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INTERVIEW: One On One With Steven Wilson – Music Life Magazine

Steven Wilson in Hamilton, Ontario the night before this interview was conducted. (PHOTO: Paul Barrie)

Sunday, November 25th, 3:30pm @ London Music Hall (backstage) – London, Ontario

KB: One of the things that struck me was that last year you ended up on British Breakfast Television and I sort of thought to myself “This is something I thought I’d never see.” Are there any milestones, particularly ones that might not be obvious, that you’ve passed in your career that you can think of?

STEVEN WILSON: I mean, it’s interesting that you think it’s something you thought you would never see. And I totally understand why you wouldthink that, and I think a lot of people think that.  And the simple reality of that is, if I had achievedwhat I’ve achievedin any other musical genre, I would be – I wouldn’t say ubiquitousin the mainstream – but I would certainly be quite evident in mainstream pop culture.  If I played hip hop music, if I played R and B music, if I played electronic music, and I had sold the number of records I’ve sold and the number of ticketsI’ve sold, and done the number of tours I’ve done and I’ve had the Grammy nominations and all this stuff, I would be – I wouldn’t say a fixture of mainstream pop culture – but most people would know who I am.

The reality is that when I do pop up in mainstream culture it is an aberration and it is unusual and it shouldn’t be.

I’m not disagreeing with what you said – it’s absolutely true.  I think most people were like “Oh my god!” you know, “He’s on mainstream daytime television. That’s really weird!” And of course, the reality is that it’s only weird because of the kind of music I’m perceived to play. I come from a background of conceptual rock music, you know, classic rock – whatever you want to call it. And that music, largely, these days, is completelyinvisible in the mainstream. And, like I say, if even an artist that had sold much less than me was a hip hop or R and B artist you’d probably know them – the name would be a lot better known than my name is for example. And it’s a shame that that’s the case but it is the case.  I think thatwe’re all slightly surprised when rock music these days makes its presence felt in popularmainstream culture.

You know, I describe Metallica these days as the biggest underground band in the world.  Or, Iron Maiden – the biggest underground band, you know – these are two of the biggest underground bands in the world. They’re completely invisible in pop culture – completely invisible.  Okay, Metallica – occasionally you might hear one of their songs in a movie or something. But generally speaking they are a cult band. They’re a cult , comes to your city and sells out a fifty-thousand seat arena. And yet, if you see them in daytime tv, it’s bizarre – somethingabout it kind of jars.

KB: It would be something like Bruce Dickinson [lead singer of Iron Maiden] talking about his planes or something…

STEVEN WILSON: Yeah, something like that.  But if it’s actually them going on to talk about their music on a daytime tv show, it’s bizarre. But it’s not bizarre if an R and B act or a hip-hop act or somebody like that goes on mainstream tv to talk about their new album. And that’s something that’s really happened, I think, since the turn of the millennium. Because even I think in the 90s, it wasn’t so unusual for rock music to be in the mainstream. We had grunge music then, certainly in the UK we had Brit-pop, Brit-rock, and bands like Oasis werevery much at the centre of pop culture. Bands like Pulp, bands like Blur – these bands were at the centre of what was happening in pop culture.

And at the turn of the 21st century – sorry, I know this is getting completely off the topic of my music, but I find this stuff interesting – at the turn of the millennium, gradually these musical forms started to retreat from the mainstream.  So you get to the point where Steven Wilson pops up on breakfast TV in 2017 and it’s like, it’s like you’ve entered the Twilight Zone.  It shouldn’t be that way.

KB: Is it perhaps comparable to what happened with the neo-progmovement in the eighties where you had groups like Marillion selling a million records and people were going “What the hell are these guys doing” in the charts…

STEVEN WILSON: I think the best analogy for me is what happened with jazz music. Jazz music in the first part of the 20th century was pop music.  Kids would go to a dance, they would be dancing to Glen Miller or a big band. They’d be dancing to jazz music, or [doing the] Charleston, or whatever it was. And then rock and roll came along.

The equivalent to rock and roll these days would be hip-hop culture or R and B – it’s just pushed rock music right out of the mainstream. And I think rock and roll did that with jazz, in the fifties and sixties. And so now jazz music is very much the music of the aficionado, it’s the music of people who like jazz -they follow it, they’re obsessed with it – but it’s completely outside of the mainstream.  Although Kamasi Washington’s making a case for a come back in jazz.

But generally speaking that’s the way rock music has gone. So, jazz [was] dominant for fifty years, rock and roll music [was] dominant for fifty years.  Now it’s the time of hip-hop culture and deejay culture and R and B, and rock music now is struggling to kind of maintain a foothold – you know, it still sells; I still sell tickets, I still sell records.  Like we said, Metallica, Iron Maiden – still two of the biggest bands in the world. Roger Waters is still one of the highest grossing artists in the world.

