a cargo del registro de “Sergeant Pepper’s…”, en donde entre otras cosas se llevó a cabo la famosa sesión de “A day in the life”, en la que una orquesta sinfónica grabó sin partituras, con la única indicación de las notas más altas y bajas que debían tocar.

¿Cuál es su disco favorito?
Revolver. Aprendí muchísimo, muy rápido. Entonces todas las grabaciones eran en mono. Y la solución más común para que la batería sonara más fuerte era que Ringo le pegara más. La configuración del estudio era toda una ciencia. La banda venía ya con sus requerimientos para encontrar un sonido distinto, sobre todo John, aunque nunca sabía muy bien como expresarlos, y menos aún cómo sacarlos adelante. Pero para mi era maravilloso poder hacer mis trucos.

¿Por ejemplo?
Lo primero fue conectar la señal del bajo de Paul a un altavoz grande que podría responder mejor a las frecuencias graves que un pequeño micrófono. Mis jefes me miraron como si estuviera loco pero me dejaron. Y el instrumento de Paul comenzó a escucharse más potente en las grabaciones de estudio. Y me di el lujo de coordinar los efectos y el coro de invitados de “Yellow Submarine” con Mick Jagger, Brian Jones y Marianne Faithfull.

¿En “Sgt. Pepper´s” tuvo más espacio para experimentos?
Absolutamente. El disco fue un desafío atrás de otro. John todo el tiempo venía con ideas. Y Paul estaba ahí para asegurarse de que salieran perfecto o no se incluyeran. Puse micrófonos en lugares extraños de la batería de Ringo, contra lo que eran las convenciones de EMI en esa época. Y lo mismo con los pianos. Nos quedábamos hasta cualquier hora.

Usted dice en su libro que John era el más vago y Ringo el más trabajador.
Un poco es lógico. John era el talento. Y tenía un espíritu más rockero. Los pequeños errores los dejaba pasar. Paul en cambio era implacable. Y Ringo no hablaba, tocaba cuanto le pidiéramos hasta las cuatro de la mañana, cuando se paraba, se ponía su abrigo, y entonces dábamos por terminado el día sin que nadie dijera nada. Agotados.

¿Ese agotamiento propició los conflictos durante la grabación de Álbum Blanco?
Puede ser. En realidad fue un poco de todo. John claramente quería ir por otro camino. Estábamos grabando por sexta vez las voces de “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, cuando George empezó a criticar el desempeño vocal de Paul, a lo que Paul respondió: “Porqué no bajas y lo cantas tú”. Ahí le dije a Martin que yo me iba. Me pidió que aguantara un poco más. Él también se había pedido vacaciones porque la situación era muy tensa. John me insistía que el enojo no era conmigo, aunque antes había tenido algunos comentarios que no me habían gustado.

¿Hubo algún tipo de charla con el grupo cuando volvió para “Abbey Road?
Sí. Y sirvió para que en todo caso yo cerrara algunas heridas. Pero no entre ellos. Ya no había química.

¿En algún punto se percató de que ese sería el fin de la banda?
Supe que todo se iba a la mierda cuando Yoko (Ono) trajo su cama al estudio (risas).

¿En serio? ¿Y los otros no dijeron nada?
Eso fue lo más loco, nadie dijo nada. Era parte de las provocaciones de John, alentadas por ella. Paul sabía que si lo cuestionaba, John se iría.

¿Y George Martin qué decía?
Tenía una mirada más naïf. Creyó que si hacían un disco “como antes” todo volvería a estar bien. Yo volví al estudio en parte con esa condición, acompañado por Alan Parsons que entonces era uno de mis ayudantes (risas). Pero la banda estaba rota. Si uno tenía que quedarse a grabar de nuevo su parte, el resto se iba y se quedaba solo.

¿Vino bien para hacerle lugar a George Harrison?
Además de sumar dos temas que habían quedado afuera del Álbum Blanco, fue uno de los primeros discos en que usan un sintetizador Moog, tocado por George (Harrison). Un pequeño orgullo.

Las grabaciones se cerraron precisamente con “The end”. ¿Sabía que todo se terminaba ahí?
Creo que de alguna manera lo percibíamos. Por eso hay un solo de cada uno. Aunque no pensé entonces que nunca iban a volver a tocar juntos. Si lo hubiésemos pensado creo que se habría dado una conmovedora despedida que no sucedió.

Después de The Beatles

Su carrera post-Beatles incluyó trabajar con Paul McCartney (incluyendo Band on the Run [que le proporcionó a Emerick otro Grammy], London Town, Tug Of War y Flaming Pie), Elvis Costello (para quien produjo Imperial Bedroom y All This Useless Beauty), Badfinger, Art Garfunkel, America, Supertramp, Cheap Trick, Nazareth, Split Enz, Mahavishnu Orchestra, Ultravox, el primer álbum en solitario de Matthew Fisher Journey’s End, y Jeff Beck, así como el aclamado álbum debut de Nellie McKay Get Away from Me. Fue el ingeniero de sonido en el álbum de Robin Trower Bridge of Sighs.

En 2003, recibió su cuarto Grammy, esta vez por el Logro Técnico de toda la vida.

En 2006, Emerick publicó su libro de memorias, “Here, There, and Everywhere: My Life Recording the Music of The Beatles”, co-escrito por el veterano periodista de música Howard Massey.

El 3 de abril de 2007 se anunció que Emerick estaría a cargo de una re-grabación del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band con artistas contemporáneos, como Oasis, The Killers, Travis y Razorlight. Emerick utilizó el equipo original para grabar las nuevas versiones de las canciones, y los resultados fueron difundidos en la BBC Radio 2 el 2 de junio, conmemorando el 40 aniversario del álbum.


Cronología de las ediciones de The Doors’ Live At The Matrix. Último capítulo : RSD 2018


Live at the Matrix 1967 es un álbum doble en vivo de The Doors, compilado y resequenciado (no sé muy bien que significa esto, pero a lo largo del artículo saldremos de dudas) de grabaciones realizadas el 7 y 10 de marzo de 1967 en The Matrix en San Francisco por el copropietario del club, Peter Abram.

La grabación es notable porque es una de las primeras grabaciones en vivo de la banda que se sabe que existe: The Doors había grabado un solo álbum en marzo de 1967, “Light My Fire” aún no se había lanzado como single, y todavía eran relativamente desconocidos fuera del sur de California.

Esto es parte del material inédito de la colección de álbumes Bright Midnight Archives de The Doors. Editado por Rhino el 18 de Noviembre del 2008 en doble CD.

