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Cronología de las ediciones de The Doors’ Live At The Matrix. Último capítulo : RSD 2018

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Live at the Matrix 1967 es un álbum doble en vivo de The Doors, compilado y resequenciado (no sé muy bien que significa esto, pero a lo largo del artículo saldremos de dudas) de grabaciones realizadas el 7 y 10 de marzo de 1967 en The Matrix en San Francisco por el copropietario del club, Peter Abram.

La grabación es notable porque es una de las primeras grabaciones en vivo de la banda que se sabe que existe: The Doors había grabado un solo álbum en marzo de 1967, “Light My Fire” aún no se había lanzado como single, y todavía eran relativamente desconocidos fuera del sur de California.

Esto es parte del material inédito de la colección de álbumes Bright Midnight Archives de The Doors. Editado por Rhino el 18 de Noviembre del 2008 en doble CD.

Esta es la nota de prensa de Rhino

Rhino y Bright Midnight Archives presentan The Doors ‘LIVE AT THE MATRIX 1967, la última entrega de la aclamada serie de lanzamientos de conciertos de archivos de la banda. Esta nueva entrega de dos discos al cattálogo de grabaciones en vivo de la banda contiene los dos shows del club, presenciados por pocos pero pirateados por muchos. Restaurado y cuidadosamente masterizado a partir de cintas de primera generación (luego resultaron ser de tercera) adquiridas por Elektra Records y The Doors hace 40 años, estos espectáculos históricos nunca sonaron mejor, ejemmm!!. La colección, con la portada del legendario artista de San Francisco Stanley Mouse, estará disponible el 18 de noviembre en todos los puntos de venta minorista.

Donde los últimos tres lanzamientos de Bright Midnight Archives documentaron la gira final de The Doors en 1970, LIVE AT THE MATRIX 1967 rebobina los primeros días de la banda para un par de shows en un club de San Francisco en marzo de 1967. Sólo un puñado de personas asistieron, así que Jim Morrison, John Densmore, Robby Krieger y Ray Manzarek jugaron el uno para el otro, explorando arreglos de canciones y tocando algunos favoritos de blues. Irónicamente, sólo unas semanas después de la presentación en la sala The Matrix, el segundo sencillo de la banda, “Light My Fire”, los haría famosos, vendiendo un millón de copias en su camino a encabezar la lista durante The Summer of Love. “Era a principios de 1967 y The Doors estaban a punto de entrar en la conciencia de la nación. Y así sonaba”, escribe Manzarek en las notas del álbum.

A pesar de que la sala estaba semi-vacía, la banda estaba completamente inmersa en su actuación, aprovechando el tiempo para dar letras al “The End” y “Back Door Man” y creando secciones ampliadas de los temas. “Esto es probablemente lo más cerca que hemos llegado a un verdadero documento de The Doors sin restricciones”, dice Bruce Botnick, productor del álbum y coproductor e ingeniero de la banda durante mucho tiempo.

La banda realiza gran parte de su debut homónimo en el primer disco, incluyendo “Soul Kitchen”, “Alabama Song (Whiskey Bar)” y el primer sencillo, “Break On Through (To The Other Side)”. Junto con esos primeros originales, la banda se complace en su amor por el blues con “Who Do You Love” de Bo Diddley, “I’m A King Bee” de Muddy Waters, y “Get Out Of My Life, Woman” de Allen Toussaint, que nunca habían aparecido en ningún álbum anterior de Doors. El segundo disco ofrece una visión de la banda trazando su futuro, trabajando en las primeras versiones de varias canciones de los próximos álbumes: “Crawling King Snake” (LA Woman); “Summer’s Almost Gone” (Waiting For The Sun); y casi la mitad de las canciones del segundo álbum de The Doors, Strange Days.

Antes de que llegue The Doors ‘LIVE AT THE MATRIX 1967, Rhino ofrecerá una versión slipcase del aclamado box set de Perception. El 21 de octubre, esta colección de 6 CD / 6 DVD estará disponible en todos los puntos de venta por un precio sugerido de $79.98. Originalmente lanzado en 2006 en un paquete de lujo de edición limitada, el conjunto contiene los seis álbumes de estudio de la banda como conjuntos de CD / DVD.

Cada CD incluye la mezcla original del álbum expandida con grabaciones raras. El DVD contiene una mezcla de sonido envolvente del álbum, la mezcla estéreo del álbum del 40 aniversario, así como fotos, videos, letras y una discografía.

Esta cajita, por cierto, es una maravilla, la tengo y os la recomiendo.

Equipo de grabación
El 22 de noviembre de 2008, el ingeniero de grabación Peter Abram reveló en una publicación en línea el equipo que utilizó para grabar The Doors en The Matrix. “Utilicé un grabador de cinta Akai (válvulas), 4 micrófonos Calrad en el escenario y un mezclador de micrófono Calrad en el canal instrumental. En el canal vocal: un mezclador Knight con 3 micrófonos Electrovoice 676 (como el de la imagen) y Shure. Los micrófonos Calrad que utilicé en la pista instrumental era el modelo DM-21 “, dijo Abram.

Las cintas estéreo maestras originales de 1/4 pistas se grabaron a 7,5 ips en la grabadora de cinta a válvulas Akai de Abram.

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Disco CD 1

  1. “Break On Through (To the Other Side)” (Jim Morrison) – 3:47
  2. “Soul Kitchen” (Morrison) – 5:51
  3. “Money” (Janie Bradford, Berry Gordy) – 3:02
  4. “The Crystal Ship” (Morrison) – 2:50
  5. “Twentieth Century Fox” – 2:46
  6. “I’m a King Bee” (James Moore) – 3:48
  7. “Alabama Song (Whisky Bar)” (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:16
  8. “Summer’s Almost Gone” (Morrison) – 3:46
  9. “Light My Fire” (Robby Krieger) – 8:14
  10. “Get Out of My Life, Woman” (Allen Toussaint) – 3:58
  11. “Back Door Man” (Willie Dixon, Chester Burnett) – 5:14
  12. “Who Do You Love” (Bo Diddley) – 4:31
  13. “The End” – 13:54

Disco CD 2

  1. “Unhappy Girl” (Morrison) – 3:56
  2. “Moonlight Drive” (Morrison) – 5:39
  3. “Woman Is a Devil/Rock Me Baby” (B.B. King) – 8:08
  4. “People Are Strange” (Morrison, Krieger) – 2:14
  5. “Close to You” (Dixon) – 2:56
  6. “My Eyes Have Seen You” (Morrison) – 2:56
  7. “Crawling King Snake” (Anon, arr. by John Lee Hooker) – 4:53
  8. “I Can’t See Your Face in My Mind” (Morrison) – 3:07
  9. “Summertime” (George Gershwin, DuBose Heyward) – 8:29
  10. “When the Music’s Over” – 11:11
  11. “Gloria” (Van Morrison) – 5:36

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Personnel

Production

  • Produced by: Bruce Botnick
  • Production Supervisor and Personal Management: Jeffrey Jampol
  • Artists and Repertoire: Robin Hurley
  • Product Manager: Kenny Nemes
  • Project Coordinator: Cory Lashever
  • Project Assistance: John Espinoza, Steven Gorman, Bob Martin, Peter Tarnoff, Alessandra Quaranta
  • Cover Artwork: Stanley Mouse
  • Art Direction & Design: Bryan Lasley, Maria McKenna, and Joshua Petker
  • Doors Archivist: David Dutkowski
  • Photos: Bobby Klein, Jim Marshall, and Tim Boxer
  • Legal Representation: John Branca and David Byrnes

Problemas de la cinta maestra
El crítico musical de PopMatters Steve Horowitz relató en su reseña de Live at the Matrix 1967, que el CD de Rhino no se obtuvo de las cintas maestras de Peter Abram; El comunicado de prensa de Rhino indicó que se usaron “cintas de primera generación”.

El 2 de diciembre de 2008, Peter Abram permitió que se tomaran fotos de sus cajas de cintas maestras. Estas fotos fueron publicadas en línea en los foros de Steve Hoffman el 4 de diciembre de 2008.

Las anotaciones de Abram en las cajas de cinta maestras indican que se produjo un “atasco” entre “Soul Kitchen” y “Get Out of My Life Woman” durante el show del 7 de marzo de 1967.

Muchos fans empezaron a comentar que esta edición parecía haber sido sacada de otros bootlegs de mala calidad e incluso de otros conciertos.

Es una edición “maldita” por su calidad mejorable. Pero la historia no acaba aquí.

Steve Horowitz en su artículo para PopMatters nos explica las vicisitudes de la obtención de las cintas originales de estos conciertos.

El “Money” de Barrett Strong tiene la distinción de ser no solo el primer disco exitoso de Motown (en el sello Anna), sino que también es la única canción que se cubrirá en grabaciones de estudio tanto de los Beatles como de los Rolling Stones. The Doors nunca grabó este título en ninguno de los esfuerzos del estudio, pero mucho después de la muerte de Jim Morrison, las versiones en vivo de esta canción encontraron su camino en varias colecciones de Doors. Hay una versión en este nuevo lanzamiento de un concierto de Doors desde 1967, que es apropiado ya que este disco doble en vivo parece ciertamente un intento codicioso de sacar más dinero de los fanáticos de Doors.

La cuestión de qué se debe hacer con las cintas de más de 40 años de los viejos conciertos de Doors es problemática. Por un lado, no hay nada que ganar manteniendo la música bloqueada. Los fanáticos dispuestos a pagar para escuchar la música ciertamente se sentirán con derecho a hacerlo.

Por otro lado, la situación no es tan simple con este lanzamiento en particular. La compañía discográfica (Rhino, una subsidiaria de Warner Music Group) afirma que la música fue restaurada y masterizada a partir de cintas de primera generación. Peter Abrams, el dueño del club de San Francisco donde se organizó el concierto, grabó originalmente el programa y trató de venderlos a la compañía discográfica. Sin embargo, la compañía afirmó haber obtenido las cintas maestras en otro lado y sacar lo que está aquí. Los fanáticos de Ardent Doors rápidamente notaron las discrepancias entre las grabaciones de Abrams y lo que la compañía discográfica lanzó. Creen que esta música fue grabada de bootlegs, mientras que las grabaciones de Abrams supuestamente son mucho mejores en calidad, especialmente en temas como “Money”, que tienen un sonido asombroso y agitado.

Los fans de The Doors publicaron advertencias en el sitio web de las bandas y en las páginas de compras como Amazon pidiéndoles a las personas que no compren este producto. Los fans quieren que la compañía discográfica le pague a Abrams por sus esfuerzos y que edite las grabaciones de las cintas de primera generación. Esto aún es posible, según el manager de The Doors, Jeff Jampol.

Para complicar el problema está la cuestión de la integridad. Varios miembros de The Doors se han demandado por el uso legítimo de la música. Por ejemplo, el tecladista Ray Manzarek y el guitarrista Robby Krieger presuntamente quieren permitir que las melodías de Doors se usen en comerciales, mientras que el baterista John Densmore lo ve como una profanación del legado de la banda. ¿Es esta liberación de cintas de baja calidad una profanación?

¡Oh! Si existen grabaciones de mejor calidad y el propietario está dispuesto a vender, la compañía discográfica debe usarlas. The Doors y sus fans se lo merecen. Esto no es una cuestión de obtener ganancias. Esto es una cuestión de avaricia.

Dicho eso, ¿qué pasa con la música que se presenta aquí? Este concierto se grabó entre el 7 y el 10 de marzo de 1967 en un pequeño club en California justo después del lanzamiento del primer álbum de Doors y antes de que “Light My Fire” fuera un éxito. Son una banda algo oscura en ese momento. La audiencia aquí no se entromete en la música gritando, gritando y aplaudiendo. De hecho, a veces el público parece no estar presente y parece que las grabaciones se hicieron en un control de sonido o ensayo.

Eso significa que uno puede escuchar a The Doors tocar en vivo justo antes de que el circo comenzara. Morrison y compañía pueden lanzarse a improvisar, olvidarse de las palabras, tocar notas equivocadas y simplemente tocar sin preocuparse por su inmortalidad. Nadie interrumpe la introducción de las canciones que hoy son super-conocidas con aplausos, porque la banda no tenía melodías reconocibles en aquel momento. Esto nos lleva a algunos momentos mágicos. Uno puede escuchar todas las palabras de una canción como “People are Strange” o “The Crystal Ship” porque a Morrison le importan lo suficiente las letras para enunciarlas cuidadosamente en lugar de solo interpretarlas. Esto también lleva a algunos esfuerzos monótonos. La versión instrumental de jazz-rock, de ocho minutos de duración, del “Summertime” de Gershwin no produce momentos reveladores.

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Live at the Matrix 1967 funciona como un documento de archivo de The Doors antes de que la banda explotara y la fama los superara. Los fanáticos casuales estarían mejor si se saltan esto, pero los entusiastas seguidores saben que hay escenas extrañas dentro de la mina de oro y hay algunas pepitas brillantes que se pueden encontrar aquí.