So, it still sells tickets, but it’s a strange time where perception of the music that people listen to, the real music fans listen to, and the music that actually is part of the fabric of our lives have completely diversified. If you go to see a movie, if you watch commercials, if you wander into a clothes store in the high street, the music you will hear is R and B, hip hop, rap, whatever it is – that’s the music now that has formed the fabric of the popular mainstream.  And that has happened during my lifetime – in fact, that has happened during my career. Because when I started in the early nineties, it was Nirvana, Pearl Jam, Smashing Pumpkins – that was the dominant music.  So, it’s been really strange and fascinating and obviously a bit depressing to see how that has unfolded during my career. So a lot of the time – sorry, I know this is a very long answer to your question- a lot of the time I feel like I’m having to work twice as hard just to stand still every time in terms of the amount of interestI get from radio, tv, mainstreammedia.  Particularly in America – America’sthe worst of all. There is no-one that wants to write about rock music, there is no-one that wants to talk about rock music on the radio. If there are rock stations, they’re classic rock stations. They just want to play it endlessly – they just want to play Aerosmith, REMs Losing My Religion – endless, like oldies, not interested in new rock music at all. And even when a new rock band comes along, like Greta Van Fleet, it has to be so much a pastiche of an old band, but it’s almost pointless.I don’t know if you’ve heard that band.

KB: Yeah, I know the comparison – it’s pretty obvious.

STEVEN WILSON: It’s almost pointless what they’re doing.  I mean, they’re doing very well, because kids want to go and see a band that recreates the sound of Led Zeppelin.  But in terms of the overall trajectory of pop music and rock music, it’s a footnote – it’s irrelevant, it has no importance at all. So, it’s like going to see a covers band.  It’s like going to see a band covering Led Zeppelin, or Rush or someone.

So…I’ll let you ask your next question.

KBContinuing on with some historical comparisons regarding your career, I can remember watching a webcast about 16 or 17 years ago, around the time of Lightbulb Sun or StupidDream and an individual had asked you to explain what the meaning of a song was, and I recall you stating that you didn’t really like to explain what songs were about.  But certainly with recent albums, there’s a lot more – I don’t want to call a “message” per se – but you know, you’re engaging, there’s something behind the music that you’re communicating more directly…..

STEVEN WILSON: Probably true, probably true yeah.

KB: …and explaining.  Would you say that that is a deliberate change or personal growth?

STEVEN WILSON: I think these days it’s hard to be someone who makes art, music, film, painting, poetry, whatever it is you do – writes books – it’s hard to be someone that does that and not engage in with what’s going on in the world, even if it’s in a very, sort of, impressionistic way.  You know, some people want to write science fiction movies, science fiction books, science fiction concept albums, but of course the beautiful thing about science fiction and I think when it’s most powerful is when it’s very obviously analogous to the world that we live in. So, it’s dystopian, it’s talking about the world we live in in a kind of science fiction context.  Personally, I’ve never been interested in movies like Star Wars, for me that’s just Cowboys and Indians. But take a movie like Blade Runner or Under the Skin or Personal Shopper, those kind of movies, those science fictionmovies that absolutelyare about this dystopian world that we live in, just abstracted, just one step away from the world that we live in to make us think about the world we live in.

And I think that’s really interesting – that it’s difficult for anyone now, I believe, I think it’s difficult to write or create anything without at least referencing what’s going on in the world because it isn’t good – it’s not good! [laughs]And I don’t think anyone would, you know, disagree – well maybe people living in the deep south of America would think everything’s awesome – but generally speaking, I don’t think anyone could look at the world right now and think it’s going well. It’s not. So, maybe as I’ve got older – you know, they say as you get older you become a little bit more grumpy, and a little bit more conscious of the world that you live in and the legacy that you leave, after you go, after you pass away.  I’ve got children now – albeit my step-children – but still, that makes you think about the world in a different way.

And then I think there’s another answer to your question which is that I just think I’ve become a little bit more confident about being more direct with the songs. And that just comes with practice, you know – being able to say things that are very direct but still have a kind of poetry to them. And, I like that – I think it’s nice when you can encapsulate, without wanting to sound pretentious, it’s nice when you can encapsulate the human condition somehow in a single line in a song.

There’s a couple lines I’m really proud of, you know – or I feel like I’ve really [thinks for a few seconds]. There’s a song on the new record called Song of Unborn. “It’s not the years you’ve passed, it’s the moments that last forever within you.”  I think that’s really beautiful – and I don’t come up with those lines very often, but when I do I’m really proud of them! Or, “I’m tired of Facebook, I’m tired of my failing health, I’m tired of everyone, and that includes myself.”

So those things for me, they’re the things that I can point to and say “Yeah, I’m actually proud of that.”  Because that says something, I think, that speaks to everyone, or that has the potential to speak to everyone, and hopefully people can see something about their own life reflected back at them in those.And I think to be able to come up with those lines, which are these like little jewels – you know, I wish I could come up with them all the time and I can’t, but occasionally if I do come up with something like that, I’m really proud.

KB: In other words, it’s music that has a universal message, or that has a resonance, as opposed to in the past more obscure lyrics that people would be filling in with their own meaning.