Esta es la nota de prensa de Rhino

Rhino y Bright Midnight Archives presentan The Doors ‘LIVE AT THE MATRIX 1967, la última entrega de la aclamada serie de lanzamientos de conciertos de archivos de la banda. Esta nueva entrega de dos discos al cattálogo de grabaciones en vivo de la banda contiene los dos shows del club, presenciados por pocos pero pirateados por muchos. Restaurado y cuidadosamente masterizado a partir de cintas de primera generación (luego resultaron ser de tercera) adquiridas por Elektra Records y The Doors hace 40 años, estos espectáculos históricos nunca sonaron mejor, ejemmm!!. La colección, con la portada del legendario artista de San Francisco Stanley Mouse, estará disponible el 18 de noviembre en todos los puntos de venta minorista.

Donde los últimos tres lanzamientos de Bright Midnight Archives documentaron la gira final de The Doors en 1970, LIVE AT THE MATRIX 1967 rebobina los primeros días de la banda para un par de shows en un club de San Francisco en marzo de 1967. Sólo un puñado de personas asistieron, así que Jim Morrison, John Densmore, Robby Krieger y Ray Manzarek jugaron el uno para el otro, explorando arreglos de canciones y tocando algunos favoritos de blues. Irónicamente, sólo unas semanas después de la presentación en la sala The Matrix, el segundo sencillo de la banda, “Light My Fire”, los haría famosos, vendiendo un millón de copias en su camino a encabezar la lista durante The Summer of Love. “Era a principios de 1967 y The Doors estaban a punto de entrar en la conciencia de la nación. Y así sonaba”, escribe Manzarek en las notas del álbum.

A pesar de que la sala estaba semi-vacía, la banda estaba completamente inmersa en su actuación, aprovechando el tiempo para dar letras al “The End” y “Back Door Man” y creando secciones ampliadas de los temas. “Esto es probablemente lo más cerca que hemos llegado a un verdadero documento de The Doors sin restricciones”, dice Bruce Botnick, productor del álbum y coproductor e ingeniero de la banda durante mucho tiempo.

La banda realiza gran parte de su debut homónimo en el primer disco, incluyendo “Soul Kitchen”, “Alabama Song (Whiskey Bar)” y el primer sencillo, “Break On Through (To The Other Side)”. Junto con esos primeros originales, la banda se complace en su amor por el blues con “Who Do You Love” de Bo Diddley, “I’m A King Bee” de Muddy Waters, y “Get Out Of My Life, Woman” de Allen Toussaint, que nunca habían aparecido en ningún álbum anterior de Doors. El segundo disco ofrece una visión de la banda trazando su futuro, trabajando en las primeras versiones de varias canciones de los próximos álbumes: “Crawling King Snake” (LA Woman); “Summer’s Almost Gone” (Waiting For The Sun); y casi la mitad de las canciones del segundo álbum de The Doors, Strange Days.

Antes de que llegue The Doors ‘LIVE AT THE MATRIX 1967, Rhino ofrecerá una versión slipcase del aclamado box set de Perception. El 21 de octubre, esta colección de 6 CD / 6 DVD estará disponible en todos los puntos de venta por un precio sugerido de $79.98. Originalmente lanzado en 2006 en un paquete de lujo de edición limitada, el conjunto contiene los seis álbumes de estudio de la banda como conjuntos de CD / DVD.

Cada CD incluye la mezcla original del álbum expandida con grabaciones raras. El DVD contiene una mezcla de sonido envolvente del álbum, la mezcla estéreo del álbum del 40 aniversario, así como fotos, videos, letras y una discografía.

Esta cajita, por cierto, es una maravilla, la tengo y os la recomiendo.

Equipo de grabación
El 22 de noviembre de 2008, el ingeniero de grabación Peter Abram reveló en una publicación en línea el equipo que utilizó para grabar The Doors en The Matrix. “Utilicé un grabador de cinta Akai (válvulas), 4 micrófonos Calrad en el escenario y un mezclador de micrófono Calrad en el canal instrumental. En el canal vocal: un mezclador Knight con 3 micrófonos Electrovoice 676 (como el de la imagen) y Shure. Los micrófonos Calrad que utilicé en la pista instrumental era el modelo DM-21 “, dijo Abram.

Las cintas estéreo maestras originales de 1/4 pistas se grabaron a 7,5 ips en la grabadora de cinta a válvulas Akai de Abram.


Disco CD 1

  1. “Break On Through (To the Other Side)” (Jim Morrison) – 3:47
  2. “Soul Kitchen” (Morrison) – 5:51
  3. “Money” (Janie Bradford, Berry Gordy) – 3:02
  4. “The Crystal Ship” (Morrison) – 2:50
  5. “Twentieth Century Fox” – 2:46
  6. “I’m a King Bee” (James Moore) – 3:48
  7. “Alabama Song (Whisky Bar)” (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:16
  8. “Summer’s Almost Gone” (Morrison) – 3:46
  9. “Light My Fire” (Robby Krieger) – 8:14
  10. “Get Out of My Life, Woman” (Allen Toussaint) – 3:58
  11. “Back Door Man” (Willie Dixon, Chester Burnett) – 5:14
  12. “Who Do You Love” (Bo Diddley) – 4:31
  13. “The End” – 13:54

Disco CD 2

  1. “Unhappy Girl” (Morrison) – 3:56
  2. “Moonlight Drive” (Morrison) – 5:39
  3. “Woman Is a Devil/Rock Me Baby” (B.B. King) – 8:08
  4. “People Are Strange” (Morrison, Krieger) – 2:14
  5. “Close to You” (Dixon) – 2:56
  6. “My Eyes Have Seen You” (Morrison) – 2:56
  7. “Crawling King Snake” (Anon, arr. by John Lee Hooker) – 4:53
  8. “I Can’t See Your Face in My Mind” (Morrison) – 3:07
  9. “Summertime” (George Gershwin, DuBose Heyward) – 8:29
  10. “When the Music’s Over” – 11:11
  11. “Gloria” (Van Morrison) – 5:36




  • Produced by: Bruce Botnick
  • Production Supervisor and Personal Management: Jeffrey Jampol
  • Artists and Repertoire: Robin Hurley
  • Product Manager: Kenny Nemes
  • Project Coordinator: Cory Lashever
  • Project Assistance: John Espinoza, Steven Gorman, Bob Martin, Peter Tarnoff, Alessandra Quaranta
  • Cover Artwork: Stanley Mouse
  • Art Direction & Design: Bryan Lasley, Maria McKenna, and Joshua Petker
  • Doors Archivist: David Dutkowski
  • Photos: Bobby Klein, Jim Marshall, and Tim Boxer
  • Legal Representation: John Branca and David Byrnes

Problemas de la cinta maestra
El crítico musical de PopMatters Steve Horowitz relató en su reseña de Live at the Matrix 1967, que el CD de Rhino no se obtuvo de las cintas maestras de Peter Abram; El comunicado de prensa de Rhino indicó que se usaron “cintas de primera generación”.