El año pasado tuvimos la suerte que se editará en vinilo una pequeña parte de aquellos memorables conciertos en el club The Matrix en San Francisco. Fue en el marco del Record Store Day 2017. Maravillosa grabación extraída esta vez sí de las cintas originales de Peter Abram.

The Doors’ Live At The Matrix fue grabado en Marzo, 1967 en San Francisco. Recientemente masterizado por Bruce Botnick, el ingeniero histórico de The Doors, de cintas master originales recientemente descubiertas.

Celebrando los 50 años de The Doors, Live at the Matrix ahora está en vinilo por primera vez, exclusivamente para el Record Store Day 2017. (Número limitado a nivel mundial, emisión individual de 10,000).

SIDE A

  • 01 Back Door Man (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 02 Soul Kitchen (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 03 Alabama Song (Whisky Bar) (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 04 Light My Fire (Live at the Matrix 3/7/67)

SIDE B

  • 01 The Crystal Ship (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 02 Twentieth Century Fox (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 03 The End (Live at the Matrix 3/7/67)

Este año, el 21 de abril de 2018 se celebrará el record Store Day y vamos a tener disponible una “segunda parte” en vinilo de este concierto.

Tras el éxito de The Matrix Part I para RSD 2017, la segunda parte: The Doors ‘Live At The Matrix: Let’s Feed Ice Cream To The Rats, San Francisco, CA – Grabado el 7 y 10 de marzo de 1967.

Se edita para RSD 2018. Originalmente grabado en marzo de 1967 en San Francisco.

Recientemente masterizado por Bruce Botnick, el ingeniero histórico de The Doors, de cintas master originales recientemente descubiertas.

SIDE A

  • Unhappy Girl (March 7, 1967 – Show 2)
  • Moonlight Drive (March 7, 1967 – Show 2)
  • People Are Strange (March 7, 1967 – Show 2)
  • My Eyes Have Seen You (March 10, 1967 – Show 1) Summer’s Almost Gone (March 10, 1967 – Show 2)

SIDE B

  • I Can’t See Your Face In My Mind (March 7, 1967 – Show 1)
  • When The Music’s Over (March 10, 1967 – Show 2)
  • Let’s Feed Ice Cream To The Rats :: The End [Partial – Tape Runs Out] (March 10, 1967 – Show 2)

Se está criticando mucho en los foros, que disponiendo Rhino de las cintas originales grabadas por el propietario del club, no se editen de una vez por todas los conciertos completos de aquellos dos días.

Esta es la historia de las diferentes ediciones de esta grabación según monkbougthlunch en el foro de Steve Hoffman. Toda una odisea…

http://forums.stevehoffman.tv/threads/new-doors-matrix-release-for-record-store-day-2018.734776/

Matrix release history.

Matrix Sampler #1

October 28, 1997: The Doors Box Set — master tapes not used

1. The Crystal Ship
2. I Can’t See Your Face In My Mind

Matrix Sampler #2

November 18, 2008: Live At The Matrix 1967 — master tapes not used. Press release: “Restored and carefully mastered from first generation tapes acquired by Elektra Records and The Doors 40 years ago, these historic shows never sounded better.”

Disc one

1. “Break On Through (To the Other Side)” (Jim Morrison) – 3:47
2. “Soul Kitchen” (Morrison) – 5:51
3. “Money” (Janie Bradford, Berry Gordy) – 3:02
4. “The Crystal Ship” (Morrison) – 2:50
5. “Twentieth Century Fox” – 2:46
6. “I’m a King Bee” (James Moore) – 3:48
7. “Alabama Song (Whisky Bar)” (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:16
8. “Summer’s Almost Gone” (Morrison) – 3:46
9. “Light My Fire” (Robby Krieger) – 8:14
10. “Get Out of My Life, Woman” (Allen Toussaint) – 3:58
11. “Back Door Man” (Willie Dixon, Chester Burnett) – 5:14
12. “Who Do You Love” (Bo Diddley) – 4:31
13. “The End” – 13:54

Disc two

1. “Unhappy Girl” (Morrison) – 3:56
2. “Moonlight Drive” (Morrison) – 5:39
3. “Woman Is a Devil/Rock Me Baby” (B.B. King) – 8:08
4. “People Are Strange” (Morrison, Krieger) – 2:14
5. “Close to You” (Dixon) – 2:56
6. “My Eyes Have Seen You” (Morrison) – 2:56
7. “Crawling King Snake” (Anon, arr. by John Lee Hooker) – 4:53
8. “I Can’t See Your Face in My Mind” (Morrison) – 3:07
9. “Summertime” (George Gershwin, DuBose Heyward) – 8:29
10. “When the Music’s Over” – 11:11
11. “Gloria” (Van Morrison) – 5:36

April 2009 — The Doors buy the Matrix master tapes from Peter Abram (the guy that recorded the show) after the band illegally published bootleg recordings in 1997 and 2008.

Matrix Sampler #3

March 31, 2017: THE DOORS: 50TH ANNIVERSARY DELUXE EDITION box set – master tape used. Press release: “The Matrix recordings heard on this deluxe edition were sourced from the recently discovered, original tapes, previously thought to be lost.”unnamed_1024x1024The third disc features live performance from The Matrix in San Francisco recorded just weeks after The Doors was released. Music journalist David Fricke provides detailed liner notes for the set, which includes a selection of rare and previously unseen photographs.

THE DOORS: 50TH ANNIVERSARY DELUXE EDITION offers a rare opportunity to hear the band on the verge of superstardom with live performances recorded during a March 7, 1967 show at the Matrix in San Francisco. The Matrix recordings heard on this deluxe edition were sourced from the recently discovered, original tapes, previously thought to be lost. The Matrix recordings originally released in 2008 were from a third-generation source, so the sound quality of the versions debuting here is second to none.

Packed with electrifying performance, the disc contains live versions of eight tracks on The Doors, including “Twentieth Century Fox,” “The Crystal Ship” and “Back Door Man.” 

Disc Three: Live At The Matrix, March 7, 1967

  1. Break On Through (To The Other Side)
  2. Soul Kitchen
  3. The Crystal Ship
  4. Twentieth Century Fox
  5. Alabama Song (Whisky Bar)
  6. Light My Fire
  7. Back Door Man
  8. The End

Matrix Sampler #4

April 22, 2017 – Live at the Matrix. Record Store Day LP – master tape used

SIDE A:
01 Back Door Man (Live at the Matrix 3/7/67)
02 Soul Kitchen (Live at the Matrix 3/7/67)
03 Alabama Song (Whisky Bar) (Live at the Matrix 3/7/67)
04 Light My Fire (Live at the Matrix 3/7/67)

SIDE B:
01 The Crystal Ship (Live at the Matrix 3/7/67)
02 Twentieth Century Fox (Live at the Matrix 3/7/67)
03 The End (Live at the Matrix 3/7/67)

Matrix Sampler #5

April 21, 2018 – The Doors Live At The Matrix: Let’s Feed Ice Cream To The Rats. Record Store Day LP – master tape expected to be used

Track list to be announced. A person in dialogue with Doors management has stated this will be a 1 LP release — not a complete box set.

Y para finalizar este interesante post, más información de primera mano sobre las cintas originales.

Para despertar el apetito de todos, aquí hay algunas fotos que James Healey me envió de las cintas maestras Matrix de Peter Abram que tomó usando una cámara de celular hacia noviembre de 2008. Tenga en cuenta que The Doors han adquirido estas cintas maestras (alrededor de abril de 2009). Tenga en cuenta la mención de “Jam” en la caja de cinta del 7 de marzo de 1967. Healey notó que hay dos temas instrumentales inéditos en este lugar, por un total de aproximadamente 16 minutos. El título de estas dos pistas no publicadas aún no se conoce. La remasterización de Steve marcará su primera emisión, comercial o de “importación”.

Basándose en las anotaciones de Peter en las 3 cajas de cintas originales (según las fotos anteriores) y los comentarios de James Healey sobre el misterioso “Jam”, a continuación aparece la lista de pistas de un conjunto completo de CD Doors Matrix en secuencia, suponiendo que no se hacen modificaciones o eliminaciones. El manager de The Doors, Jeff Jampol, ha declarado que quiere que Steve Hoffman remasterice las cintas originales y publique la colección como un conjunto limitado de CD de oro de 4 discos.

March 7, 1967 Tape # 1:

1.) Backdoor Man
2.) My Eyes Have Seen You
3.) Soul Kitchen
4.-5.) Jam* (Nota: James Healey declaró que este “Jam” son dos instrumentales que suman aproximadamente 16 minutos, nunca antes publicados. Ni siquiera circulan en los bootlegs. Todavía no se ha revelado cuáles son estas dos canciones. Healey no los reconoció.)
6.) Get Out of My Life Woman
7.) When The Music’s Over
8.) Close To You
9.) Crawling King Snake
10.) People Are Strange
11.) Alabama Song
12.) The Crystal Ship
13.) Twentieth Century Fox
14.) Moonlight Drive
15.) Summer’s Almost Gone
16.) Unhappy Girl

March 7, 1967 Tape # 2

17.) Woman is The Devil
18.) Break On Through
19.) Light My Fire
20.) The End

March 10, 1967 Tape #3

21.) My Eyes Have Seen You
22.) Soul Kitchen
23.) I Can’t See Your Face In My Mind
24.) People Are Strange
25.) When The Music’s Over
26.) Money
27.) Who Do You Love?
28.) Moonlight Drive
29.) Summer’s Almost Gone
30.) I’m A King Bee
31.) Gloria
32.) Break On Through
33.) Summertime (instrumental)
34.) Back Door Man
35.) Alabama Song

Fragment: March 9, 1967

36.) The End (survives as a fragment, as Peter Abram recorded the March 10 show over the March 9 show. Only a few minutes of The End survives from March 9, but includes some wild poetic imagery.)

Conclusión. Algún día veremos una edición completa de estas cintas originales. Mientras tanto Rhino nos la va entregando con cuentagotas…

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Las 10 mejores tiendas de discos de Barcelona

Tendrían que ser patrimonio de la humanidad: ir ahí a comprar, revolver sus cubetas e intercambiar opiniones con el dependiente siempre enriquece

XAVI SÁNCHEZ PONS
Jueves, 8 de marzo del 2018

Se habla mucho de la vuelta del vinilo y de las nuevas formas de consumir música, pero casi nada de las tiendas de discos, una especie en extinción y, por lo tanto, un género a proteger y a reivindicar. ¿Por qué son importantes? Pues por un montón de razones. Su existencia dignifica la música y su peso cultural es importantísimo.

Desplazarte a una de ellas, revolver entre los compactos y los vinilos de sus estanterías y de sus cubetas en busca de esa joya de segunda mano que hace tanto que anhelas, dejarte llevar y apostar por recomendaciones del disquero del lugar o hasta intercambiar impresiones con otro cliente es un acto social que te enriquece como persona, a años luz de la frialdad que supone comprar con un solo clic en un portal de internet introduciendo de forma mecánica los números de la tarjeta de crédito.

En Barcelona tenemos unas cuantas tiendas de discos. Algunas forman parte ya de la historia de la ciudad, y otras hace solo unos años que han empezado a andar y están en ello. A continuación, damos voz a 10 de ellas para que sus fundadores y trabajadores nos expliquen sus orígenes, especialidades y, ya puestos, nos recomienden alguno de los discos que tienen en sus estantes.

Una imagen de la tienda Wah Wah.JOAN PUIG

1. Wah Wah Discos
Riera Baixa, 14

Una institución melómana de la ciudad que inició su andadura en un año olímpico. «La tienda abrió en 1992, en una época en la que las tiendas de Barcelona estaban dominadas por el compacto. De hecho, casi la mayoría habían abandonado la venta de discos de vinilo», explica Jordi Segura, propietario y fundador de Wah Wah, un establecimiento con una de las ofertas más ricas y más variadas de vinilos en Barcelona. Es más, aquí es donde puedes encontrar las referencias más buscadas y raras.

«En nuestra tienda hay de casi todo –cuenta Segura–. No tenemos clásica, pero sí blues, soul, beat, garaje, psicodelia, rock progresivo y hasta material de grupos actuales. Nos preocupamos de tener una buena selección de discos interesantes, y de mantener un equilibrio: hay originales, hay reediciones, y hay discos de 10 € y discos de 1.000 €. Dentro de nuestra oferta especial, tenemos una amplia sección de bandas sonoras, pero también de jazz, de funk, de pioneros de la música electrónica o de música francesa». Y añade: «Intentamos traer cosas nuevas constantemente para que aquellos que vienen a menudo siempre encuentren algo que no vieron la vez anterior».