STEVEN WILSON: And I think that stuff can work, too. I think that stuff can work really well, One thing I do – I think I find I do more – is I don’t…I hope I don’t preach in my lyrics.  What I do is that I write stories, sometimes about characters, sometimes about myself, and in a way I think the more – and I’ve said this many times before and I’ll say it again because I think it’s really true – the more selfish you are as an artist, the more people can read themselves into what you’re talking about.  What I mean by that is, if you try and talk very broadly about the world that we live in, politics, wars, all this stuff that’s going on, I think it can be quite cold and a little bit impenetrable.  But if you make it about yourself, I think it’s easier for people to empathize and see themselves reflected in that.

So there’s this kind of paradox going on that the more selfish I am, the more self-indulgent I am about the way I write the songs, the more insular I make them, the more potential there is for people to really see themselves.  Because we do have this kind of shared, you know, experience, don’t we?

KB: On to more recent things.  You’ve recently released the Home Invasion concert film – it has been very well received.  Were there any concert films, or even non-concert films that you had in mind, especially considering the fact that this film has a lot of cinematic technique involved (i.e. split screens etc.) as opposed to just shots of musicians?

STEVEN WILSON: Yeah, that’s a good question.  Well, I mean, for me my two favorite live performance films are not in a venue, and I would say Sigur Ros’ live performance video dvd where they’re performing on the side of a mountain in Iceland and then at a school hall, and then Live at Pompeii, the Pink Floyd one. And there’s something about the fact that both of those are not in a concert venue that I think makes them more cinematic and more watchable in kind of repeat terms, because the landscape becomes part of the appeal of them.  I would have loved to have done something like that, but it wasn’t practical, unfortunately – we did look at it.

KB: Did you have a location in mind?

STEVEN WILSON: We had a location, yeah, we had a location and it was just so expensive to get the gear there and do it- I’m not going to tell you where it was, ‘cause we might still do it one day. So, for practical reasons it came down to we’ve got to film a show in the venue, andI’d kind of resisted that for the last three or four tours, because it always came up – should we do a live thing. So, I don’t think it’s possible to capture, you know, what’s going on – the screens, and the quadrophonic sound, all this stuff. So, in the end, I was talked into it partly because the Albert Hall is such a special venue. It does have a magic to it. And also the fact that I was doing three nights there meant thatby the time we filmed on the third night, I think we felt quite comfortable, having already played the two previous nights.  “Ok, this feelsquite natural, comfortable now.”  That made it kind of less self- conscious for me. “Ah! Oh god, we’re filming tonight!” You know – because we’d already done two shows there, so it’s “Ah! it’s another show, it doesn’t matter, you know, just relax!” And hopefully that relaxed feeling comes across.

And I think you picked up on it already – one of the things I encouraged the guys that were editing it, “Think of this as a piece of cinema. I don’t want you to just think of this as five blokes walking on stage – let’s show them doing their thing.  Think of it as a piece of cinema.”  So you do have split screen, and you have overlays, and you have slow motion, and you have blurring effects, and you have this more impressionistic approach to the film, to the editing. And to me – ironically- that makes it more like the feeling of being there than if you just had a static, you know, well – not static – but just cut aways and things.  For me, that makes it closer to what it’s like to being at the show.

KB: What also might be a factor is that you’ve had some specials on YouTube or Yahoo.  So there’s documentation out there for those who want to see it, as opposed to doing what other groups like Dream Theater have done, releasing a triple set nearly every tour it feels like.  With those other online broadcasts, there is stuff out there.

STEVEN WILSON: I guess soI guess so. You know, I grew up in the eighties and it was, for me, as a fan of the bands I was growing up with, the norm was you would get a live album [pauses]…Maybe every four or five studio albums there would be a live album. And then they would make another four studio albums. And then there’d be another live album.And it’s got to the point now where some bands it does seem to me they do one studio record and then there’s like three live DVDs.

 And, after a while, it becomes a bit more of the same, more of the same, more of the same.  So I guess come from the old-fashioned tradition where you’ll do an official live document every three or four albums and you make it really special and you make it count. And I think that comes from growing up in a climate where the…you know, I remember Rush used to do like four studio records then they’d do a live album, and it would be a double. And then of course, the other beautiful thing about that is that the repertoire in that period has completely changed.

KB: It also bookends periods, and signifies perhaps a change in style…

 STEVEN WILSON: And my previous DVD concert film I think is from2011, and I think I’m right, in saying there isn’t a single song which is common to both. I’m thinking now….

KB:…very few if any…

STEVEN WILSON: I don’t think there’s any song that was on that first concert film that is on that second concert film. And I like that fact.

KB: I’m also thinking of the fact you can go online and see set lists of the show, often while the show is still going on.  Has this impacted your set lists? I’m keeping in mind, as well, that you have stated you are justifiably proud of this set and tour – is this why the setlist has remained virtually the same?