El 2 de diciembre de 2008, Peter Abram permitió que se tomaran fotos de sus cajas de cintas maestras. Estas fotos fueron publicadas en línea en los foros de Steve Hoffman el 4 de diciembre de 2008.

Las anotaciones de Abram en las cajas de cinta maestras indican que se produjo un “atasco” entre “Soul Kitchen” y “Get Out of My Life Woman” durante el show del 7 de marzo de 1967.

Muchos fans empezaron a comentar que esta edición parecía haber sido sacada de otros bootlegs de mala calidad e incluso de otros conciertos.

Es una edición “maldita” por su calidad mejorable. Pero la historia no acaba aquí.

Steve Horowitz en su artículo para PopMatters nos explica las vicisitudes de la obtención de las cintas originales de estos conciertos.

El “Money” de Barrett Strong tiene la distinción de ser no solo el primer disco exitoso de Motown (en el sello Anna), sino que también es la única canción que se cubrirá en grabaciones de estudio tanto de los Beatles como de los Rolling Stones. The Doors nunca grabó este título en ninguno de los esfuerzos del estudio, pero mucho después de la muerte de Jim Morrison, las versiones en vivo de esta canción encontraron su camino en varias colecciones de Doors. Hay una versión en este nuevo lanzamiento de un concierto de Doors desde 1967, que es apropiado ya que este disco doble en vivo parece ciertamente un intento codicioso de sacar más dinero de los fanáticos de Doors.

La cuestión de qué se debe hacer con las cintas de más de 40 años de los viejos conciertos de Doors es problemática. Por un lado, no hay nada que ganar manteniendo la música bloqueada. Los fanáticos dispuestos a pagar para escuchar la música ciertamente se sentirán con derecho a hacerlo.

Por otro lado, la situación no es tan simple con este lanzamiento en particular. La compañía discográfica (Rhino, una subsidiaria de Warner Music Group) afirma que la música fue restaurada y masterizada a partir de cintas de primera generación. Peter Abrams, el dueño del club de San Francisco donde se organizó el concierto, grabó originalmente el programa y trató de venderlos a la compañía discográfica. Sin embargo, la compañía afirmó haber obtenido las cintas maestras en otro lado y sacar lo que está aquí. Los fanáticos de Ardent Doors rápidamente notaron las discrepancias entre las grabaciones de Abrams y lo que la compañía discográfica lanzó. Creen que esta música fue grabada de bootlegs, mientras que las grabaciones de Abrams supuestamente son mucho mejores en calidad, especialmente en temas como “Money”, que tienen un sonido asombroso y agitado.

Los fans de The Doors publicaron advertencias en el sitio web de las bandas y en las páginas de compras como Amazon pidiéndoles a las personas que no compren este producto. Los fans quieren que la compañía discográfica le pague a Abrams por sus esfuerzos y que edite las grabaciones de las cintas de primera generación. Esto aún es posible, según el manager de The Doors, Jeff Jampol.

Para complicar el problema está la cuestión de la integridad. Varios miembros de The Doors se han demandado por el uso legítimo de la música. Por ejemplo, el tecladista Ray Manzarek y el guitarrista Robby Krieger presuntamente quieren permitir que las melodías de Doors se usen en comerciales, mientras que el baterista John Densmore lo ve como una profanación del legado de la banda. ¿Es esta liberación de cintas de baja calidad una profanación?

¡Oh! Si existen grabaciones de mejor calidad y el propietario está dispuesto a vender, la compañía discográfica debe usarlas. The Doors y sus fans se lo merecen. Esto no es una cuestión de obtener ganancias. Esto es una cuestión de avaricia.

Dicho eso, ¿qué pasa con la música que se presenta aquí? Este concierto se grabó entre el 7 y el 10 de marzo de 1967 en un pequeño club en California justo después del lanzamiento del primer álbum de Doors y antes de que “Light My Fire” fuera un éxito. Son una banda algo oscura en ese momento. La audiencia aquí no se entromete en la música gritando, gritando y aplaudiendo. De hecho, a veces el público parece no estar presente y parece que las grabaciones se hicieron en un control de sonido o ensayo.

Eso significa que uno puede escuchar a The Doors tocar en vivo justo antes de que el circo comenzara. Morrison y compañía pueden lanzarse a improvisar, olvidarse de las palabras, tocar notas equivocadas y simplemente tocar sin preocuparse por su inmortalidad. Nadie interrumpe la introducción de las canciones que hoy son super-conocidas con aplausos, porque la banda no tenía melodías reconocibles en aquel momento. Esto nos lleva a algunos momentos mágicos. Uno puede escuchar todas las palabras de una canción como “People are Strange” o “The Crystal Ship” porque a Morrison le importan lo suficiente las letras para enunciarlas cuidadosamente en lugar de solo interpretarlas. Esto también lleva a algunos esfuerzos monótonos. La versión instrumental de jazz-rock, de ocho minutos de duración, del “Summertime” de Gershwin no produce momentos reveladores.


Live at the Matrix 1967 funciona como un documento de archivo de The Doors antes de que la banda explotara y la fama los superara. Los fanáticos casuales estarían mejor si se saltan esto, pero los entusiastas seguidores saben que hay escenas extrañas dentro de la mina de oro y hay algunas pepitas brillantes que se pueden encontrar aquí.

El año pasado tuvimos la suerte que se editará en vinilo una pequeña parte de aquellos memorables conciertos en el club The Matrix en San Francisco. Fue en el marco del Record Store Day 2017. Maravillosa grabación extraída esta vez sí de las cintas originales de Peter Abram.

The Doors’ Live At The Matrix fue grabado en Marzo, 1967 en San Francisco. Recientemente masterizado por Bruce Botnick, el ingeniero histórico de The Doors, de cintas master originales recientemente descubiertas.

Celebrando los 50 años de The Doors, Live at the Matrix ahora está en vinilo por primera vez, exclusivamente para el Record Store Day 2017. (Número limitado a nivel mundial, emisión individual de 10,000).


  • 01 Back Door Man (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 02 Soul Kitchen (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 03 Alabama Song (Whisky Bar) (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 04 Light My Fire (Live at the Matrix 3/7/67)


  • 01 The Crystal Ship (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 02 Twentieth Century Fox (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 03 The End (Live at the Matrix 3/7/67)

Este año, el 21 de abril de 2018 se celebrará el record Store Day y vamos a tener disponible una “segunda parte” en vinilo de este concierto.