2. Discos Revolver
Tallers, 13

La calle de Tallers de Barcelona, pequeña arteria que une a la plaza de la Universitat con La Rambla, no sería la misma sin Discos Revolver. Una tienda emblemática que forma parte indisoluble de la educación sentimental de un montón de barceloneses: ahí hemos adquirido y hemos descubierto un montón de discos que, en algunos casos, nos han cambiado la vida.

Jordi Jover, una de las cabezas visibles de la tienda, pone al día brevemente su historia: «Revolver se inaugura en 1991, fundada por Jesús Moreno y Alfons Sureda, y responde básicamente a la necesidad y a la demanda que por aquella época tenía Barcelona de una tienda de discos especializada en indie y heavy metal. Años después abriría Revolver Records, tienda hermana situada en el número 11 de Tallers y más orientada hacia el coleccionismo y los oldies».

«La oferta de Discos Revolver, el Revolver Rojo para los amigos –afirma Jover– es muy amplia a nivel estilístico: rock, punk, toda las variantes de la música metal, electrónica, mestizaje, hip hop… Somos referente de la música gótica, future pop, coldwave y sonidos oscuros ochenteros, pero también puedes encontrar pequeñas secciones de blues o reggae, y discos de segunda mano».

3. Disco 100
Escorial, 33

Este bastión musical situado en el barrio de Gràcia es decano en esto de la venta física de discos en Barcelona. Abrió sus puertas en 1978, lo que significa que lleva 40 años al pie del cañón. Ha sobrevivido a la irrupción del compacto y a las descargas ilegales y legales de internet. En los 90 llegaron a descartar los vinilos, pero ahora vuelven a ser legión.

«A mediados del 2000 nos lo replanteamos», comentan los responsables de Disco 100, «y los vinilos poco a poco han ido ocupando más espacio: empezamos con dos cubetas, luego fueron cuatro, y ahora tenemos unos 13.000 ejemplares diferentes que abarcan todos los estilos: pop, rock, metal, músicas del mundo, flamenco, clásica, electrónica, blues, country, soul, funk, bandas sonoras, músicas del mundo…».

La tienda Disco 100, que ahora organiza conciertos en un pequeño escenario improvisado en el mismo local, es un terreno abonado para las anécdotas. «Hace un tiempo, nos llamó la atención que un pianista de blues de Chicago, Barrelhouse Chuck, se fuera cargado de… discos de blues de Chicago. Le preguntamos y nos dijo que no los encontraba en su ciudad, incluso remarcó que se estaba llevando discos de Sunnyland Slim, que había sido su maestro».

4. Ultra-Local Records
Pujades, 113

En pocos años se ha convertido en lugar de peregrinaje para los amantes del pop y rock independientes del Estado. En sus cubetas encontrarás todas las novedades de tus grupos favoritos de aquí. Al habla Raül Chamorro, el fundador: «Ultra-Local Records nace del cansancio de trabajar 15 años en aquello que no te importa lo más mínimo, y la esperanza de poder vivir de algo que te gusta aunque parezca un suicidio. Vamos tirando, pero con otros trabajos que nos dan de comer. El sueño es vivir de la tienda. Nos especializamos en bandas locales porque nos pareció muy interesante tener el trato directo con ellas y con los  pequeños sellos discográficos. Pensamos que sería chulo tener un lugar donde poder encontrar el máximo de cosas hechas aquí. O, al menos, tener un lugar donde se destaquen los discos locales por encima de las referencias internacionales».

¿Nos Recomiendas alguna novedad discográfica? «Núria Graham y su ‘Does It Ring A Bell?’; ‘Onades’, de Adrià Ballús; ‘Secret Places’, de The Zephyr BonesL’Hereu Escampa y su ‘Pren la matinada’, y ‘Vida Gris 32’, de Gúdar», sugiere Chamorro.

5. Jazz Messengers
Córcega, 202

Barcelona es tierra de jazz, de ahí la existencia de varias tiendas dedicadas a este estilo. Una de las más veteranas es Jazz Messengers, en activo desde 1980, centrada en el jazz de todas las épocas y que cuida con especial mimo las referencias de nuevos grupos. El equipo del Messengers repasa la oferta disponible en sus estanterías: «Tenemos un amplio abanico de reediciones en vinilo del legendario sello Blue Note. Mucho material de importación de EEUU y una nutrida sección que se renueva constantemente de material de segunda mano».

Entre los elepés, destacan la caja de siete vinilos que recoge a Art Pepper en el club londinense de Ronnie Scott en 1980, con mucho material inédito. También el del último disco de Vijay Iyer en sexteto, ‘Far From Over’. El staff de Jazz Messengers lanza una reflexión atinada sobre el futuro del soporte físico: «La venta física de discos seguirá existiendo en un tamaño mucho más reducido, aunque fiel. El jazz es una música que requiere una escucha activa –comentan–. Esta escucha se beneficia de la pequeña liturgia de tener que seleccionar un disco, sacarlo de la funda, ponerlo en el player y escucharlo. De principio a fin. Es como leer un libro. No puedes escuchar solo un trozo. Son historias donde la interacción entre los músicos sigue un hilo conductor de principio a fin».

6. Discos Paradiso
Ferlandina, 39

La tienda de referencia si buscas sonidos electrónicos, adoras ir a sesiones de DJ’s en el NITSA y acudes regularmente a festivales como el Mira y el Sónar. Discos Paradiso es relativamente nueva –inició su andadura en el 2010– pero ya se ha convertido en un centro cultural improvisado (además de tienda, es un espacio abierto a exposiciones, conferencias o actuaciones de DJ’s), situado a apenas unos metros del Macba.

«La tienda nació hace ahora ocho años –relatan sus responsables–, y tenemos un poco de todo: desde novedades hasta discos de segunda mano de casi todos los estilos que van del jazz al techno». «Siempre nos han etiquetado como tienda de electrónica –reconocen–, pero la realidad es que intentamos tener una pequeña selección de más estilos».

Discos Paradiso, que califica su día a día como «una aventura diferente» y que presta especial atención a la electrónica de aquí y a sellos como Hivern Discs, Domestica, End Of Dayz, Disboot, Struments, Chaval Records, Lovemonk o Discontinu, se acaba de pasar a la edición de vinilos bajo el nombre de Urpa i Musell. Una de sus primeras referencias es ‘Mr. Wollogallu’ de Carlos Maria Trindade y ‘Nuno Canavarro’, disco portugués de culto editado originalmente en 1991.

7. Pentagram Music
De les Sitges, 5

Pentagram es el proyecto personal de un rostro habitual de las tiendas discos de Barcelona. «Después de trabajar durante 14 años en tiendas de discos, me atreví a abrir mi propio establecimiento, pero esta vez especializado en metal, que es lo que a mí me apetecía», explica Rubén Rosas.

«Ya llevamos abiertos nueve años, ¡y seguimos dando caña! Nadie daba un euro por la tienda, hasta los mismos representantes de las discográficas me decían que estaba loco. Pero se equivocaban: sigue habiendo un público para el metal. De hecho, es el estilo que tiene el público más fiel». Como es obvio, los discos que pueblan las cubetas de Pentagram son el sueño húmedo de los aficionados al rock duro.

«Tenemos muchas cosas chulas de reediciones de los 80 y 90 difíciles de encontrar a un precio más que asequible, de grupos como Celtric Frost, Riot, Omen, Heavy Load, Voivod o Kreator –señala Rosas–, pero las joyas de la tienda son primeras ediciones que no se suelen encontrar de ImmortalTaakeDarkthroneEnslavedGorgoroth o Satyricon, y alguna rareza de Iron Maidensobre los 300 €».

8. 10.000 Records
Floridablanca, 70-72

Una rara avis, y es que se trata de una tienda de discos que también vende equipos de alta fidelidad para que puedas escuchar tus compactos, casetes y vinilos en las mejores condiciones posibles. El barco de 10.000 Records lo dirige Rubén Franch, un ingeniero que hace unos años decidió dar un giro a su vida.

«Antes era informático, y tomé la decisión tras estar en el paro una temporada –explica–. Desde pequeño he tenido el hobby de DJ y he coleccionado vinilos de música electrónica. Es más, mi padre tenía una colección de más de 10.000 vinilos y también bastantes aparatos de Hi-Fi.Todo eso me llevó a la idea de abrir una tienda de vinilos con equipos de reproducción de música nuevos y de segunda mano y con la ayuda de mi padre, que me cedió parte de su colección para venderla».

Sobre la aventura de haber dejado los teclados, Franch comenta: «Te puedo asegurar que es un mundo en el que cada día aprendes cosas nuevas». «Además, sueles conocer a clientes que coleccionan a algún grupo o a algún artista en concreto y descubres que el ámbito del coleccionismo es algo digno de estudio».

9. Surco
Travessera de Gràcia, 144

Historia viva de Barcelona. Qué lo expliquen ellos mismos: «Surco abrió el 4 de marzo de 1974, así que es ahora la tienda de discos más antigua de Barcelona y, probablemente, de toda España. Nos encantaría estar seguros, así que si alguien tiene datos de otra más vieja en activo, ¡que avise! A la hora de comprar la música y el cine que se pueden tocar, nos honra seguir siendo referencia en el centro de la hoy gentrificada pero siempre hermosa Vila de Gràcia. Este año Surco celebrará sus 44 gracias al empeño y la pasión de Carlos y Marisol, la pareja de origen madrileño que en el barrio conocían como ‘los jipis de la Travessera’ –relatan, en tercera persona–y que aún resiste al frente de esta tienda familiar. Hoy, con el hijo catalán de ambos asistiendo en la faceta virtual y montando saraos ocasionales, como las actuaciones celebrando cada año el Record Store Day, este año, el 21 de abril,  para recordar al cliente que las tiendas de discos resisten».

Poco más se puede añadir. Bueno sí, ¿alguna recomendación discográfica que tengan a la venta? «’The Traveling Wilburys Collection‘ en vinilo, caja deluxe con su excelente breve discografía y un porrón de extras; y ‘¡Cómo está el servicio… de señoras!’, reedición en vinilo rosa más dos compactos y un DVD con todas las grabaciones de Pedro Almodóvar y Fabio McNamara».

10. Vinil Vintage
Ramon y Cajal, 45

Ubicada en la misma calle del HeliogàbalVinil Vintage parece una capilla pagana alicatada con vinilos. Cuando entras, tienes que estar dispuesto a mancharte de polvo las dedos, a esquivar los discos que están apilados en el suelo, y a jugar al Tetris con  el resto de compradores si pillas la tienda llena.

Este pequeña Galia disquera está dirigida por Dani Franch, un nómada del vinilo que un día decidió pasarse a la vida sedentaria. «Abrí la tienda a finales del 2013, pero comencé en este mundo poniendo paradas en ferias», relata. Una de las particularidades de Vinil Vintage consiste en un generoso stock de vinilos a precios populares –entre 1 y 4 €–, además de una oferta variada de estilos (rock, pop, jazz, funk, disco, bandas sonoras) concentrados en las décadas de los 60, 70, 80 y 90.

Dani Franch, que se siente optimista respecto al futuro de la venta de proximidad de discos –«lo veo bien, porque lo virtual nunca podrá substituir a la experiencia de lo físico. Esperemos que las nuevas generaciones sigan interesados en ello»–, comparte una anécdota marciana relacionada con su oficio: «Un día me llamaron para preguntarme a cuanto vendía el metro de vinilo decorativo»

40º aniversario de ‘Animals’: El significado oculto del disco más agresivo y cínico de Pink Floyd

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‘Animals’, lanzado entre dos discos colosales como son ‘Wish You Were Here’ (1975) y ‘The Wall’ (1979), a menudo ha sido relegado a un segundo plano dentro del legado de Pink Floyd. Yorgos Goumas reivindica este interesantísimo LP que cumple 40 años de vida.

El contexto

A mediados de los 70 corrían tiempos turbulentos en Albión: la crisis energética y la importación de bienes asiáticos de bajo coste hicieron que el sector industrial estuviera en un punto crítico, que el desempleo y la inflación subieran sin control y que los sindicatos convocaran grandes huelgas que paralizaron el país, con el consiguiente descontento y agitación social, sin que el gobierno Laborista pudiera afrontar los problemas de manera adecuada (algo que llevó al Partido Conservador de Margaret Thatcher a ganar las elecciones en 1979).

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Paul Cook y Johnny Rotten de Sex Pistols usaron a Pink Floyd como punching bag a la hora de transmitir su discurso de ruptura con lo establecido

A nivel musical, dicha agitación social y la falta de perspectiva por parte de los jóvenes, a la par que el descontento con la música rock imperante del momento (considerada como una entidad que se miraba a su propio ombligo, sin conexión con la realidad social y transformada en un dinosaurio burgués, anquilosado en el pasado y perdido en las pajas mentales del rock progresivo, muy de moda por entonces), condujo al nacimiento del punk. De repente, todas las vacas sagradas del rock se encontraron bajo el escrutinio y el desprecio de los jóvenes; todo lo que sonaba a rock sinfónico y/o progresivo automáticamente era tachado de anticuado y pretencioso. Son notorias las camisetas de Pink Floyd que llevaban los miembros de Sex Pistols en las que añadieron de manera casera la frase “I Hate” (odio).