STEVEN WILSON: It is a show. And what I mean by that is it’s a show which has been very carefully sequenced and choreographed.  Now, there is flexibility within the show to change things up.  For example, a couple of nights ago, in Montreal, we substituted about seven or eight songs, because we’d been to Montreal this year already. So, for example, here tonight – I’ve never been to this city – now, I know it’s very near to Toronto, I’m sure there are a few people that will have travelled. But generally speaking I’m imagining most people who’ve come here tonight won’t have seen the show before, so we’ll probably do something, what I will call our “A” set tonight, which is the show that’s in the concert film [Home Invasion] – a variation of it. Tomorrow in Toronto, because we were there in April, we’ll do something a bit different. So, I’m very proud of this show.

One of the things that happens when you tour, I think….You know, when we first got together to rehearse for this tour back in January, we did rehearse about four hours of music.  But, inevitably, there was a particular sequence that felt better than all the other sequences.  It’s like putting an album together- when you start putting the tracks together, there’s something that feels really satisfying about a certain flow and about a certain track selection. And, I guess in a way, I’ve fallen into that trap, you know. I just love the way this show flows, and that’s pretty much the show that’s on the Home Invasion concert film.  Thatshow justfelt really satisfying- the way it kind of just unfolded.

KB: Having a similar set also means that a lot of people who haven’t seen the show get a chance to see it .

STEVEN WILSON: Yeah!

KB: And if people come again, they know what they are getting.

STEVEN WILSON: I mean, I’m kind of caught between two stools. If you go and see a show in the west end in London, for example, of course that show is the same every single night. And some people go back time and time again and see that show. And then you go to the other extreme, a band like GratefulDead, where you never knew what songs that you would get to hear them play every night. [pauses]And I’m kind of…I like that idea, I love the idea, that fans can come and they don’t know what they’re gonna hear. But at the same time, I also like the idea that there’s a particular show which feels the most powerful in terms of the dynamics and the flow.  So I’m kind of caught between the two things. I’d love one tour just to go out and be able to just change the set every [show] – maybe one day I’ll do that, just rehearse like six hours of material, and just go out and just “You know, tonight we’re gonna start with this. And we’ve never started with that” – just so the fans would never know what’s gonna come. At the moment the show is pretty much the show.

KB: Wrapping up, you have stated in other interviews that you feel that the current lineup of touring musicians is one you feel very confident with.  Is the plan to stick with them as long as possible, either in studio or in concert?

STEVEN WILSON: Not necessarily. I mean, like, for example on To the Bone I didn’t really use the band as much I had on the previous records. The previous two records were very much band records. [On] To the Bone I used different drummers, and different guitar players.

KB: For the 4 1/2 ep you used live recordings/backing tracks of a few songs as a basis.

STEVEN WILSON: Exactly, yeah, it [To the Bone]wasn’t like that.  I played most of the guitar myself, I played most of the keyboards myself.

The record I’m working on right now, again, is very different.  I think that they will all be involved, but not to the extent that I think those albums like Raven and Hand Cannot Erase were like the sound of a band in the studio cutting a backing track – which they very much were.  I’ve moved away a little bit from that.  So…[long pause] I don’t know the answer. I think it depends how the studio record turns out.

In the back of my mind I feel like maybe it’s time to change things up a bit. That doesn’t necessarily mean changing the band, but changing the approach maybe.  I don’t know. I think in terms of what I’ve been doing
with the live show at this level, I’ve taken it as far as I can within the sort of financial constraints, you know. If I had the kind of budgets that Roger Waters or Muse had, I’m, you know…But, what I’m doing in this level, I’m pushing it as far as I can, really, with the screens and the quadrophonic sound and the musicianship.  Considering I’m playing relatively still small venues.  So I’m thinking,“Well how can I – what can I do next time that would be different again.” And I’ve haven’t figured that bit out yet. I don’t know the answer to your question. We’ll see, yeah!

I’m all about reinventing myself, and I’m all about…because I get bored with my own music, too, like a lot of people do, I’m sure – get bored.  I don’t want to repeat myself. I don’t wanna allow myself to fall back on my own cliches.  I wanna push myself and try different things all the time, no matter how much resistance I get from my own fanbase and there is always resistance to that.  I kind of thrive on that in a way.

So – it’ll be different again.  I don’t know how yet, of course.

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Cronología de las ediciones de The Doors’ Live At The Matrix. Último capítulo : RSD 2018

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Live at the Matrix 1967 es un álbum doble en vivo de The Doors, compilado y resequenciado (no sé muy bien que significa esto, pero a lo largo del artículo saldremos de dudas) de grabaciones realizadas el 7 y 10 de marzo de 1967 en The Matrix en San Francisco por el copropietario del club, Peter Abram.

La grabación es notable porque es una de las primeras grabaciones en vivo de la banda que se sabe que existe: The Doors había grabado un solo álbum en marzo de 1967, “Light My Fire” aún no se había lanzado como single, y todavía eran relativamente desconocidos fuera del sur de California.

Esto es parte del material inédito de la colección de álbumes Bright Midnight Archives de The Doors. Editado por Rhino el 18 de Noviembre del 2008 en doble CD.