Tras el éxito de The Matrix Part I para RSD 2017, la segunda parte: The Doors ‘Live At The Matrix: Let’s Feed Ice Cream To The Rats, San Francisco, CA – Grabado el 7 y 10 de marzo de 1967.

Se edita para RSD 2018. Originalmente grabado en marzo de 1967 en San Francisco.

Recientemente masterizado por Bruce Botnick, el ingeniero histórico de The Doors, de cintas master originales recientemente descubiertas.


  • Unhappy Girl (March 7, 1967 – Show 2)
  • Moonlight Drive (March 7, 1967 – Show 2)
  • People Are Strange (March 7, 1967 – Show 2)
  • My Eyes Have Seen You (March 10, 1967 – Show 1) Summer’s Almost Gone (March 10, 1967 – Show 2)


  • I Can’t See Your Face In My Mind (March 7, 1967 – Show 1)
  • When The Music’s Over (March 10, 1967 – Show 2)
  • Let’s Feed Ice Cream To The Rats :: The End [Partial – Tape Runs Out] (March 10, 1967 – Show 2)

Se está criticando mucho en los foros, que disponiendo Rhino de las cintas originales grabadas por el propietario del club, no se editen de una vez por todas los conciertos completos de aquellos dos días.

Esta es la historia de las diferentes ediciones de esta grabación según monkbougthlunch en el foro de Steve Hoffman. Toda una odisea…


Matrix release history.

Matrix Sampler #1

October 28, 1997: The Doors Box Set — master tapes not used

1. The Crystal Ship
2. I Can’t See Your Face In My Mind

Matrix Sampler #2

November 18, 2008: Live At The Matrix 1967 — master tapes not used. Press release: “Restored and carefully mastered from first generation tapes acquired by Elektra Records and The Doors 40 years ago, these historic shows never sounded better.”

Disc one

1. “Break On Through (To the Other Side)” (Jim Morrison) – 3:47
2. “Soul Kitchen” (Morrison) – 5:51
3. “Money” (Janie Bradford, Berry Gordy) – 3:02
4. “The Crystal Ship” (Morrison) – 2:50
5. “Twentieth Century Fox” – 2:46
6. “I’m a King Bee” (James Moore) – 3:48
7. “Alabama Song (Whisky Bar)” (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:16
8. “Summer’s Almost Gone” (Morrison) – 3:46
9. “Light My Fire” (Robby Krieger) – 8:14
10. “Get Out of My Life, Woman” (Allen Toussaint) – 3:58
11. “Back Door Man” (Willie Dixon, Chester Burnett) – 5:14
12. “Who Do You Love” (Bo Diddley) – 4:31
13. “The End” – 13:54

Disc two

1. “Unhappy Girl” (Morrison) – 3:56
2. “Moonlight Drive” (Morrison) – 5:39
3. “Woman Is a Devil/Rock Me Baby” (B.B. King) – 8:08
4. “People Are Strange” (Morrison, Krieger) – 2:14
5. “Close to You” (Dixon) – 2:56
6. “My Eyes Have Seen You” (Morrison) – 2:56
7. “Crawling King Snake” (Anon, arr. by John Lee Hooker) – 4:53
8. “I Can’t See Your Face in My Mind” (Morrison) – 3:07
9. “Summertime” (George Gershwin, DuBose Heyward) – 8:29
10. “When the Music’s Over” – 11:11
11. “Gloria” (Van Morrison) – 5:36

April 2009 — The Doors buy the Matrix master tapes from Peter Abram (the guy that recorded the show) after the band illegally published bootleg recordings in 1997 and 2008.

Matrix Sampler #3

March 31, 2017: THE DOORS: 50TH ANNIVERSARY DELUXE EDITION box set – master tape used. Press release: “The Matrix recordings heard on this deluxe edition were sourced from the recently discovered, original tapes, previously thought to be lost.”unnamed_1024x1024The third disc features live performance from The Matrix in San Francisco recorded just weeks after The Doors was released. Music journalist David Fricke provides detailed liner notes for the set, which includes a selection of rare and previously unseen photographs.

THE DOORS: 50TH ANNIVERSARY DELUXE EDITION offers a rare opportunity to hear the band on the verge of superstardom with live performances recorded during a March 7, 1967 show at the Matrix in San Francisco. The Matrix recordings heard on this deluxe edition were sourced from the recently discovered, original tapes, previously thought to be lost. The Matrix recordings originally released in 2008 were from a third-generation source, so the sound quality of the versions debuting here is second to none.

Packed with electrifying performance, the disc contains live versions of eight tracks on The Doors, including “Twentieth Century Fox,” “The Crystal Ship” and “Back Door Man.” 

Disc Three: Live At The Matrix, March 7, 1967

  1. Break On Through (To The Other Side)
  2. Soul Kitchen
  3. The Crystal Ship
  4. Twentieth Century Fox
  5. Alabama Song (Whisky Bar)
  6. Light My Fire
  7. Back Door Man
  8. The End

Matrix Sampler #4

April 22, 2017 – Live at the Matrix. Record Store Day LP – master tape used

01 Back Door Man (Live at the Matrix 3/7/67)
02 Soul Kitchen (Live at the Matrix 3/7/67)
03 Alabama Song (Whisky Bar) (Live at the Matrix 3/7/67)
04 Light My Fire (Live at the Matrix 3/7/67)

01 The Crystal Ship (Live at the Matrix 3/7/67)
02 Twentieth Century Fox (Live at the Matrix 3/7/67)
03 The End (Live at the Matrix 3/7/67)

Matrix Sampler #5

April 21, 2018 – The Doors Live At The Matrix: Let’s Feed Ice Cream To The Rats. Record Store Day LP – master tape expected to be used

Track list to be announced. A person in dialogue with Doors management has stated this will be a 1 LP release — not a complete box set.

Y para finalizar este interesante post, más información de primera mano sobre las cintas originales.

Para despertar el apetito de todos, aquí hay algunas fotos que James Healey me envió de las cintas maestras Matrix de Peter Abram que tomó usando una cámara de celular hacia noviembre de 2008. Tenga en cuenta que The Doors han adquirido estas cintas maestras (alrededor de abril de 2009). Tenga en cuenta la mención de “Jam” en la caja de cinta del 7 de marzo de 1967. Healey notó que hay dos temas instrumentales inéditos en este lugar, por un total de aproximadamente 16 minutos. El título de estas dos pistas no publicadas aún no se conoce. La remasterización de Steve marcará su primera emisión, comercial o de “importación”.