La banda de Waters, Gilmour, Wright y Mason no pasaba por su mejor momento: su contrato con EMI (curiosamente el mismo sello que iba a fichar de manera muy breve a los Sex Pistols poco después) había expirado, así que en 1975 decidieron construir su propio estudio (Britannia Row Studios). Una de las condiciones sine qua non para la banda a la hora de grabar era contar con acceso a un estudio sin limitaciones de horario, lo cual no solamente afectó la situación financiera de la banda, sino que contribuyó al sonido más crudo del ‘Animals’, debido al equipo barato con el que equiparon el estudio para ahorrar costes.

Por otra parte, el estratosférico éxito del ‘Dark Side of the Moon’ (1973) y ‘Wish You Were Here’ (1975) llevó a la banda, sobre todo a Roger Waters, a cuestionar su propia existencia: giras interminables por grandes estadios, la inevitable intervención de los ejecutivos de la discográfica pidiendo que hicieran música más comercial para engordar así sus propias cuentas bancarias (un rencor que ya se reflejaba en temas como “Welcome to the Machine” y “Have a Cigar”) y el cambio de la actitud de los fans tuvieron un profundo impacto en la psique de la banda. Rogers y Gilmour empezaron a contemplar la posibilidad de, incluso, disolverla: opinaban que el grupo había conseguido su metas y no tenía nada más que ofrecer a nivel artístico. Se sentían presos de su propio éxito y de los apetitos de un público cada vez más amplio; más desconectado de la esencia de la banda.

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Si antes en sus conciertos se observaba un silencio reverencial por parte de unos fans que entendían que sus shows no eran una mera ejecución de temas, sino de un concierto conceptual que incluía proyecciones y la transmisión de un determinado mensaje, ahora veían como la gente sólo les conocía por sus éxitos en la radio y sólo acudían a sus conciertos para escucharlos mientras se emborrachaban. Por si eso fuera poco, ellos mismos se estaban transformando lentamente en aquello que ellos mismos repudiaban: unos burgueses acomodados por obra y gracia del dinero inyectado por las ventas millonarias. Waters se aficionó al golf, David Gilmour a pilotar aviones, Rick Wright a navegar su propio velero y Nick Mason a coleccionar coches vintage de carreras. Entre tanto, se convertían en propietarios de bienes inmobiliarios tanto en Inglaterra como en extranjero. Todas esas contradicciones abonarían lo que iba a suceder a continuación.

Gestación y concepto del disco

La banda entró en el estudio en abril de 1976 con casi la mitad del material. Dos temas que se habían quedado fuera de las sesiones del ‘Wish You Were Here’ y que ya habían sido tocados en directo, “Raving and Drooling” y “You’ve Got to be Crazy”, fueron reconstruidos para convertirse en “Sheep” y “Dogs”, respectivamente. Dicho sea de paso, Waters aprovechó las distracciones del resto de la banda (Gilmour siendo padre y Wright envuelto a un divorcio) para tomar las riendas creativas, ya que con la excepción de una parte de “Dogs”, toda la música y las letras llevan su firma. Los padres de Waters eran de ideología socialista (la muerte de su padre, un objetor de conciencia, que aún así se alistó y pereció en la batalla de Anzio en 1944, le marcó para siempre) así que, por primera vez en la historia de la banda, pudo expresar de manera abierta sus puntos de vista progresistas. Tomó como referencia la novela de George Orwell, ‘Rebelión en la Granja’ (1945) y, aunque la novela era una crítica del régimen estalinista en la Unión Soviética, Waters se explayó a gusto en contra del sistema sociopolítico occidental capitalista (o neo-liberal, como se dice actualmente) usando a los tres animales. Los perros, los cerdos y las ovejas serían los representantes de las tres clases sociales prominentes.

Curiosamente, el único tono discordante con la agresividad y crudeza del disco viene con las dos partes del tema “Pigs on the Wing”, con el que se abre y se cierra el disco. No solamente es un tema breve y acústico, sino que además es el primer tema de amor en la discografía de la banda: aparentemente, Waters se inspiró en su entonces esposa Carolyne Christie, una de las muy pocas personas que podían no solamente penetrar en su cerrado y oscuro universo, sino retarle a nivel intelectual, tal como afirman los allegados de Waters, Nick Mason incluido, quien además añade que fue ella la que domó por primera vez la fiera que llevaba dentro el multiinstrumentista. El tema sirve como un faro de esperanza y ternura ante tanto cinismo y oscuridad, señalando al amor como el refugio del hombre moderno ante la inhumana sociedad, en la que el hombre es el lobo para el hombre, tal y como dijo Plauto.

El tema “Dogs”, de 17 minutos de duración, es el más cínico del disco, valga la redundancia ya que “cínico” proviene del griego antiguo kynos (perro). En él, los canes representan a la gente despiadada, sobre todo en el ámbito de los negocios, quienes hacen todo lo que está dentro de sus posibilidades lícitas e ilícitas para alcanzar el éxito. Son los depredadores de la época moderna y han transformado la sociedad para que en ella rija la ley del más fuerte y la desconfianza en nombre del poderoso caballero de Quevedo: Don Dinero. Sin embargo, toda esa lucha encarnizada para obtener el éxito materialista no llevará a ninguna parte, ya que algunos de ellos serán devorados por otros perros más fieros o acabaran muriendo solos, ya que en su ascenso feroz y despiadado hacia la cumbre se han quedado sin amigos.

Aunque en apariencia tuvieron una vida exitosa, en realidad ha sido miserable, teniendo que joder la vida a sus competidores en la disputa (carrera de ratas, como la llaman los anglosajones). Básicamente, vivieron su vida siguiendo los caminos dictados por los cerdos, la clase dominante, y no siguieron sus propios sueños y aspiraciones; consiguieron el éxito material a cambio de su alma: sembraron lo que cosecharon. Musicalmente hablando es el tema más progresivo del disco, con varias secciones que alternan entre lo místico y lo visceral. Contiene algunos de los mejores riffs de Gilmour y, en cierto modo, el duelo vocal de Waters-Gilmour representa la inminente fricción entre los dos músicos.

Los cerdos del tercer tema, “Pigs (Three Differente Ones)” representan la clase dominante. En el disco se dividen en 3 categorías, aunque solo la tercera acaba teniendo nombre y apellido: Mary Whitehouse, activista ultraconservadora que condujo varias campañas en contra de los cambios morales durante los años 60, cambios que percibía como una degradación de los valores tradicionales británicos; previamente, atacó a la banda como uno de los agentes de dicha “degradación”. Además, abogó por la censura de la violencia y del sexo en los medios de comunicación, y fue precursora del Parents Music Resource Center de Tipper Gore en los años 80.

Contexto marcado, se cree que la primera categoría son las grandes corporaciones, la segunda, sus lacayos los políticos; y la tercera, los adalides de la superioridad moral reflejados en las autoridades religiosas y los ultra-conservadores laicos. El lazo común entre las tres categorías es la hipocresía: muestran de cara a la sociedad una fachada amable y respetable, pero en realidad usan los perros como instrumentos para alcanzar sus fines.

Por otra parte, los adalides morales proyectan su disposición hacia los cambios que llegan con los nuevos tiempos, precisamente para ocultar su propio miedo ante ellos, ya que saben que pronto sus monsergas conservadoras acabarán en el cubo del reciclaje de la historia. Los cerdos son hipócritas y cobardes porque no se atreven manchar sus manos con el trabajo sucio que hacen los perros aunque, en lo más profundo de su alma, disfrutan de manera morbosa con la violencia y la impiedad de la sociedad hacia el prójimo más débil: las ovejas. A nivel musical, aparte del ritmo pseudofunky (con reminiscencias del “Have a Cigar”) y el uso del vocoder, lo que más destaca es el solo de Gilmour, posiblemente el más feroz de su discografía: sencillamente explosivo.

Las ovejas, “Sheep”, son el proletariado: la gente simple y trabajadora que vive en un mundo creado por los cerdos, donde se les oculta, a través de la manipulación y las distracciones mediáticas y religiosas, el hecho de que todo lo que hacen sólo sirve para que sus amos se enriquezcan a su costa, mientras que ellos sólo pueden contar con lo justo para sobrevivir mientras malgastan su vida en los medios de producción. Están encantados con lo que tienen y, además, no dudan en obedecer a sus amos, incluso hasta involucrarse en contiendas bélicas sin sentido para poder preservar las migas que les echan sus amos y que ellos, dentro de su ignorancia voluntaria o inducida, perciben como privilegios.

Sin embargo, de vez en cuando, las ovejas se sublevan (en este caso usando artes marciales) para derribar a sus opresores, los perros, y se ocupan de los medios de la producción, que al fin y al cabo son suyos… aunque todo es un circulo y los oprimidos llegan a ser los nuevos opresores, paradoja que se acentúa en el disco con la segunda parte del “Pigs on the Wing”, dejándonos con la impresión de que la verdadera revolución yace en el amor, que es la única manera para sobrevivir el yugo capitalista.

La ausencia de una conclusión contundente, de una explicación acerca de cómo hacer la sociedad más humana y justa, hacen de este tema el más marxista y a la vez el más nihilista y cínico de Waters. Básicamente, lo que nos dice es que sólo se puede sobrevivir a este mundo capitalista aguantando y aceptando lo que se nos viene encima, aprovechando las migajas que los cerdos nos echan desde arriba y comportándonos como unas ovejas obedientes: no hay salvación para los proletarios y las cadenas sólo cambian de propietario. Muy poderoso resulta ser también el simbolismo de recitar a través del vocoder y la manipulación de la letra del salmo 23 del Antiguo Testamento para que se adaptara al contexto de la canción, mientras que a nivel musical contamos con más riffs incendiarios por parte de Gilmour, la discreta similitud de la línea de bajo con la del tema “One of These Days” y la ingeniosa mezcla de la voz de Waters con el sintetizador.

La portada

pink-floyd-animals-portadaDesde luego, se trata de una de las portadas más icónicas y reconocibles de la historia del rock. Waters, su ideólogo, quiso ilustrar el desolado paisaje industrial, resultado del uso desaforado capitalista de los medios de producción (merecen una versión aparte las connotaciones fálicas de las cuatro chimeneas). Como modelo, le sirvió la central termoeléctrica del Battersea en Londres, el edificio de ladrillos más grande de Europa, que ya había aparecido en la película ‘Help’ (1965) de los Beatles. La idea de Waters también incluía la aparición de un cerdo volando por encima de la central, cuyo simbolismo era precisamente que habría una solución a todos los problemas que acarea el sistema capitalista “cuando vuelen los cerdos”, una expresión anglosajona usada para denotar la imposibilidad de que algo ocurra (una muestra más del nihilismo de Waters).

Waters insistió que la foto debería ser real sin nada de montajes, así que los encargados de dar forma a la visión de Waters serían una vez más Storm Thorgerson y su equipo de diseño gráfico, Hipgnosis, autores de varias portadas icónicas de discos de rock y Jeffrey Shaw, diseñador de Algie, tal como se llamaba cariñosamente el cerdo volador que tenía 12 metros de largo cuando se inflaba con helio y que fue construido por la misma empresa alemana que en pasado construyó los famosos dirigibles.

Es muy famosa la simpática historia de cómo el cerdo se libró de sus ataduras el segundo día de las sesiones fotográficas por culpa del viento y puso en alarma a los controladores del aeropuerto de Heathrow, ya que entró en las rutas de aterrizaje de los aviones comerciales. Los pilotos, quienes informaron acerca del avistamiento de un cerdo volador a 20,000 pies, fueron sometidos pocas horas después a diferentes pruebas de alcoholemia. Cabe añadir que el primer día de la sesión habían contratado a un tirador experto para que desinflara al cerdo una vez acabada la sesión, pero debido al poco satisfactorio resultado de las fotos, decidieron repetir la sesión el día siguiente, pero esta vez sin el tirador, para mantener los costes bajos… justo cuando más le necesitaban. Finalmente, una vez recuperado Algie de un campo en Kent, a unos 40 kilómetros de Londres, se hizo una tercera sesión de fotos pero, irónicamente, la portada acabo saliendo un montaje (tal como había sugerido Thorgeson) con la foto de la estación de la primera sesión y una foto de Algie de la tercera. Aún así, es infinitamente mejor que las dos ideas originales: una iba a mostrar a un niño sorprendiendo a sus padres en su habitación mientras copulaban como animales; la otra mostraba a tres patos clavados en una pared como muestra de la naturaleza animal humana. También hay que decir que la megalomanía de Waters ya empezaba a hacer estragos entre sus colaboradores, ya que hubo una discusión acerca de los créditos del diseño, algo que hizo que Storm no volviera a colaborar con la banda (que por otra parte eran amigos desde los tiempos de colegio) hasta el disco ‘Momentary Lapse of Reason’ de 1987.