Esta es la nota de prensa de Rhino

Rhino y Bright Midnight Archives presentan The Doors ‘LIVE AT THE MATRIX 1967, la última entrega de la aclamada serie de lanzamientos de conciertos de archivos de la banda. Esta nueva entrega de dos discos al cattálogo de grabaciones en vivo de la banda contiene los dos shows del club, presenciados por pocos pero pirateados por muchos. Restaurado y cuidadosamente masterizado a partir de cintas de primera generación (luego resultaron ser de tercera) adquiridas por Elektra Records y The Doors hace 40 años, estos espectáculos históricos nunca sonaron mejor, ejemmm!!. La colección, con la portada del legendario artista de San Francisco Stanley Mouse, estará disponible el 18 de noviembre en todos los puntos de venta minorista.

Donde los últimos tres lanzamientos de Bright Midnight Archives documentaron la gira final de The Doors en 1970, LIVE AT THE MATRIX 1967 rebobina los primeros días de la banda para un par de shows en un club de San Francisco en marzo de 1967. Sólo un puñado de personas asistieron, así que Jim Morrison, John Densmore, Robby Krieger y Ray Manzarek jugaron el uno para el otro, explorando arreglos de canciones y tocando algunos favoritos de blues. Irónicamente, sólo unas semanas después de la presentación en la sala The Matrix, el segundo sencillo de la banda, “Light My Fire”, los haría famosos, vendiendo un millón de copias en su camino a encabezar la lista durante The Summer of Love. “Era a principios de 1967 y The Doors estaban a punto de entrar en la conciencia de la nación. Y así sonaba”, escribe Manzarek en las notas del álbum.

A pesar de que la sala estaba semi-vacía, la banda estaba completamente inmersa en su actuación, aprovechando el tiempo para dar letras al “The End” y “Back Door Man” y creando secciones ampliadas de los temas. “Esto es probablemente lo más cerca que hemos llegado a un verdadero documento de The Doors sin restricciones”, dice Bruce Botnick, productor del álbum y coproductor e ingeniero de la banda durante mucho tiempo.

La banda realiza gran parte de su debut homónimo en el primer disco, incluyendo “Soul Kitchen”, “Alabama Song (Whiskey Bar)” y el primer sencillo, “Break On Through (To The Other Side)”. Junto con esos primeros originales, la banda se complace en su amor por el blues con “Who Do You Love” de Bo Diddley, “I’m A King Bee” de Muddy Waters, y “Get Out Of My Life, Woman” de Allen Toussaint, que nunca habían aparecido en ningún álbum anterior de Doors. El segundo disco ofrece una visión de la banda trazando su futuro, trabajando en las primeras versiones de varias canciones de los próximos álbumes: “Crawling King Snake” (LA Woman); “Summer’s Almost Gone” (Waiting For The Sun); y casi la mitad de las canciones del segundo álbum de The Doors, Strange Days.

Antes de que llegue The Doors ‘LIVE AT THE MATRIX 1967, Rhino ofrecerá una versión slipcase del aclamado box set de Perception. El 21 de octubre, esta colección de 6 CD / 6 DVD estará disponible en todos los puntos de venta por un precio sugerido de $79.98. Originalmente lanzado en 2006 en un paquete de lujo de edición limitada, el conjunto contiene los seis álbumes de estudio de la banda como conjuntos de CD / DVD.

Cada CD incluye la mezcla original del álbum expandida con grabaciones raras. El DVD contiene una mezcla de sonido envolvente del álbum, la mezcla estéreo del álbum del 40 aniversario, así como fotos, videos, letras y una discografía.

Esta cajita, por cierto, es una maravilla, la tengo y os la recomiendo.

Equipo de grabación
El 22 de noviembre de 2008, el ingeniero de grabación Peter Abram reveló en una publicación en línea el equipo que utilizó para grabar The Doors en The Matrix. “Utilicé un grabador de cinta Akai (válvulas), 4 micrófonos Calrad en el escenario y un mezclador de micrófono Calrad en el canal instrumental. En el canal vocal: un mezclador Knight con 3 micrófonos Electrovoice 676 (como el de la imagen) y Shure. Los micrófonos Calrad que utilicé en la pista instrumental era el modelo DM-21 “, dijo Abram.

Las cintas estéreo maestras originales de 1/4 pistas se grabaron a 7,5 ips en la grabadora de cinta a válvulas Akai de Abram.