Basándose en las anotaciones de Peter en las 3 cajas de cintas originales (según las fotos anteriores) y los comentarios de James Healey sobre el misterioso “Jam”, a continuación aparece la lista de pistas de un conjunto completo de CD Doors Matrix en secuencia, suponiendo que no se hacen modificaciones o eliminaciones. El manager de The Doors, Jeff Jampol, ha declarado que quiere que Steve Hoffman remasterice las cintas originales y publique la colección como un conjunto limitado de CD de oro de 4 discos.

March 7, 1967 Tape # 1:

1.) Backdoor Man
2.) My Eyes Have Seen You
3.) Soul Kitchen
4.-5.) Jam* (Nota: James Healey declaró que este “Jam” son dos instrumentales que suman aproximadamente 16 minutos, nunca antes publicados. Ni siquiera circulan en los bootlegs. Todavía no se ha revelado cuáles son estas dos canciones. Healey no los reconoció.)
6.) Get Out of My Life Woman
7.) When The Music’s Over
8.) Close To You
9.) Crawling King Snake
10.) People Are Strange
11.) Alabama Song
12.) The Crystal Ship
13.) Twentieth Century Fox
14.) Moonlight Drive
15.) Summer’s Almost Gone
16.) Unhappy Girl

March 7, 1967 Tape # 2

17.) Woman is The Devil
18.) Break On Through
19.) Light My Fire
20.) The End

March 10, 1967 Tape #3

21.) My Eyes Have Seen You
22.) Soul Kitchen
23.) I Can’t See Your Face In My Mind
24.) People Are Strange
25.) When The Music’s Over
26.) Money
27.) Who Do You Love?
28.) Moonlight Drive
29.) Summer’s Almost Gone
30.) I’m A King Bee
31.) Gloria
32.) Break On Through
33.) Summertime (instrumental)
34.) Back Door Man
35.) Alabama Song

Fragment: March 9, 1967

36.) The End (survives as a fragment, as Peter Abram recorded the March 10 show over the March 9 show. Only a few minutes of The End survives from March 9, but includes some wild poetic imagery.)

Conclusión. Algún día veremos una edición completa de estas cintas originales. Mientras tanto Rhino nos la va entregando con cuentagotas…


Las 10 mejores tiendas de discos de Barcelona

Tendrían que ser patrimonio de la humanidad: ir ahí a comprar, revolver sus cubetas e intercambiar opiniones con el dependiente siempre enriquece

Jueves, 8 de marzo del 2018

Se habla mucho de la vuelta del vinilo y de las nuevas formas de consumir música, pero casi nada de las tiendas de discos, una especie en extinción y, por lo tanto, un género a proteger y a reivindicar. ¿Por qué son importantes? Pues por un montón de razones. Su existencia dignifica la música y su peso cultural es importantísimo.

Desplazarte a una de ellas, revolver entre los compactos y los vinilos de sus estanterías y de sus cubetas en busca de esa joya de segunda mano que hace tanto que anhelas, dejarte llevar y apostar por recomendaciones del disquero del lugar o hasta intercambiar impresiones con otro cliente es un acto social que te enriquece como persona, a años luz de la frialdad que supone comprar con un solo clic en un portal de internet introduciendo de forma mecánica los números de la tarjeta de crédito.

En Barcelona tenemos unas cuantas tiendas de discos. Algunas forman parte ya de la historia de la ciudad, y otras hace solo unos años que han empezado a andar y están en ello. A continuación, damos voz a 10 de ellas para que sus fundadores y trabajadores nos expliquen sus orígenes, especialidades y, ya puestos, nos recomienden alguno de los discos que tienen en sus estantes.

Una imagen de la tienda Wah Wah.JOAN PUIG

1. Wah Wah Discos
Riera Baixa, 14

Una institución melómana de la ciudad que inició su andadura en un año olímpico. «La tienda abrió en 1992, en una época en la que las tiendas de Barcelona estaban dominadas por el compacto. De hecho, casi la mayoría habían abandonado la venta de discos de vinilo», explica Jordi Segura, propietario y fundador de Wah Wah, un establecimiento con una de las ofertas más ricas y más variadas de vinilos en Barcelona. Es más, aquí es donde puedes encontrar las referencias más buscadas y raras.

«En nuestra tienda hay de casi todo –cuenta Segura–. No tenemos clásica, pero sí blues, soul, beat, garaje, psicodelia, rock progresivo y hasta material de grupos actuales. Nos preocupamos de tener una buena selección de discos interesantes, y de mantener un equilibrio: hay originales, hay reediciones, y hay discos de 10 € y discos de 1.000 €. Dentro de nuestra oferta especial, tenemos una amplia sección de bandas sonoras, pero también de jazz, de funk, de pioneros de la música electrónica o de música francesa». Y añade: «Intentamos traer cosas nuevas constantemente para que aquellos que vienen a menudo siempre encuentren algo que no vieron la vez anterior».

2. Discos Revolver
Tallers, 13

La calle de Tallers de Barcelona, pequeña arteria que une a la plaza de la Universitat con La Rambla, no sería la misma sin Discos Revolver. Una tienda emblemática que forma parte indisoluble de la educación sentimental de un montón de barceloneses: ahí hemos adquirido y hemos descubierto un montón de discos que, en algunos casos, nos han cambiado la vida.

Jordi Jover, una de las cabezas visibles de la tienda, pone al día brevemente su historia: «Revolver se inaugura en 1991, fundada por Jesús Moreno y Alfons Sureda, y responde básicamente a la necesidad y a la demanda que por aquella época tenía Barcelona de una tienda de discos especializada en indie y heavy metal. Años después abriría Revolver Records, tienda hermana situada en el número 11 de Tallers y más orientada hacia el coleccionismo y los oldies».

«La oferta de Discos Revolver, el Revolver Rojo para los amigos –afirma Jover– es muy amplia a nivel estilístico: rock, punk, toda las variantes de la música metal, electrónica, mestizaje, hip hop… Somos referente de la música gótica, future pop, coldwave y sonidos oscuros ochenteros, pero también puedes encontrar pequeñas secciones de blues o reggae, y discos de segunda mano».

3. Disco 100
Escorial, 33

Este bastión musical situado en el barrio de Gràcia es decano en esto de la venta física de discos en Barcelona. Abrió sus puertas en 1978, lo que significa que lleva 40 años al pie del cañón. Ha sobrevivido a la irrupción del compacto y a las descargas ilegales y legales de internet. En los 90 llegaron a descartar los vinilos, pero ahora vuelven a ser legión.