Legado

poster-pink-floyd-in-the-fleshEste disco es considerado como la respuesta de Waters al movimiento punk, como un intento de mostrar que él también sabía reflejar y cargar en contra del zeitgeist de entonces… y solo menciono a Waters porque el resto de la banda, o no veía con buenos ojos sus letras cargadas ideológicamente (Gilmour), o simplemente no tenía la mente como para involucrarse en el proceso creativo (Wright). Aún así, están de acuerdo de que aquel fue el último disco que se forjó con el esfuerzo colectivo de la banda, tocando e improvisando en el local de ensayo antes de que Waters empezara a comportarse como un dictador, irónicamente con el mismo comportamiento totalitario que él mismo tanto odiaba. Aquellas sesiones también supusieron el principio del fin de Wright como miembro oficial de la banda (a partir de allí y hasta el ‘The Division Bell’ de 1994 aparecería en los créditos como músico adicional).

El disco, con solo 3 temas de más de 10 minutos (“Pigs on the Wing” sirve como intro y outro), fue concebido como una manera de hacer la peineta a los ejecutivos, que les pedían temas apropiados para la radio. Aún así, el disco llegó a vender más de 4 millones de copias sólo en EE.UU.. Algie también pasó a formar parte de la iconografía de la banda a nivel de directos, ya que aparecería en varias formas flotando por encima del público. Cuando Waters dejó la banda en 1985 y empezó a usar a un cerdo inflable en sus directos como solista, Gilmour y compañía decidieron usar un cerdo con genitales como respuesta.

Sin embargo, la consecuencia más importante a nivel artístico surgió durante la siguiente gira. Waters se dio cuenta de que no solamente la banda se había convertido irónicamente en una generadora de dinero para promotores, agentes, managers y ejecutivos, sino que también se sentía cada vez más desconectado de los fans. Ahora sólo tocaban en grandes estadios donde era imposible generar una comunión con el público; posteriormente, descubrieron que los promotores metían mucha más gente de la pactada.

Además, era imposible ofrecer un directo en condiciones, es decir, transmitir su mensaje, ya que cualquier cosa que tenían que decir se perdía entre petardos y gente borracha que sólo acudía allí porque un concierto de Pink Floyd era un evento social: algo para presumir con los colegas. En otras palabras, se habían convertido justo en lo que el mismísimo Waters aborrecía: unos perros al servicio de los cerdos que entretenían a las ovejas, acusación esgrimida por el movimiento punk.

Waters empezó a despotricar en contra del público ruidoso a lo largo de aquella gira que se hizo llamar “In The Flesh”. El colmo llegó en el último concierto de la gira, el 6 de julio de 1977 (minuto 33:30) en el estadio olímpico de Montreal: un Waters harto de todos y de todo acabó escupiendo a un fan borracho que intentaba subir al escenario. Aquel incidente le hizo reflexionar acerca de su actitud frente al estrellato y los fans, y empezó a hacer bocetos de un muro que se levantaría entre la banda y el público, enfatizando así el sentimiento de alienación que imperaba en la mente de Waters. Un concepto que dos años más tarde se transformaría en otro disco monumental de la banda… pero eso es otra historia.

Sensacional y único. Kraftwerk 3-D The Catalogue

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5.0 de un máximo de 5 estrellas Sensacional y único, 28 de mayo de 2017
Esta opinión es de: 3-D The Catalogue [Blu-ray] (Blu-ray)
Discos: 4 Blu-ray 50 Gb
Codec: MPEG-4 AVC
Formato Imagen: 1.78:1
Resolución: 1920 x 1080p
Sonido: Dolby Atmos, Dolby TrueHD 7.1, PCM 2.0 estéreo, Headphone Surround 3D
Subtítulos: Ninguno
Extras: Libro de 224 páginas
Título original: Kraftwerk 3-D The Catalogue (2017)
Duración: 436 Minutos
Los seguidores del grupo alemán esperábamos este lanzamiento desde hace mucho y al fin está aquí. Concretamente, el que analizamos en esta página es el que presenta 4 discos Blu-ray más un libro a todo color de 228 páginas; todo ello en una caja de elegante y robusto diseño.

CONCIERTO
No voy a negar que soy fan de Kraftwerk desde los años 70, cuando descubrí Autobahn en un programa de radio en 1974. Desde ese momento, el grupo alemán me cautivó con su música diferente del resto y con ese concepto de hacer un disco sin pausas, solo las obligadas por las dos caras de los discos de vinilo. El grupo ha tenido largos años de inactividad en lo que a comercialización de discos se refiere. Hay que tener en cuenta que desde Electric Café (llamado después Techno Pop), que salió en 1986 (fue el primer CD que me compré), hasta el siguiente, Tour de France (2003), pasaron nada más y nada menos que 17 años…

Luego, en 2005, apareció el doble disco Minimum Maximum, grabado en directo. Este concierto también se editó en DVD, siendo una referencia absoluta en sonido, pues su calidad está fuera de toda duda.

Ahora, 12 años después, el grupo (¡por fin!) edita el esperadísimo concierto en Blu-ray que todos sus seguidores esperábamos. Y como Kraftwerk es diferente al resto de grupos de todo el mundo, las condiciones en las que se ha editado son espectaculares, tanto por la calidad técnica del concierto como por las diferentes ediciones de que los fans podemos disfrutar. En este artículo me centraré en la edición que se presenta en una caja y que incluye 4 Blu-ray’s y un libro, todo ello presentado en unas sensacionales condiciones.

Entrando de lleno en dicho contenido, hay que decir que la idea de comercializar estos 4 BDs junto con el libro y no de forma separada, les va a resultar un negocio redondo, ya que quien quiera tener estos 4 discos BD habrá de pasar por caja y desembolsar unos 180 € de media, ya que el precio de esta edición ha ido aumentado progresivamente tras su anuncio. Lo cierto es que en las diferentes tiendas de Amazon alrededor del mundo el precio oscila hasta 50 €. Hay más tiendas que lo venden, pero otra cosa es que lo tengan. De hecho, he estado consultando e indagando qué tiendas disponían de esta edición en España y son muy, pero que muy pocas. De hecho, la mayoría (El Corte Inglés, FNAC, etc.) no disponen de ella físicamente, y solo puede ser solicitada previo encargo. De hecho, Amazon.es agotó el producto tras las reservas realizadas por los clientes y no disponía de él el día de su salida.

Volviendo al tema de la única posibilidad de compra de los 4 BDs con esta edición, hay que decir que aunque se ha editado un Blu-ray + DVD en otra edición, ambos cuentan con un número reducido de temas musicales, concretamente 18. Si tenemos en cuenta que la edición de 4 discos aquí analizada se incluyen 69 temas, no resulta difícil para cualquier seguidor del grupo que quiera disfrutar de todos los temas del grupo qué edición adquirir.

Cabe destacar que esta edición presenta los temas de los 8 discos de estudio publicados por el grupo, que son: Autobahn, Radio-Activity, Trans Europe Express, The Man Machine, Computer World, Techno Pop, The Mix y Tour de France. De hecho, Kraftwerk presentó y sigue presentando su gira de conciertos en muchas ciudades en un concierto diario. Personalmente, pude asistir en Bilbao a dos de esos conciertos, concretamente los de los discos The Mix y Tour de France, en el Museo Guggenheim.
Así, gracias a estas grabaciones en Blu-ray podemos disfrutar plenamente de todos los conciertos de cada disco sin movernos de nuestra butaca. Puede deciros antes de entrar en el análisis tecnico, que gracias a la calidad audiovisual, se disfruta más en casa que en el propio concierto.

CONTENIDO BLU-RAY’S
Os enumeramos los temas de cada uno de los conciertos presentados en los 4 discos Blu-ray. Hay que tener en cuenta que los temas en los discos 3 y 4, denominados ‘FILM’ son los mismos que los de los discos 1 y 2, denominados ‘CONCERT’

Blu-ray 1 Concert y Film (incluyen 1, 2 3 y 4)

1 AUTOBAHN
Autobahn
Kometenmelodie 1
Kometenmelodie 2
Mitternacht
Morgenspaziergang

2 RADIOACTIVITY
Geiger Counter
Radioactivity
Radioland
Airwaves
Intermission
News
The Voice Of Energy
Antenna
Radio Stars
Uranium
Transistor
Ohm Sweet Ohm

3 TRANS EUROPE EXPRESS
Trans Europe Express
Metal On Metal
Abzug
Franz Schubert
Europe Endless
The Hall Of Mirrors
Showroom Dummies

4 THE MAN MACHINE
The Man Machine
Spacelab
The Model
Neon Lights
The Robots
Metropolis
Blu-ray 2 Concert y Film (incluyen 5, 6, 7 y 8)

5 COMPUTER WORLD
Numbers
Computer World
It’s More Fun To Compute
Home Computer
Computer Love
Pocket Calculator
Dentaku

6 TECHNO POP
Electric Cafe
The Telephone Call
House Phone
Sex Object
Boing Boom Tschak
Techno Pop
Music Non Stop

7 THE MIX
The Robots
Computer Love
Pocket Calculator
Dentaku
Autobahn
Geiger Counter
Radioactivity
Trans Europe Express
Metal On Metal
Abzug
Home Computer
Boing Boom Tschak
Techno Pop
Music Non Stop
Planet Of Visions

8 TOUR DE FRANCE
Tour De France
Prologue
Etape 1
Chrono
Etape 2
Vitamin
Aero Dynamik
Elektro Kardiogram
La Forme
Regeneration

LIBRO
El libro presentado es de tapa dura, con un acabado impecable y con un papel de calidad y de buen grosor. Se presenta en color y con ilustraciones a doble página. Las fotos son sensacionales y muy artísticas. Cuenta con 228 páginas.

IMAGEN 2D
Simplemente perfecta. La mayoría del contenido perteneciente a los discos BD del concierto mezclan imágenes del mismo -el cual parece haberse filmado en el mismo lugar- con las de videos pertenecientes a efectos superpuestos y a los que se muestran en la pantalla detrás de los 4 componentes. La calidad visual es simplemente perfecta, con una resolución magistral y una colorimetría perfecta, equilibrada y sin saturación. Los tonos de color son intensos y de auténtica demo, al igual que lo negros, los cuales se muestran sólidos, potentes y perfectamente combinados con los colores blancos. La verdad es que la imagen es una delicia para la vista. Cabe mencionar que la filmación y el montaje son realmente espectaculares.

Todo lo dicho anteriormente sirve para los otros dos discos, los denominados ‘FILM’. En ambos veremos los videos que acompañan a todos los temas, que son los mismo que los del concierto. En estos dos discos no veremos a los componentes de Kraftwerk, sino videos perfectamente elaborados que se combinan de maravilla con la música. Todo un espectáculo visual, sí señor.

IMAGEN 3D
Si el concierto luce a la perfección en 2D, en 3D no se queda atrás. Los conciertos ofrecidos por todo el mundo se realizan en 3D, y al entrar se le entregan unas gafas a los asistentes. La experiencia visual combinada con la sonora es todo un espectáculo. Pues bien, en esta edición de 4 Blu-ray’s la experiencia se multiplica a mejor. Y es que la calidad visual de las imágenes que veremos en pantalla en los 4 discos es sensacional. El 3D está presente en todo momento, llamando la atención en temas como Numbers, donde los números parecen salir de la pantalla e incluso podemos llegar a “tocarlos”. Especialmente, en los temas del concierto centrado en Computer World los efectos 3D predominan. De hecho, cada una de las canciones tiene algo que destacar en 3D, ya que en todas está disponible.

SONIDO
Resulta difícil empezar a alabar las prestaciones del sonido de esta edición porque no sé por dónde empezar dadas las sensacionales condiciones en que se presenta. Si el formato Dolby Atmos es de por sí sensacional, llamativo y realmente espectacular, todo se multiplica al oír lo que es capaz de dar con un contenido musical como éste. No me cabe la menor duda de que este contenido será utilizado en multitud de lugares para mostrar las excelencias del formato de audio por objetos Dolby Atmos. Y es que la música de Kraftwerk se presta a la perfección para sacar el máximo potencial a un formato de audio que nos permite oír has 11 cajas acústicas -más uno, dos o los subwoofers que queramos- simultáneamente, cada una de ellas reproduciendo diferentes sonidos y con una combinación perfecta y admirable por su ejecución.