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Disco CD 1

  1. “Break On Through (To the Other Side)” (Jim Morrison) – 3:47
  2. “Soul Kitchen” (Morrison) – 5:51
  3. “Money” (Janie Bradford, Berry Gordy) – 3:02
  4. “The Crystal Ship” (Morrison) – 2:50
  5. “Twentieth Century Fox” – 2:46
  6. “I’m a King Bee” (James Moore) – 3:48
  7. “Alabama Song (Whisky Bar)” (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:16
  8. “Summer’s Almost Gone” (Morrison) – 3:46
  9. “Light My Fire” (Robby Krieger) – 8:14
  10. “Get Out of My Life, Woman” (Allen Toussaint) – 3:58
  11. “Back Door Man” (Willie Dixon, Chester Burnett) – 5:14
  12. “Who Do You Love” (Bo Diddley) – 4:31
  13. “The End” – 13:54

Disco CD 2

  1. “Unhappy Girl” (Morrison) – 3:56
  2. “Moonlight Drive” (Morrison) – 5:39
  3. “Woman Is a Devil/Rock Me Baby” (B.B. King) – 8:08
  4. “People Are Strange” (Morrison, Krieger) – 2:14
  5. “Close to You” (Dixon) – 2:56
  6. “My Eyes Have Seen You” (Morrison) – 2:56
  7. “Crawling King Snake” (Anon, arr. by John Lee Hooker) – 4:53
  8. “I Can’t See Your Face in My Mind” (Morrison) – 3:07
  9. “Summertime” (George Gershwin, DuBose Heyward) – 8:29
  10. “When the Music’s Over” – 11:11
  11. “Gloria” (Van Morrison) – 5:36

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Personnel

Production

  • Produced by: Bruce Botnick
  • Production Supervisor and Personal Management: Jeffrey Jampol
  • Artists and Repertoire: Robin Hurley
  • Product Manager: Kenny Nemes
  • Project Coordinator: Cory Lashever
  • Project Assistance: John Espinoza, Steven Gorman, Bob Martin, Peter Tarnoff, Alessandra Quaranta
  • Cover Artwork: Stanley Mouse
  • Art Direction & Design: Bryan Lasley, Maria McKenna, and Joshua Petker
  • Doors Archivist: David Dutkowski
  • Photos: Bobby Klein, Jim Marshall, and Tim Boxer
  • Legal Representation: John Branca and David Byrnes

Problemas de la cinta maestra
El crítico musical de PopMatters Steve Horowitz relató en su reseña de Live at the Matrix 1967, que el CD de Rhino no se obtuvo de las cintas maestras de Peter Abram; El comunicado de prensa de Rhino indicó que se usaron “cintas de primera generación”.

El 2 de diciembre de 2008, Peter Abram permitió que se tomaran fotos de sus cajas de cintas maestras. Estas fotos fueron publicadas en línea en los foros de Steve Hoffman el 4 de diciembre de 2008.

Las anotaciones de Abram en las cajas de cinta maestras indican que se produjo un “atasco” entre “Soul Kitchen” y “Get Out of My Life Woman” durante el show del 7 de marzo de 1967.

Muchos fans empezaron a comentar que esta edición parecía haber sido sacada de otros bootlegs de mala calidad e incluso de otros conciertos.

Es una edición “maldita” por su calidad mejorable. Pero la historia no acaba aquí.

Steve Horowitz en su artículo para PopMatters nos explica las vicisitudes de la obtención de las cintas originales de estos conciertos.

El “Money” de Barrett Strong tiene la distinción de ser no solo el primer disco exitoso de Motown (en el sello Anna), sino que también es la única canción que se cubrirá en grabaciones de estudio tanto de los Beatles como de los Rolling Stones. The Doors nunca grabó este título en ninguno de los esfuerzos del estudio, pero mucho después de la muerte de Jim Morrison, las versiones en vivo de esta canción encontraron su camino en varias colecciones de Doors. Hay una versión en este nuevo lanzamiento de un concierto de Doors desde 1967, que es apropiado ya que este disco doble en vivo parece ciertamente un intento codicioso de sacar más dinero de los fanáticos de Doors.

La cuestión de qué se debe hacer con las cintas de más de 40 años de los viejos conciertos de Doors es problemática. Por un lado, no hay nada que ganar manteniendo la música bloqueada. Los fanáticos dispuestos a pagar para escuchar la música ciertamente se sentirán con derecho a hacerlo.

Por otro lado, la situación no es tan simple con este lanzamiento en particular. La compañía discográfica (Rhino, una subsidiaria de Warner Music Group) afirma que la música fue restaurada y masterizada a partir de cintas de primera generación. Peter Abrams, el dueño del club de San Francisco donde se organizó el concierto, grabó originalmente el programa y trató de venderlos a la compañía discográfica. Sin embargo, la compañía afirmó haber obtenido las cintas maestras en otro lado y sacar lo que está aquí. Los fanáticos de Ardent Doors rápidamente notaron las discrepancias entre las grabaciones de Abrams y lo que la compañía discográfica lanzó. Creen que esta música fue grabada de bootlegs, mientras que las grabaciones de Abrams supuestamente son mucho mejores en calidad, especialmente en temas como “Money”, que tienen un sonido asombroso y agitado.

Los fans de The Doors publicaron advertencias en el sitio web de las bandas y en las páginas de compras como Amazon pidiéndoles a las personas que no compren este producto. Los fans quieren que la compañía discográfica le pague a Abrams por sus esfuerzos y que edite las grabaciones de las cintas de primera generación. Esto aún es posible, según el manager de The Doors, Jeff Jampol.