«A mediados del 2000 nos lo replanteamos», comentan los responsables de Disco 100, «y los vinilos poco a poco han ido ocupando más espacio: empezamos con dos cubetas, luego fueron cuatro, y ahora tenemos unos 13.000 ejemplares diferentes que abarcan todos los estilos: pop, rock, metal, músicas del mundo, flamenco, clásica, electrónica, blues, country, soul, funk, bandas sonoras, músicas del mundo…».

La tienda Disco 100, que ahora organiza conciertos en un pequeño escenario improvisado en el mismo local, es un terreno abonado para las anécdotas. «Hace un tiempo, nos llamó la atención que un pianista de blues de Chicago, Barrelhouse Chuck, se fuera cargado de… discos de blues de Chicago. Le preguntamos y nos dijo que no los encontraba en su ciudad, incluso remarcó que se estaba llevando discos de Sunnyland Slim, que había sido su maestro».

4. Ultra-Local Records
Pujades, 113

En pocos años se ha convertido en lugar de peregrinaje para los amantes del pop y rock independientes del Estado. En sus cubetas encontrarás todas las novedades de tus grupos favoritos de aquí. Al habla Raül Chamorro, el fundador: «Ultra-Local Records nace del cansancio de trabajar 15 años en aquello que no te importa lo más mínimo, y la esperanza de poder vivir de algo que te gusta aunque parezca un suicidio. Vamos tirando, pero con otros trabajos que nos dan de comer. El sueño es vivir de la tienda. Nos especializamos en bandas locales porque nos pareció muy interesante tener el trato directo con ellas y con los  pequeños sellos discográficos. Pensamos que sería chulo tener un lugar donde poder encontrar el máximo de cosas hechas aquí. O, al menos, tener un lugar donde se destaquen los discos locales por encima de las referencias internacionales».

¿Nos Recomiendas alguna novedad discográfica? «Núria Graham y su ‘Does It Ring A Bell?’; ‘Onades’, de Adrià Ballús; ‘Secret Places’, de The Zephyr BonesL’Hereu Escampa y su ‘Pren la matinada’, y ‘Vida Gris 32’, de Gúdar», sugiere Chamorro.

5. Jazz Messengers
Córcega, 202

Barcelona es tierra de jazz, de ahí la existencia de varias tiendas dedicadas a este estilo. Una de las más veteranas es Jazz Messengers, en activo desde 1980, centrada en el jazz de todas las épocas y que cuida con especial mimo las referencias de nuevos grupos. El equipo del Messengers repasa la oferta disponible en sus estanterías: «Tenemos un amplio abanico de reediciones en vinilo del legendario sello Blue Note. Mucho material de importación de EEUU y una nutrida sección que se renueva constantemente de material de segunda mano».

Entre los elepés, destacan la caja de siete vinilos que recoge a Art Pepper en el club londinense de Ronnie Scott en 1980, con mucho material inédito. También el del último disco de Vijay Iyer en sexteto, ‘Far From Over’. El staff de Jazz Messengers lanza una reflexión atinada sobre el futuro del soporte físico: «La venta física de discos seguirá existiendo en un tamaño mucho más reducido, aunque fiel. El jazz es una música que requiere una escucha activa –comentan–. Esta escucha se beneficia de la pequeña liturgia de tener que seleccionar un disco, sacarlo de la funda, ponerlo en el player y escucharlo. De principio a fin. Es como leer un libro. No puedes escuchar solo un trozo. Son historias donde la interacción entre los músicos sigue un hilo conductor de principio a fin».

6. Discos Paradiso
Ferlandina, 39

La tienda de referencia si buscas sonidos electrónicos, adoras ir a sesiones de DJ’s en el NITSA y acudes regularmente a festivales como el Mira y el Sónar. Discos Paradiso es relativamente nueva –inició su andadura en el 2010– pero ya se ha convertido en un centro cultural improvisado (además de tienda, es un espacio abierto a exposiciones, conferencias o actuaciones de DJ’s), situado a apenas unos metros del Macba.

«La tienda nació hace ahora ocho años –relatan sus responsables–, y tenemos un poco de todo: desde novedades hasta discos de segunda mano de casi todos los estilos que van del jazz al techno». «Siempre nos han etiquetado como tienda de electrónica –reconocen–, pero la realidad es que intentamos tener una pequeña selección de más estilos».

Discos Paradiso, que califica su día a día como «una aventura diferente» y que presta especial atención a la electrónica de aquí y a sellos como Hivern Discs, Domestica, End Of Dayz, Disboot, Struments, Chaval Records, Lovemonk o Discontinu, se acaba de pasar a la edición de vinilos bajo el nombre de Urpa i Musell. Una de sus primeras referencias es ‘Mr. Wollogallu’ de Carlos Maria Trindade y ‘Nuno Canavarro’, disco portugués de culto editado originalmente en 1991.

7. Pentagram Music
De les Sitges, 5

Pentagram es el proyecto personal de un rostro habitual de las tiendas discos de Barcelona. «Después de trabajar durante 14 años en tiendas de discos, me atreví a abrir mi propio establecimiento, pero esta vez especializado en metal, que es lo que a mí me apetecía», explica Rubén Rosas.

«Ya llevamos abiertos nueve años, ¡y seguimos dando caña! Nadie daba un euro por la tienda, hasta los mismos representantes de las discográficas me decían que estaba loco. Pero se equivocaban: sigue habiendo un público para el metal. De hecho, es el estilo que tiene el público más fiel». Como es obvio, los discos que pueblan las cubetas de Pentagram son el sueño húmedo de los aficionados al rock duro.

«Tenemos muchas cosas chulas de reediciones de los 80 y 90 difíciles de encontrar a un precio más que asequible, de grupos como Celtric Frost, Riot, Omen, Heavy Load, Voivod o Kreator –señala Rosas–, pero las joyas de la tienda son primeras ediciones que no se suelen encontrar de ImmortalTaakeDarkthroneEnslavedGorgoroth o Satyricon, y alguna rareza de Iron Maidensobre los 300 €».

8. 10.000 Records
Floridablanca, 70-72

Una rara avis, y es que se trata de una tienda de discos que también vende equipos de alta fidelidad para que puedas escuchar tus compactos, casetes y vinilos en las mejores condiciones posibles. El barco de 10.000 Records lo dirige Rubén Franch, un ingeniero que hace unos años decidió dar un giro a su vida.

«Antes era informático, y tomé la decisión tras estar en el paro una temporada –explica–. Desde pequeño he tenido el hobby de DJ y he coleccionado vinilos de música electrónica. Es más, mi padre tenía una colección de más de 10.000 vinilos y también bastantes aparatos de Hi-Fi.Todo eso me llevó a la idea de abrir una tienda de vinilos con equipos de reproducción de música nuevos y de segunda mano y con la ayuda de mi padre, que me cedió parte de su colección para venderla».