La reproducción en formato 5.1 o 7.1 es también una verdadera gozada, pues la calidad sonora supera a la ya sensacional presentada en el DVD Minimum Maximum editado en 2005. En estos dos Blu-rays nos encontramos con un sonido perfecto, sin distorsión, nítido, potente y muy, muy dinámico, más en unos temas que en otros. El canal de subgraves trabaja de continuo y su aportación a la dinámica es sustancial. De hecho, hay temas que sorprenden por su potentes subgraves, caso de Aero Dynamik, Music Non Stop, It’s More fun to compute, Radioactivity…

Pero con lo que más se disfruta en el modo Dolby Atmos es con la enorme cantidad de efectos sonoros que hay en la parte superior. Hay temas que se llevan la palma en este aspecto, como Numbers, The Robots, Pocket Calculator, Dentaku, The Telephone Call, Music Non Stop, Elektro Kardiogram y, en general, todos, ya que no hay canción que no disponga de efectos en la parte superior.

La combinación de todos los canales es perfecta y la ubicación de cada sonido se localiza perfectamente, sin tener que esforzarnos para ello. Como digo, la escucha en 5.1 o en 7.1 es también una experiencia sensacional, ya que la calidad sonora es superior a la que presentaba el DVD MInimum Maximum, especialmente por la limpieza del sonido y la pegada del subgrave. Por cierto, hay que destacar que en todo el concierto no se oye al público, algo que muchos agradecerán, como es mi caso. Así, olvidáos de silbidos, gritos, etc., mientras suenan las canciones porque no los oiréis. Personalmente, creo que en ese aspecto Kraftwerk ha acertado de pleno, ya que su música electrónica debe ser escuchada sin elementos que distraigan al oyente.

Está claro tras la escucha de cualquiera de los temas, que lo que ha querido Kraftwerk es ofrecer a sus seguidores todos sus canciones con la mayor calidad sonora y con los nuevos arreglos que los han mejorado todavía más.
La pista de sonido estéreo PCM ofrece un sonido potente, dinámico y muy natural, resultando ideal para los amantes del audio high end en dos canales.
Se incluye también una pista Headphone Surround 3D destinada a la escucha con auriculares. Los resultados que se obtienen son sensacionales, ya que el sonido posee un efecto tridimensional excelente, el cual hará las delicias de los que prefieren escuchar música con auriculares.

EXTRAS
No se incluyen contenidos adicionales en los Blu-ray’s. La navegación nos muestra un menú simplificado en el que podemos elegir cualquiera de los tres formatos de audio incluidos, así como el formato visual 2D o 3D. En el contenido de cada disco veremos todos los temas de los conciertos y podremos seleccionar el que está incluido en el disco. En caso de querer seleccionar el del otro disco, un mensaje nos indicará en pantalla que insertemos el disco correspondiente.

Alfred Hitchcock: The Masterpiece Collection (10 Blu-Ray)

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Este magnífico pack de películas incluye:

Sabotuer (Sabotaje) (1942)
Shadow of a Doubt (La Sombra de una Duda) (1943)
Rope (La Soga) (1948)
Rear Window (La Ventana Indiscreta) (1954)
The Trouble with Harry (Pero… ¿Quién Mató a Harry) (1955)
The Man Who Knew Too Much (El Hombre que Sabía Demasiado) (1956)
Vertigo (Vértigo) (1958)
Psycho (Psicosis) (1960)
The Birds (Los Pájaros) (1963)
Marnie (Marnie la Ladrona) (1964)
Torn Curtain (Cortina Rasgada) (1966)
Topaz (Topacio) (1969)
Frenzy (Frenesí) (1972)
Family Plot (La Trama) (1976)

Las películas se presentan en un fabuloso libro (cada hoja una película) que incluye las portadas originales de las películas y material complementario. TODAS las películas del pack están en castellano (doblaje y subs) salvo Topacio, se ven estupendas y se escuchan bastante decentes.

A la venta en amazon a buen precio:

https://www.amazon.es/gp/product/B008RLD1VY

The Complete Studio Album Collection On Vinyl

Vinilos… Más vinilos…

Half Speeed Mastering – Ghost in the Machine – The Police

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Half speeding is an elaborate process whereby the source is played back at half its normal speed and the turntable on the disc cutting lathe is running at 16 2/3 R.P.M. Because both the source and the cut were running at half their “normal” speeds everything plays back at the right speed when the record is played at home.

Ghost in the Machine, released in October 1981, is the fourth studio album by The Police and the first to feature a title in English, which was of course provided by Arthur Koestler’s The Ghost in the Machine, the book that inspired much of the material. The songs were recorded between January and September in 1981, in sessions that took place at Air Studios, in Montserrat, and Le Studio, in Quebec, and were co-produced by Hugh Padgham.

The album reached number one in the UK Albums Chart and number two in the US Billboard 200, spawning three successful singles: Every Little Thing She Does Is Magic, Invisible Sun, and Spirits in the Material World. In the US, however, the song Secret Journey was released as an alternative single to Invisible Sun.

As the band was unable to agree on a picture for the sleeve, cover art for Ghost in the Machine features three red pictographs, digital likenesses of the band members in the style of segmented LED displays, each with a distinctive hair style (from left to right, Andy Summers, Sting with spiky hair, and Stewart Copeland with a fringe).

Number one in six countries and top 6 in five others, sonically (in hindsight) it formed a bridge between their more direct early work and their more ambitious latter direction. In 2000 Q magazine placed Ghost in the Machine at No. 76 in its list of the 100 Greatest British Albums Ever. More recently Pitchfork Media ranked it No. 86 in their list of the 100 Greatest Albums of the 1980s. The album’s cover was ranked at number 45 on VH1’s 50 Greatest Album Covers.

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

1.What is ‘Half-Speed Mastering’?

This is an elaborate process whereby the source is played back at half its normal speed and the turntable on the disc cutting lathe is running at 16 2/3 R.P.M. Because both the source and the cut were running at half their “normal” speeds everything plays back at the right speed when the record is played at home.

2.What are the advantages of Half-Speed Mastering?

The vinyl L.P. is an analogue sound carrier. Therefore the size and shape of the groove carrying the music is directly related to whatever the music is doing at any particular point. By reducing the speed by a factor of two the recording stylus has twice as long to carve the intricate groove into the master lacquer. Also, any difficult to cut high-frequency information becomes fairly easy to cut mid-range. The result is a record that is capable of extremely clean and un-forced high-frequency response as well as a detailed and solid stereo image.

3.Are there any disadvantages?

Only two, having to listen to music at half-speed for hour after hour can be a little difficult at least until I get to hear back the resulting cut when it all becomes worthwhile. The other dis-advantage is an inability to do any de-essing. De-essing is a form of processing the signal whereby the “sss” and “t” sounds from the vocalist are controlled in order to avoid sibilance and distortion on playback. None of the tools I would ordinarily employ on a real-time cut work at half speed as the frequencies are wrong so the offending “sss” does not trigger the limiter and everything is moving so slowly there is no acceleration as such for the de-esser to look out for. This has always been the Achilles heel of half-speed cutting until now (see 6 below).

4.What was the source for this record?

This album was cut from a high-resolution digital transfer from the best known ¼ analogue tape in existence. The tapes were re-played on an Ampex ATR-102 fitted with custom extended bass response playback heads. Only minimal sympathetic equalisation was applied to the transfer to keep everything as pure as possible. Also, as this was an analogue, vinyl only high quality release, I did not apply any digital limiting. This is added to almost all digital releases to make them appear to be loud and is responsible for “the loudness war” and in almost every case is anything but natural and pure sounding.

5.Why could it not be cut ‘all analogue’?

The biggest variable when cutting from tape is the replay machine. Every individual roller in the tape’s path will have a direct effect on the quality of the audio emanating from the machine. In addition to this, there is the issue of the sub 30Hz low-frequency roll off on an advance head disc-cutting tape machine which in effect will come into play at 60 Hz when running at half speed. In addition to this, there are also some unpredictable frequency anomalies in the 35-38 Hz region with analogue tape that will double up at half speed. These are all problems if you want to hear as originally intended the lowest register of the bass end on a recording. There is also the lesser potential problem of tape weave that effectively increases at lower speeds and leads to less high frequency stability and the possibility of minor azimuth errors. Even if these problems could be overcome, the source tapes for this album were encoded with Dolby A noise reduction. Dolby only ever made a very small quantity of half-speed enabled Dolby A cards none of which are available to me. Although the technical team at Abbey Road are more than capable of modifying some spare Dolby A cards for half-speed use, to do so would require an intimate knowledge of the expansion circuit in the card which has never been made available outside of the Dolby Company. Finally, analogue tape becomes degraded with each pass over the replay heads. These tapes are getting old and it is no longer considered good practise to play and play and play precious old original masters for fear of damage and general wear and tear. Far better, then, to eliminate the variable of the reply machine, to decode the Dolby noise reduction correctly and to minimise wear of the master by capturing the music digitally at very high resolution using professional converters locked down with stable external word-clocks. I can completely understand the reasons for the concerns that some people have when cutting classic albums from digital sources. Historically, there have been some horrible digital transfers used as a vinyl cutting source. This has absolutely not been the case with this series. Micro-management of the audio and attention to detail has been the order of the day. Abbey Road has striven to eliminate any digital weaknesses from the signal path in all the rooms in the building. Therefore to capture to high resolution digital from a well maintained Ampex ATR-102 with extended bass heads is a far superior working method in my opinion.

6.Are there any advantages to this working method?

Yes, any problems with the tape can be treated far more accurately digitally than they could be by using traditional analogue techniques. For example de-essing. I can, by clever editing, target just the offending “sss” and leave intact the rest of the audio. Therefore high-hats, bright guitars and snare drums are not affected or reduced in impact. Using an analogue scatter-gun de-esser approach would also trigger the limiter in many parts of the audio that do not need to be worked on. The de-esser cannot tell a bright guitar from bright vocal and will smooth everything out leading to dull guitars or soft snare drums and weak hi-hats. Targeting the “sss” sounds in the vocal as I have done in this series is time consuming but is worthwhile in the pursuit of the very best possible sounding record. Also if there was any damage to the analogue tape (drop-outs and clicks for example) this can by and large be restored using modern digital methods in a way that is unobtrusive and this would be impossible using analogue methods. For the record, none of the albums in this series have been de-noised. Only clicks and drop-outs have been repaired.

Miles Showell – Mastering Engineer, Abbey Road

Otras ediciones en Half Speed mastering en Abbey Road:

New Gold Dream is the fifth album by the celebrated Caledonian rockers. Released in 1982, it is widely considered to be a turning point for the band, a bridge between their post punk roots and stadium-filling destiny, and gathered enormous critical acclaim as well as impressive sales. Listed in the estimable tome ‘1001 Albums You Must Hear Before You Die’ New Gold Dream was a discernible move toward a more a commercial sound and it entered the UK chart at number 3, yielding the hit singles Promised You a Miracle and Glittering Prize.

The latter track and the synth-heavy Someone Somewhere in Summertime in particular represented a shift towards undisguised pop and it’s also worth noting that Hunter and Hunted features a solo by Jazz keyboardist Herbie Hancock, a rare distinction for any rock/pop album.

“Every band or artist with a history has an album that’s their holy grail,” remarked lead singer Jim Kerr. “I suppose New Gold Dream was ours. It was a special time because we were really beginning to break through with that record, both commercially and critically. The people that liked that record connected with it in a special way. There was a depth to it: it created its own mythology. It stood out.”

The artwork caused quite stir due to its religious imagery, so much so that on the version released in Yugoslavia, the cross was removed. Jim Kerr reflected “[During the writing of the album] we often went for walks. Around Perth you find a lot of Celtic crosses, crosses that seem to spring up from the earth. We thought it was a very powerful symbol. They were in the ground which produced the water we drank, so why not?”

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

180gm double LP, replica VERY LIMITED first pressing packaging with additional ‘obi strip’. Includes 12 original postcards photographed by Norman Seeff.

Album photography and concept by Robert Frank. Original colour printed inner sleeves.

Exile On Main Street was released in 1972 and was The Rolling Stones’ 10th studio album. While some tracks dated from the sessions for their previous long player, ‘Sticky Fingers’, the rest were recorded in the basement of Nellcôte, a mansion leased by Keith Richards in the south of France after the band had found it expedient to leave Britain for tax reasons.

Although first received with mixed, hesitant reviews, ‘Exile…’ reached number one in the UK and the US, where it has also achieved platinum status and is now widely regarded as one of the group’s very best records. With Jagger’s vocals low in the mix and the sessions notorious for many participants’ prodigious use of narcotics and booze, the album should have been set-up for failure. Even Bill Wyman struggled amongst the chaos and therefore only featured on backing vocals on eight of its 18 tracks. Instead, the results were so powerful and enduring that the album eventually ended up at Number 7 on Rolling Stones Magazine’s Top 500 albums of all time.

The sleeve is famous for the collage of images taken from Robert Frank’s 1958 book ‘The Americans’. Characters used in the artwork include Joe Allen, “The Human Corkscrew”, a renowned contortionist from the 1950s and, perhaps most famous of all, Three Ball Charlie. Three Ball Charlie was a man able to fit a tennis ball, a golf ball, and a “5” billiard ball simultaneously in his mouth – a remarkable feat – and his image is the one that many people associate most readily with this unimpeachable rock classic.