Para complicar el problema está la cuestión de la integridad. Varios miembros de The Doors se han demandado por el uso legítimo de la música. Por ejemplo, el tecladista Ray Manzarek y el guitarrista Robby Krieger presuntamente quieren permitir que las melodías de Doors se usen en comerciales, mientras que el baterista John Densmore lo ve como una profanación del legado de la banda. ¿Es esta liberación de cintas de baja calidad una profanación?

¡Oh! Si existen grabaciones de mejor calidad y el propietario está dispuesto a vender, la compañía discográfica debe usarlas. The Doors y sus fans se lo merecen. Esto no es una cuestión de obtener ganancias. Esto es una cuestión de avaricia.

Dicho eso, ¿qué pasa con la música que se presenta aquí? Este concierto se grabó entre el 7 y el 10 de marzo de 1967 en un pequeño club en California justo después del lanzamiento del primer álbum de Doors y antes de que “Light My Fire” fuera un éxito. Son una banda algo oscura en ese momento. La audiencia aquí no se entromete en la música gritando, gritando y aplaudiendo. De hecho, a veces el público parece no estar presente y parece que las grabaciones se hicieron en un control de sonido o ensayo.

Eso significa que uno puede escuchar a The Doors tocar en vivo justo antes de que el circo comenzara. Morrison y compañía pueden lanzarse a improvisar, olvidarse de las palabras, tocar notas equivocadas y simplemente tocar sin preocuparse por su inmortalidad. Nadie interrumpe la introducción de las canciones que hoy son super-conocidas con aplausos, porque la banda no tenía melodías reconocibles en aquel momento. Esto nos lleva a algunos momentos mágicos. Uno puede escuchar todas las palabras de una canción como “People are Strange” o “The Crystal Ship” porque a Morrison le importan lo suficiente las letras para enunciarlas cuidadosamente en lugar de solo interpretarlas. Esto también lleva a algunos esfuerzos monótonos. La versión instrumental de jazz-rock, de ocho minutos de duración, del “Summertime” de Gershwin no produce momentos reveladores.

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Live at the Matrix 1967 funciona como un documento de archivo de The Doors antes de que la banda explotara y la fama los superara. Los fanáticos casuales estarían mejor si se saltan esto, pero los entusiastas seguidores saben que hay escenas extrañas dentro de la mina de oro y hay algunas pepitas brillantes que se pueden encontrar aquí.

El año pasado tuvimos la suerte que se editará en vinilo una pequeña parte de aquellos memorables conciertos en el club The Matrix en San Francisco. Fue en el marco del Record Store Day 2017. Maravillosa grabación extraída esta vez sí de las cintas originales de Peter Abram.

The Doors’ Live At The Matrix fue grabado en Marzo, 1967 en San Francisco. Recientemente masterizado por Bruce Botnick, el ingeniero histórico de The Doors, de cintas master originales recientemente descubiertas.

Celebrando los 50 años de The Doors, Live at the Matrix ahora está en vinilo por primera vez, exclusivamente para el Record Store Day 2017. (Número limitado a nivel mundial, emisión individual de 10,000).

SIDE A

  • 01 Back Door Man (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 02 Soul Kitchen (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 03 Alabama Song (Whisky Bar) (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 04 Light My Fire (Live at the Matrix 3/7/67)

SIDE B

  • 01 The Crystal Ship (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 02 Twentieth Century Fox (Live at the Matrix 3/7/67)
  • 03 The End (Live at the Matrix 3/7/67)

Este año, el 21 de abril de 2018 se celebrará el record Store Day y vamos a tener disponible una “segunda parte” en vinilo de este concierto.

Tras el éxito de The Matrix Part I para RSD 2017, la segunda parte: The Doors ‘Live At The Matrix: Let’s Feed Ice Cream To The Rats, San Francisco, CA – Grabado el 7 y 10 de marzo de 1967.

Se edita para RSD 2018. Originalmente grabado en marzo de 1967 en San Francisco.

Recientemente masterizado por Bruce Botnick, el ingeniero histórico de The Doors, de cintas master originales recientemente descubiertas.

SIDE A

  • Unhappy Girl (March 7, 1967 – Show 2)
  • Moonlight Drive (March 7, 1967 – Show 2)
  • People Are Strange (March 7, 1967 – Show 2)
  • My Eyes Have Seen You (March 10, 1967 – Show 1) Summer’s Almost Gone (March 10, 1967 – Show 2)

SIDE B

  • I Can’t See Your Face In My Mind (March 7, 1967 – Show 1)
  • When The Music’s Over (March 10, 1967 – Show 2)
  • Let’s Feed Ice Cream To The Rats :: The End [Partial – Tape Runs Out] (March 10, 1967 – Show 2)

Se está criticando mucho en los foros, que disponiendo Rhino de las cintas originales grabadas por el propietario del club, no se editen de una vez por todas los conciertos completos de aquellos dos días.

Esta es la historia de las diferentes ediciones de esta grabación según monkbougthlunch en el foro de Steve Hoffman. Toda una odisea…

http://forums.stevehoffman.tv/threads/new-doors-matrix-release-for-record-store-day-2018.734776/

Matrix release history.