Sobre la aventura de haber dejado los teclados, Franch comenta: «Te puedo asegurar que es un mundo en el que cada día aprendes cosas nuevas». «Además, sueles conocer a clientes que coleccionan a algún grupo o a algún artista en concreto y descubres que el ámbito del coleccionismo es algo digno de estudio».

9. Surco
Travessera de Gràcia, 144

Historia viva de Barcelona. Qué lo expliquen ellos mismos: «Surco abrió el 4 de marzo de 1974, así que es ahora la tienda de discos más antigua de Barcelona y, probablemente, de toda España. Nos encantaría estar seguros, así que si alguien tiene datos de otra más vieja en activo, ¡que avise! A la hora de comprar la música y el cine que se pueden tocar, nos honra seguir siendo referencia en el centro de la hoy gentrificada pero siempre hermosa Vila de Gràcia. Este año Surco celebrará sus 44 gracias al empeño y la pasión de Carlos y Marisol, la pareja de origen madrileño que en el barrio conocían como ‘los jipis de la Travessera’ –relatan, en tercera persona–y que aún resiste al frente de esta tienda familiar. Hoy, con el hijo catalán de ambos asistiendo en la faceta virtual y montando saraos ocasionales, como las actuaciones celebrando cada año el Record Store Day, este año, el 21 de abril,  para recordar al cliente que las tiendas de discos resisten».

Poco más se puede añadir. Bueno sí, ¿alguna recomendación discográfica que tengan a la venta? «’The Traveling Wilburys Collection‘ en vinilo, caja deluxe con su excelente breve discografía y un porrón de extras; y ‘¡Cómo está el servicio… de señoras!’, reedición en vinilo rosa más dos compactos y un DVD con todas las grabaciones de Pedro Almodóvar y Fabio McNamara».

10. Vinil Vintage
Ramon y Cajal, 45

Ubicada en la misma calle del HeliogàbalVinil Vintage parece una capilla pagana alicatada con vinilos. Cuando entras, tienes que estar dispuesto a mancharte de polvo las dedos, a esquivar los discos que están apilados en el suelo, y a jugar al Tetris con  el resto de compradores si pillas la tienda llena.

Este pequeña Galia disquera está dirigida por Dani Franch, un nómada del vinilo que un día decidió pasarse a la vida sedentaria. «Abrí la tienda a finales del 2013, pero comencé en este mundo poniendo paradas en ferias», relata. Una de las particularidades de Vinil Vintage consiste en un generoso stock de vinilos a precios populares –entre 1 y 4 €–, además de una oferta variada de estilos (rock, pop, jazz, funk, disco, bandas sonoras) concentrados en las décadas de los 60, 70, 80 y 90.

Dani Franch, que se siente optimista respecto al futuro de la venta de proximidad de discos –«lo veo bien, porque lo virtual nunca podrá substituir a la experiencia de lo físico. Esperemos que las nuevas generaciones sigan interesados en ello»–, comparte una anécdota marciana relacionada con su oficio: «Un día me llamaron para preguntarme a cuanto vendía el metro de vinilo decorativo»

The Original WAILERS en Barcelona -Sala APOLO 14 de Marzo de 2018

Cuando han pasado casi 37 años del fallecimiento de Robert Nesta Marley Booker, o como se le conocería mundialmente, Bob Marley, después de una larga temporada luchando contra el cáncer, a los 36 años nos dejaba uno de los grandes iconos del siglo XX, con un legado que todavía ahora, casi cuatro décadas después de su adiós, palpita repleto de vida. Este fue solo el comienzo de una apasionante historia que se desarrolló durante las décadas siguientes, con el Reggae infectando literalmente todo el mundo gracias a la egregia figura de Bob Marley, convertido en icono en vida y leyenda después de su muerte en 1981.

El músico y compositor jamaicano, quien además se desempeñó como pacifista y apolítico, tuvo una fuerte influencia en la cultura global al ser un gran difusor de la música reggae y del movimiento Rastafari.
La figura de Marley fue creciendo mucho más después de su muerte hasta convertirse en una leyenda. El cambio social, la lucha en contra del racismo y la búsqueda de la paz eran sus grandes temas de inspiración a la hora de componer.
La banda que cuenta con miembros originales de la formación y que acompañó al gran BOB MARLEY en más de 250 conciertos por los cinco continentes, volverán a España en 2018 dentro de su gira por Europa para deleite de sus incondicionales fans.

Liderada por el guitarrista AL ANDERSON, de ascendencia Amerindia y Africana, Anderson nació a principios de los 50. Su madre tocaba el piano y cantaba en la coral de la iglesia mientras que su padre tocaba el bajo en un grupo de R’n’B, que llegó a tocar para James Brown en Newark durante la década de los 60.

Al Anderson es uno de los Originales Wailers que formó parte de la producción musical junto al triunvirato Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer fundadores en los 60’s de los por entonces Wailing Wailers, participando activamente en las producciones de los álbumes “Natty Dread” (1974) de Bob Marley, el álbum “Live” (grabado durante los memorables shows del 17 y 18 de julio de 1975 en el Lyceum londinense) y los sucesivos trabajos que catapultaron a Marley al estrellato mundial, siendo unos de sus fieles y más cercanos colaboradores que estuvieron con la estrella jamaicana junto a su lecho de muerte. Además es un activo colaborador en la producción musical en los dos primeros álbumes de Peter Tosh “Legalize it” y “Equal Rights” que catapultaron a Tosh a la fama internacional, y colaborando además con nombres ilustres de la historia de la música como The Rolling Stones, Tupac o Joe Cocker, por nombrar algunos.

De nuevo tendremos la oportunidad de volver a disfrutar en España de los clásicos himnos de Bob Marley, con la maestría que nadie como ellos podría ejecutar en directo, así como un avance de su nuevo trabajo que verá la luz a mediados de 2018 y que está siendo grabado entre Los Angeles, Miami y Kingston (Jamaica), contando con las importantes colaboraciones en estudio de monstruos musicales del género como Sly & Robbie entre otros nombres ilustres. Este trabajo seguirá al álbum “Miracle” con el que The Original Wailers fue nominado al Grammy el 10 de abril de 2012

Valladolid, 10/9/2014. The Original Wailers en la Plaza Mayor en las Fiestas de la ciudad. Foto Ricardo Otazo.

De nuevo tendremos la oportunidad de volver a disfrutar en Barcelona de los clásicos himnos de Bob Marley, con la maestría que nadie como ellos podría ejecutar en directo.