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

Released in 1967, Disraeli Gears is the second studio album by the first rock ‘supergroup’ Cream (Eric Clapton, Jack Bruce and Ginger Baker) and the name of the album famously came from a malapropism. During a conversation about racing bikes, one of their roadies, a certain Mick Turner, made reference to Disraeli gears instead of Derailleur gears, which was greeted with hilarity and the group decided to use that as the title of the album.

Something of a departure from their blues roots, Disraeli Gears perfectly captured the mood of the period with a powerful array of psychedelic rockers, reached number 5 in the UK Charts and was Cream’s breakthrough release in the US, hitting number 4 in the Billboard 200. It was all recorded in three and a half days at Atlantic Studios, New York, in the presence of Atlantic Records (to whom they were signed in the US) boss Ahmet Ertegun, following nine shows as part of the Music in the 5th Dimension concert series. Their work visas expired on the last day of recording.

The sleeve was designed by Australian artist Martin Sharp, who lived in the same building as Eric Clapton, The Pheasantry in Chelsea. Sharp also co-wrote the lysergic tour-de-force Tales Of Brave Ulysses with Clapton and described the music on the album as a “warm fluorescent sound”. His artwork was an attempt to represent this visually and is acknowledged to be one of the finest ‘acid rock’ designs of the era.

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

The Alan Parsons Project. Edición 40 aniversario de su primer álbum “Tales of Mystery…”

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The Alan Parsons Project

“Tales of Mystery 40th Anniversary Box Set”

This beautiful 40th anniversary box set, made with the full co-operation of Eric Woolfson’s family and Alan Parsons, is a landmark release for the album that launched the Project.

– The original 1976 album is presented for the first time ever in a 5.1 surround sound mix Blu-ray from the original multi-tracks re-mastered by Alan Parsons at Capitol Studios, LA.

– 3 CDs (the 1976 original & 1987 remix with bonus tracks, plus a whole CD of over 70 minutes of previously unreleased bonus material)

– 2-LP set of the original 1976 recording, half-speed mastered by Miles Showell at Abbey Road, March 2016

– Stunning 60-page coffee table book with photographs and new interviews about the making of the album

– An original album poster, a replica 1976 press kit and tape-man sticker

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Full Track List:

DISC ONE: A Dream Within A Dream / The Raven / The Tell-Tale Heart / The Cask Of Amontillado / (The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether / The Fall Of The House Of Usher (suite)
i: Prelude – ii: Arrival – iii: Intermezzo – iv: Pavane – v: Fall / To One In Paradise (Original 1976 edition) / The Raven (Original Demo) / Edgar (Demo Of An Unreleased Track) / Orson Welles Radio Spot / Interview with Alan Parsons and Eric Woolfson

DISC TWO: A Dream Within A Dream / The Raven / The Tell-Tale Heart / The Cask Of Amontillado / (The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether / The Fall Of The House Of Usher (suite) i: Prelude – ii: Arrival – iii: Intermezzo – iv: Pavane – v: Fall / To One In Paradise (1987 Remix) / Eric’s Guide Vocal Medley / Orson Welles Dialogue / Sea Lions In The Departure Lounge / GBH Mix (Unreleased Experiments)

DISC THREE: (ALL MATERIAL PREVIOUSLY UNRELEASED) Album Launch at Los Angeles Planetarium – Introduction by Warren Duffy / Dream Within A Dream (Piano Takes) / Dream Within A Dream (Recorder Takes) / Dream Within A Dream/The Raven (Early Mix with Eric on Vocoder) / The Raven (Out-take and Extended Jam) / The Tell Tale Heart (Eric Guide Vocal) / Cask Of Amontillado (Rough mix – piano and backing vocals) / Cask Of Amontillado (Eric and Alan Guide Vocals) / Dr Tarr and Professor Fether (Early Rough Mix) / Dr Tarr and Professor Fether (Vocal Take) / Dr Tarr and Professor Fether – (Eric Guide Vocal) / Prelude (Orchestral Take 19) / Pavane (Experimenting & Take 1) / To One In Paradise (Rough Mix) / Interview with Alan and Eric – London, August 1987

DISC FOUR BLU-RAY:

Original 1976 album 5.1 Mix by Alan Parsons, Mixed at Capitol Studios, LA, June 2016

A Dream Within A Dream / The Raven / The Tell-Tale Heart / The Cask Of Amontillado / (The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether / The Fall Of The House Of Usher (suite) i: Prelude – ii: Arrival – iii: Intermezzo – iv: Pavane – v: Fall / To One In Paradise

Original 1976 album 96/24 HD Mix by Alan Parsons, Mixed at Capitol Studios, LA, June 2016)

A Dream Within A Dream / The Raven / The Tell-Tale Heart / The Cask Of Amontillado / (The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether / The Fall Of The House Of Usher (suite) i: Prelude – ii: Arrival – iii: Intermezzo – iv: Pavane – v: Fall / To One In Paradise

2-LP SET: Original 1976 Recording / Half speed mastered by Miles Showell at Abbey Road, March 2016

LP 1 / SIDE 1
A Dream Within A Dream / The Raven / The Tell-Tale Heart
LP 1 / SIDE 2
The Cask Of Amontillado / (The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether

LP 2 / SIDE 1
The Fall Of The House Of Usher: i: Prelude – ii: Arrival – iii: Intermezzo – iv: Pavane- v: Fall
LP 2 / SIDE 2
To One In Paradise / (The System Of) Doctor Tarr and Professor Fether (Single Version) / The Raven (Single Version) / To One In Paradise (Single Version)

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Ya a la venta en amazon.es
ACTUALIZACIÓN:
Ya es posible adquirir por separado el Blu-ray de esta edición especial en amazon.es
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Unos pantallazos del arte del bluray:
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Pink Floyd The Early Years 1965 – 1972. Todos los detalles de la edición.

 

Nota de Prensa Oficial:

http://www.pinkfloyd.com/news/pdfs/Pink_Floyd_The_Early_Years_Press_Release.pdf

Detalle de lo que contendrá esta mastodóntica edición. Os recomiendo consultar este .pdf con el listado completo de los contenidos. En el archivo en .pdf se lee mucho mejor que en el propio post, en el cual sólo he reproducido la información sin maquetar.

http://www.pinkfloyd.com/news/pdfs/Complete_Early_Years_Box_Track_Listing.pdf

La caja cubre un período interesantísimo en la historia de Pink Floyd ya que va desde los comienzos hasta justo antes la publicación de “Dark Side of the Moon”. Un período que no había estado suficientemente cuidado ya que las cajas de IMMERSE dieron un tratamiento de lujo para DSOTM, WYWH y The Wall pero no para este período.

Es de agradecer esta edición, que contiene verdaderas joyas sonoras y visuales.

Supongo que después del “shock inicial” todos estamos pensando lo mismo. Para cuando este tratamiento de lujo para “Animals”.

Hay una página en FB que lo reivindica…

We want: Pink Floyd “Animals” Immersion Box Set

PINK FLOYD
‘THE EARLY YEARS 1965-1972’
†previously unreleased

1965-67 CAMBRIDGE ST/ATION
CD 1:
1965 Recordings*: 1. Lucy Leave* 2.57
2. Double O Bo* 2.57
3. Remember Me* 2.46
4. Walk With Me Sydney* 3.11
5. Butterfly* 3.00
6. I’m A King Bee* 3.13
7. Arnold Layne 2.57
8. See Emily Play 8.57
9. Apples And Oranges 3.05
10. Candy And A Currant Bun 2.45
11. Paintbox 3.48
12. Matilda Mother (2010 mix) 4.01
13. Jugband Blues (2010 mix)† 3.01
14. In The Beechwoods (2010 mix)† 4.43
15. Vegetable Man (2010 mix)† 2.32
16. Scream Thy Last Scream (2010 mix)† 4.43
Total: 50 mins, 32 secs approx.
Tracks 1-11 mono.
Tracks 12-16 stereo
*including Rado Klose on guitar and Juliette Gale on vocals on ‘Walk With Me Sydney’
CD 2:
Live in Stockholm 1967: 1. Introduction† 0.25
2. Reaction in G† 7.18
3. Matilda Mother† 5.34
4. Pow R. Toc H.† 11.56
5. Scream Thy Last Scream† 4.00
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 7.17
7. See Emily Play† 3.16
8. Interstellar Overdrive† 8.57
Please note: the above tracks feature vocals recorded at a less than optimum level
John Latham (studio recordings 1967)
9. John Latham Version 1† 4.32
10. John Latham Version 2† 5.06
11. John Latham Version 3† 3.45
12. John Latham Version 4† 2.59
13. John Latham Version 5† 2.48
14. John Latham Version 6† 3.17
15. John Latham Version 7† 2.36
16. John Latham Version 8† 2.49
17. John Latham Version 9† 2.38
Total: 79 mins, 13 secs approx.
Tracks 1-8 recorded live Sept 10, 1967 at Gyllene Cirkeln, Stockholm, Sweden
Tracks 9-17 recorded at De Lane Lea Studios, London, 20 October 1967
All tracks stereo
DVD/Blu-ray
1. Chapter 24: Syd Barrett in the Gog Magog Hills, Cambridgeshire, UK 1966 / Pink Floyd at EMI Studios, London, April 1967 3.40
2. Nick’s Boogie†: recording Interstellar Overdrive and Nick’s Boogie at Sound Techniques Studio, Chelsea, January 11, 1967 / 6.36
Live at UFO, The Blarney Club, London, January 13, 1967
3. Interstellar Overdrive: ‘Scene – Underground’ UFO at The Blarney Club, London, January 27, 1967 4.15
4. Arnold Layne: promo video. Wittering Beach, UK, early 1967 2.54
5. Pow R. Toc H. / Astronomy Domine: plus Syd Barrett and Roger Waters interview: BBC ‘The Look Of The Week’ – BBC Studios, 9.22
London, May 14, 1967
6. The Scarecrow: ‘Pathé Pictorial’, UK, July 1967 2.05
7. Jugband Blues: ‘London Line’ promo video, 1967, London 2.58
8. Apples And Oranges: plus Dick Clark interview: ‘American Bandstand’, Los Angeles, USA, November 7, 1967 4.51
9. Instrumental Improvisation†: BBC ‘Tomorrow’s World’, London, December 12, 1967 2.11
10. Instrumental Improvisation†: ‘Die Jungen Nachtwandler’, UFO, The Blarney Club, London, February 24, 1967 4.32
11. See Emily Play: BBC ‘Top Of The Pops’ – partially restored BBC Studios, London, July 6, 1967 2.55
12. The Scarecrow (outtakes): ‘Pathé Pictorial’, UK, July 1967 2.07
13. Interstellar Overdrive: ‘Science Fiction – Das Universum Des Ichs’, The Roundhouse, London, 1967 9.33
Total: 57 mins, 59 secs approx.

1968 GERMIN/ATION
CD
1. Point Me At The Sky 3.40
2. It Would Be So Nice 3.46
3. Julia Dream 2.34
4. Careful With That Axe, Eugene (single version) 5.46
5. Song 1, Capital Studios, Los Angeles, 22 August 1968† 3.19
6. Roger’s Boogie, Capitol Studios, Los Angeles, 22 August 1968† 4.35
BBC Radio Session, 25 June 1968:
7. Murderotic Woman (Careful With That Axe, Eugene) † 3.38
8. The Massed Gadgets Of Hercules (A Saucerful Of Secrets) † 7.18
9. Let There Be More Light† 4.32
10. Julia Dream† 2.50
BBC Radio Session, 20 December 1968:
11. Point Me At The Sky† 4.25
12. Embryo† 3.13
13. Interstellar Overdrive† 9.37
Total: 59 mins, 14 secs approx.
DVD/Blu-ray
‘Tienerklanken’, Brussels, Belgium, 18-19 February 1968: 22.28
1. Astronomy Domine
2. The Scarecrow
3. Corporal Clegg
4. Paintbox
5. Set The Controls For The Heart Of The Sun
6. See Emily Play
7. Bike
8. Apples And Oranges: ‘Vibrato’, Brussels, Belgium, February 1968 3.03
‘Bouton Rouge’, Paris, France, 20 February 1968: 13.35
9. Astronomy Domine
10. Flaming
11. Set The Controls For The Heart Of The Sun
12. Let There Be More Light
13. Paintbox: ‘Discorama’, Paris, France, 21 February 1968 3.40
14. Instrumental Improvisation†: ‘The Sound Of Change’, London, UK, March 1968 2.15
15. Set The Controls For The Heart Of The Sun: ‘All My Loving’, London, UK, 28 March 1968 2.40
16. It Would Be So Nice (excerpt): ‘Release-Rome Goes Pop’, Rome, Italy, April 1968 1.21
17. Interstellar Overdrive: ‘Pop 68’, Rome, Italy, 6 May 1968 6.59
‘Tienerklanken – Kastival’, Kasterlee, Belgiu, 31 August 1968: 3.48
18. Astronomy Domine
19. + Roger Waters interview
‘Samedi et Compagnie’, Paris, France, 6 September 1968: 5.31
20. Let There Be More Light
21. Remember A Day
22. Let There Be More Light: ‘A L’Affiche du Monde’, London, UK, 1968 1.53
‘Tous En Scene’, Paris, France, 21 October 1968: 6.39
23. Let There Be More Light
24. Flaming
25. Let There Be More Light: ‘Surprise Partie’, Paris, France, 1 November 1968 6.35
26. Point Me At The Sky: Restored promo video, UK, 1968 3.19
Total: 84 mins, 18 secs approx..

1969 DRAMATIS/ATION
CD 1:
‘More’ album non-album tracks 1. Hollywood (non-album track) † 1.21
2. Theme (Beat version) (Alternative version) † 5.38
3. More Blues (Alternative version) † 3.49
4. Seabirds (non-album track) † 4.20
5. Embryo (from ‘Picnic’, Harvest Records sampler) 4.43
BBC Radio Session, 12 May 1969:
6. Grantchester Meadows† 3.36
7. Cymbaline† 3.38
8. The Narrow Way† 4.48
9. Green Is The Colour† 3.21
10. Careful With That Axe, Eugene† 3.26
Live at the Paradiso, Amsterdam, 9 August 1969:
11. Interstellar Overdrive† 4.20
12. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 12.25
13. Careful With That Axe, Eugene† 10.09
14. A Saucerful Of Secrets† 13.03
Total: 68 mins, 50 secs approx.
CD 2:
Part 1: ‘The Man’, Amsterdam, 17 September 1969
1. Daybreak (Grantchester Meadows)† 8.14
2. Work† 4.12
3. Afternoon (Biding My Time)† 6.39
4. Doing It† 3.54
5. Sleeping† 4.38
6. Nightmare (Cymbaline)† 9.15
7. Labyrinth† 1.10
Part 2: ‘The Journey’, Amsterdam, 17 September 1969
8. The Beginning (Green Is The Colour)† 3.25
9. Beset By Creatures Of The Deep (Careful With That Axe, Eugene)† 6.27
10. The Narrow Way, Part 3† 5.11
11. The Pink Jungle (Pow R. Toc H.)† 4.56
12. The Labyrinths Of Auximines† 3.20
13. Footsteps / Doors† 3.12
14. Behold The Temple Of Light† 5.32
15. The End Of The Beginning (A Saucerful of Secrets)† 6.31
Total: 76 mins, 36 secs approx..
DVD/Blu-ray:
‘Forum Musiques’, Paris, France, 22 January 1969: 19.25
1. Set The Controls For The Heart Of The Sun
David Gilmour interview
2. A Saucerful Of Secrets
3. ‘The Man’ and ‘The Journey’: Royal Festival Hall, London, rehearsal, April 14, 1969: 14.05
Afternoon (Biding My Time)
The Beginning (Green Is The Colour)
Cymbaline
Beset By Creatures Of The Deep†
The End Of The Beginning (A Saucerful Of Secrets)
Essencer Pop & Blues Festival, Essen, Germany, October 11 1969: 19.14
4. Careful With That Axe, Eugene
5. A Saucerful Of Secrets
Music Power & European Music Revolution, Festival Actuel, 27.53
Amougies Mont de l’Enclus, Belgium, 25 October 1969:
6. Green Is The Colour
7. Careful With That Axe, Eugene
8. Set The Controls For The Heart Of The Sun
9. Interstellar Overdrive with Frank Zappa 11.26
Total: 71 mins, 14 secs approx.

1970 DEVI/ATION
CD 1:
1. Atom Heart Mother live in Montreux, 21 Nov 1970† 17.58
BBC Radio Session, 16 July 1970:
2. Embryo† 11.10
3. Fat Old Sun† 5.52
4. Green Is The Colour† 3.27
5. Careful With That Axe, Eugene† 8.25
6. If† 5.47
7. Atom Heart Mother† with choir, cello & brass ensemble 25.30
Total: 78 mins, 8 secs approx.
CD 2:
Unreleased tracks from the ‘Zabriskie Point’ soundtrack recordings:
1. On The Highway† 1.16
2. Auto Scene Version 2† 1.13
3. Auto Scene Version 3† 1.31
4. Aeroplane† 2.18
5. Explosion† 5.47
6. The Riot Scene† 1.40
7. Looking At Map† 1.57
8. Love Scene Version 7† 5.03
9. Love Scene Version 1† 3.26
10. Take Off† 1.20
11. Take Off Version 2† 1.12
12. Love Scene Version 2† 1.56
13. Love Scene (Take 1)† 2.16
14. Unknown Song (Take 1)† 5.56
15. Love Scene (Take 2)† 6.40
16. Crumbling Land (Take 1)† 4.09
17. Atom Heart Mother† Early studio version, band only 19.15
Total: 67 mins, 9 secs approx.
DVD 1:
An Hour with Pink Floyd:
KQED, San Francisco, USA, 30 April 1970:
1. Atom Heart Mother 17.37
2. Cymbaline 8.38
3. Grantchester Meadows 7.37
4. Green Is The Colour 3.31
5. Careful With That Axe, Eugene 9.09
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun 12.37
Total: 59 mins, 9 secs approx.
Audio only:
Atom Heart Mother album original 4.0 Quad mix 1970:
7. Atom Heart Mother 23.42
8. If 4.31
9. Summer ’68 5.29
10. Fat Old Sun 5.24
11. Alan’s Psychedelic Breakfast 13.01
Total: 52 mins, 7 secs approx.
DVD 2:
‘Pop Deux – Festival de St. Tropez’, France, 8 August 1970:
Part 1:
1. Cymbaline (sound check) 3.54
2. Atom Heart Mother 13.46
3. Embryo 11.23
Part 2:
4. Green Is The Colour/
5. Careful With That Axe, Eugene 12.21
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun 12.07
Roland Petit Ballet, Paris, France, 5 December 1970:
7. Instrumental Improvisations 1,2,3† live in the studio 3.28
8. Embryo 2.39
Blackhill’s Garden Party, Hyde Park, London, UK, 18 July 1970:
9. Atom Heart Mother with the Philip Jones Brass Ensemble/John Alldis Choir 21.15
Total: 80 mins, 53 secs approx.
All DVD content is included on one blu-ray.

1971 REVERBER/ATION 1972 OBFUSC/ATION
CD:
1. Nothing Part 14 (Echoes work in progress) † 7.01
BBC Radio Session, 30 September 1971:
2. Fat Old Sun† 15.33
3. One Of These Days† 7.19
4. Embryo† 10.43
5. Echoes† 26.25
Total: 67 mins 1 sec approx.
DVD/Blu-ray:
‘Aspekte’ feature 9.51
1. Interview + Atom Heart Mother (extracts)
Hamburg, Germany, 25 February 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
2. A Saucerful Of Secrets (extract)
Offenbach, Germany, 26 February 1971
‘Cinq Grands Sur La Deux’ 17.55
Abbaye de Royaumont, Asnierès-sur-Oise, France,
15 June 1971
3. Set The Control For The Heart Of The Sun
4. Cymbaline
5. Atom Heart Mother (extract) 3.12
‘Musikforum Ossiachersee’, Ossiach, Austria,
1 July 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
‘Get To Know’ 6.23
Randwick Race Course, Sydney, Australia,
15 August 1971
6. Careful With That Axe, Eugene
Band interview
’24 hours – Bootleg Records’, London, UK, 1971
7. Documentary including Pink Floyd 2.27
and manager Steve O’Rourke
‘Review’, London, UK, 1971 3.37
8. Storm Thorgerson & Aubrey ‘Po’ Powell
interviewed re: record cover design
9. One of These Days (‘French Windows’) 4.17
Ian Emes animation created July 1972,
Birmingham, UK
10. Atom Heart Mother (extract, in colour): 5.10
‘Musikforum Ossiachersee’, Ossiach, Austria,
1 July 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
11. Atom Heart Mother: ’71 Hakone Aphrodite 15.11
Open Air Festival, Hakone, Japan,
6-7 August 1971
Total: 68 mins 3 secs approx..
Audio-only material:
1. Echoes original 4.0 Quad mix 1971 23.35
CD:
Obscured By Clouds 2016 Remix
1. Obscured By Clouds† 3.03
2 When You’re In† 2.31
3 Burning Bridges† 3.30
4 The Gold It’s In The… † 3.07
5 Wot’s…Uh The Deal† 5.09
6 Mudmen† 4.18
7 Childhood’s End† 4.33
8 Free Four† 4.16
9 Stay† 4.06
10 Absolutely Curtains† 5.52
Total 40 mins 25 secs approx.
DVD/Blu-ray:
Recording Obscured by Clouds, Château d’Hérouville,
France, 23-29 February 1972
1. Wot’s…Uh The Deal: with recording session photos 5.04
2. Pop Deux: Documentary recording Obscured By Clouds 7.14
+ David Gilmour and Roger Waters interview
Brighton Dome, UK, 29 June 1972 16.44
3. Set The Controls For The Heart Of The Sun
4. Careful With That Axe, Eugene
Roland Petit Pink Floyd Ballet, France, news reports 1972-73
5. Actualités Méditerranée, Marseille, 22 November 1972 3.29
6. JT Nuit – Les Pink Floyd, Marseille, 26 November 1972 3.04
7. JT 20h – Pink Floyd, Paris, 12 January 1973 3.01
8. Journal de Paris – Les Pink Floyd, Paris, 12 January 1973 5.03
9. Poitiers – Autour Du Passage Des Pink Floyd 4.27
Concert set up news report – France, 29 November 1972
Live At Pompeii (with 2016 5.1 Audio Remix)
10. Careful With That Axe, Eugene 6.40
11. A Saucerful Of Secrets 10.09
12. One Of These Days 5.58
13. Set The Controls For The Heart Of The Sun 10.24
14. Echoes 26.10
Total: 107 mins 27 secs approx..

BONUS CONTINU/ATION
CD:
BBC Radio Session, 25 September 1967:
1. Flaming† 2.42
2. The Scarecrow† 1.59
3. The Gnome† 2.08
4. Matilda Mother† 3.20
5. Reaction in G† 0.34
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 3.19
BBC Radio Session, 20 December 1967:
7. Scream Thy Last Scream† 3.35
8. Vegetable Man† 3.07
9. Pow R. Toc H.† 2.45
10. Jugband Blues† 3.50
BBC Radio Session, 2 December 1968:
11. Baby Blue Shuffle In D Major† 3.58
12. Blues† 4.59
13. US Radio ad 0.22
14. Music from The Committee No. 1 1.06
15. Music from The Committee No. 2 3.25
16. Moonhead† 7.16
live on 1969 BBC TV moon landings broadcast
17. Echoes† 24.10
live at Wembley 1974
Total: 72 mins 35 secs approx.
DVD/Blu-ray 1:
1. Arnold Layne (Alternative version) 2.56
Hampstead Heath and St. Michael’s Church,
Highgate, London, UK, March 1967
2. ‘P1 – P wie Petersilie’ 16.52
Stuggart, Germany, 22 July 1969
Corporal Clegg
Band interview
A Saucerful of Secrets
3. Atom Heart Mother 3.46
‘Bath Festival of Blues & Progressive Music’,
Shepton Mallet, UK, 27 June 1970
4. ‘Kralingen Music Festival’ 10.16
Rotterdam, The Netherlands, 28 June 1970
Set The Controls For The Heart Of The Sun
A Saucerful Of Secrets
5. ‘The Amsterdam Rock Circus’ 35.41
Amsterdam, The Netherlands, 22 May 1972
Atom Heart Mother
Careful With That Axe, Eugene
A Saucerful Of Secrets
The Committee – (Feature Film) 55.18
Score by Pink Floyd
Total: 124 mins 49 secs approx.
DVD/Blu-ray 2:
‘More’ feature film 1.56.00
‘La Vallée’ (Obscured By Clouds) feature film 1.45.00
Total: 3 hours 41 mins approx.

ALSO INCLUDED:
7” VINYL SINGLES IN REPRODUCTION SLEEVES:
— Arnold Layne C/W Candy And A Currant Bun
— See Emily Play C/W The Scarecrow
— Apples And Oranges C/W Paintbox
— It Would Be So Nice C/W Julia Dream
— Point Me At The Sky C/W Careful With That Axe, Eugene

También se editará un CD doble de resumen de la caja que se convertirá en el peor regalo posible para estas Navidades para cualquier fan de Pink Floyd. El “querer y no poder” más recalcitrante y frustrante.

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