Miércoles 14 de Marzo de 2018

Sala APOLO 20:30h (Nou de la Rambla, 113)

Anticipada 18€ (+ gastos) Taquilla 22€

Puntos de venta anticipada: DISCOS TESLA, DISCOS IMPACTO,

Dire Straits Start Their Studio Adventures | uDiscover

Dire Straits Start Their Studio Adventures
Dire Straits Start Their Studio Adventures

Dire Straits had no easy ride en route to the multi-million-selling domination of their later years. The group had to endure plenty of low-profile gigs that paid next to nothing and lots of travelling to their own shows in a van or on public transport in their formative months. But as they started recording their debut album at Basing Street Studios in London in February 1978, the band knew they were on the right path.

Dire Straits

Having had the help and support of a much-respected broadcaster and author in writer and BBC Radio London DJ Charlie Gillett, they now turned to a former member of the Spencer Davis Group. Gillett had been the early champion of Dire Straits, largely creating the momentum that led to their record deal with Vertigo by playing their demos on his show.

Now, as they entered the studio to start recording Mark Knopfler’s songs, they were working with Muff Winwood, who had enjoyed great success himself in the 1960s as bassist in Davis’ group, with younger brother Steve. He was now an in-demand producer, with an earlier triumph at the helm of another notable breakthrough album, Sparks’ Kimono My House, and A&R man, firstly at Island Records and then in an even longer association with CBS Records.

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Dire Straits’ self-titled debut album was recorded over the next few weeks and released the following October, after they had supported both Talking Heads and the Climax Blues Band on UK tours, and become headliners themselves for the first time. The LP contained the later hit single ‘Sultans Of Swing,’ as well as ‘Southbound Again,’ ‘Down To The Waterline’ and other examples of Knopfler’s fine writing and guitar work, and how they meshed perfectly with the band’s tight playing.

To underline the rapid emergence that followed, Dire Straits built on its firm foundations to go silver, gold and then platinum in the UK within a nine-month period in 1979. The roots of one of the most potent sounds of the 1980s were growing fast.

Purchase Dire Straits here.

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¿Es Netflix el último refugio de la ciencia-ficción inteligente?

Verás ‘Mute’, de Duncan Jones, y ‘Annihilation’, de Alex Garland, en la pantalla que quieras, pero no será de cine. ¿Parasá lo mismo con ‘Cloverfield 3’?

Con un panorama cada vez más apretado y competitivo en el circuito de salas comerciales, los grandes estudios de Hollywood han pasado los últimos años diseñando estrategias de repliegue. Que haya funcionado tan bien la receta Disney de inyectar a la cartelera exclusivamente blockbusters basados en propiedades intelectuales con reconocida base de seguidores es la peor noticia posible para cineastas con interés en desarrollar ideas originales que para ser llevadas a cabo necesitan una financiación holgada. Simplemente, las majors ya no están muy por la labor de jugársela. Sobre todo, en géneros que han sido considerados tradicionalmente difíciles para la taquilla, como la ciencia-ficción cuando no va acompañada de batallas de naves espaciales.

Fijémenos en Paramount Pictures. Desde la llegada de su nuevo mandamás, Jim Gianopulos, el estudio ha empezado a reconfigurar su futuro calendario de estrenos. Según cita The Hollywood Reporter de una fuente interna, Gianopulos se ha dedicado a “ver qué [merecía la pena] estrenar en cines y qué no en nuestra época”. Primera afectada por medidas en ese sentido: Annihilation, la nueva película de Alex Garland (Ex_Machina) protagonizada por Natalie Portman a partir de una novela de Jeff VanderMeer. Paramount ha decidido que solamente distribuirá la película en cines dentro de EE UU; se la vendió a Netflix para que la estrenara en el resto del planeta. Mala suerte si pensabas deleitarte con sus apabullantes imágenes en una pantalla de cine.

Esta semana han surgido rumores similares en torno a la película una vez llamada God Particle y después conocida como “la nueva secuela de Cloverfield en el espacio”. Tras unos repentinos cambios de fecha que han retrasado su estreno hasta abril, varias voces apuntan a que Paramount pueda repetir la jugada de Annihilation y vender esta Cloverfield 3 en condiciones similares a Netflix. Se trata de una producción de J.J. Abrams dirigida por Julius Onah y protagonizada por Daniel Brühl, Elizabeth Debicki, David Oyelowo, Zhang Ziyi y Chris O’Dowd como astronautas en una estación espacial que ampliará aún más la mitología de la saga tras el éxito sorpresa de Calle Cloverfield 10.

A pesar de la buena rentabilidad que ha sacado Paramount a las películas anteriores de Cloverfield, no se trata del tipo de cantidades que sanean una cuenta de resultados. El estudio no parece dispuesto a conformarse con pellizcos lucrativos, sino que quiere trozos grandes de pastel. Es decir, blockbusters a lo Misión: Imposible antes que lo que pueda sacar un humilde filme de género como Cloverfield 3. Para ciencia-ficción, ya tienen la saga Star Trek. ¿Pero es Netflix el único refugio que queda para quienes deseen explorar nuevos límites del género sin verse atados por franquicias y acuerdos transmedia?

Fijémonos en Mute, el nuevo filme de Duncan Jones. El director de Moon (2009) y Código fuente (2011), cuyo último crédito cinematográfico es la adaptación de World of Warcraf que en 2016 recaudó casi un 90% de sus 433 millones de dólares de taquilla fuera de EE UU (la gran mayoría, en China), ha vuelto por los caminos humildes de su ópera prima. Ambientada en una versión futurista de Berlín, Mute cuenta la historia de un hombre mudo (Alexander Skarsgard) que busca a su novia desaparecida siguiendo la pista de dos misteriosos cirujanos (Paul Rudd y Justin Theroux). Una propuesta de ci-fi tan neonoir no habría llegado a ningún lado si no llevara por título las palabras “Blade Runner” seguidas por un número, pero en Netflix encontró hogar tras pasar años intentando sacarlo adelante.

Finalmente, Mute se estrenará en todo el mundo el 23 de febrero a través de Netflix. Otra cosa es que la plataforma se anime a promocionar su lanzamiento con la misma insistencia que le dedicó a Bright(a estas alturas, a menos de un mes del estreno, aún estamos a la espera de un primer tráiler). Pero, al menos, es positivo que los seguidores de Duncan Jones puedan ver una nueva obra original del director; incluso aunque corra el riesgo de quedar sepultada bajo el inmenso catálogo de Netflix. Ya nos hemos especializado en rastrear los contenidos más jugosos que estrenan sottovoce, como Good Time (y atentos el viernes 26 a Un gesto estúpido e inútil, la historia de National Lampoon contada por David Wain).

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