Matrix Sampler #1

October 28, 1997: The Doors Box Set — master tapes not used

1. The Crystal Ship
2. I Can’t See Your Face In My Mind

Matrix Sampler #2

November 18, 2008: Live At The Matrix 1967 — master tapes not used. Press release: “Restored and carefully mastered from first generation tapes acquired by Elektra Records and The Doors 40 years ago, these historic shows never sounded better.”

Disc one

1. “Break On Through (To the Other Side)” (Jim Morrison) – 3:47
2. “Soul Kitchen” (Morrison) – 5:51
3. “Money” (Janie Bradford, Berry Gordy) – 3:02
4. “The Crystal Ship” (Morrison) – 2:50
5. “Twentieth Century Fox” – 2:46
6. “I’m a King Bee” (James Moore) – 3:48
7. “Alabama Song (Whisky Bar)” (Bertolt Brecht, Kurt Weill) – 3:16
8. “Summer’s Almost Gone” (Morrison) – 3:46
9. “Light My Fire” (Robby Krieger) – 8:14
10. “Get Out of My Life, Woman” (Allen Toussaint) – 3:58
11. “Back Door Man” (Willie Dixon, Chester Burnett) – 5:14
12. “Who Do You Love” (Bo Diddley) – 4:31
13. “The End” – 13:54

Disc two

1. “Unhappy Girl” (Morrison) – 3:56
2. “Moonlight Drive” (Morrison) – 5:39
3. “Woman Is a Devil/Rock Me Baby” (B.B. King) – 8:08
4. “People Are Strange” (Morrison, Krieger) – 2:14
5. “Close to You” (Dixon) – 2:56
6. “My Eyes Have Seen You” (Morrison) – 2:56
7. “Crawling King Snake” (Anon, arr. by John Lee Hooker) – 4:53
8. “I Can’t See Your Face in My Mind” (Morrison) – 3:07
9. “Summertime” (George Gershwin, DuBose Heyward) – 8:29
10. “When the Music’s Over” – 11:11
11. “Gloria” (Van Morrison) – 5:36

April 2009 — The Doors buy the Matrix master tapes from Peter Abram (the guy that recorded the show) after the band illegally published bootleg recordings in 1997 and 2008.

Matrix Sampler #3

March 31, 2017: THE DOORS: 50TH ANNIVERSARY DELUXE EDITION box set – master tape used. Press release: “The Matrix recordings heard on this deluxe edition were sourced from the recently discovered, original tapes, previously thought to be lost.”unnamed_1024x1024The third disc features live performance from The Matrix in San Francisco recorded just weeks after The Doors was released. Music journalist David Fricke provides detailed liner notes for the set, which includes a selection of rare and previously unseen photographs.

THE DOORS: 50TH ANNIVERSARY DELUXE EDITION offers a rare opportunity to hear the band on the verge of superstardom with live performances recorded during a March 7, 1967 show at the Matrix in San Francisco. The Matrix recordings heard on this deluxe edition were sourced from the recently discovered, original tapes, previously thought to be lost. The Matrix recordings originally released in 2008 were from a third-generation source, so the sound quality of the versions debuting here is second to none.

Packed with electrifying performance, the disc contains live versions of eight tracks on The Doors, including “Twentieth Century Fox,” “The Crystal Ship” and “Back Door Man.” 

Disc Three: Live At The Matrix, March 7, 1967

  1. Break On Through (To The Other Side)
  2. Soul Kitchen
  3. The Crystal Ship
  4. Twentieth Century Fox
  5. Alabama Song (Whisky Bar)
  6. Light My Fire
  7. Back Door Man
  8. The End

Matrix Sampler #4

April 22, 2017 – Live at the Matrix. Record Store Day LP – master tape used

SIDE A:
01 Back Door Man (Live at the Matrix 3/7/67)
02 Soul Kitchen (Live at the Matrix 3/7/67)
03 Alabama Song (Whisky Bar) (Live at the Matrix 3/7/67)
04 Light My Fire (Live at the Matrix 3/7/67)

SIDE B:
01 The Crystal Ship (Live at the Matrix 3/7/67)
02 Twentieth Century Fox (Live at the Matrix 3/7/67)
03 The End (Live at the Matrix 3/7/67)

Matrix Sampler #5

April 21, 2018 – The Doors Live At The Matrix: Let’s Feed Ice Cream To The Rats. Record Store Day LP – master tape expected to be used

Track list to be announced. A person in dialogue with Doors management has stated this will be a 1 LP release — not a complete box set.

Y para finalizar este interesante post, más información de primera mano sobre las cintas originales.

Para despertar el apetito de todos, aquí hay algunas fotos que James Healey me envió de las cintas maestras Matrix de Peter Abram que tomó usando una cámara de celular hacia noviembre de 2008. Tenga en cuenta que The Doors han adquirido estas cintas maestras (alrededor de abril de 2009). Tenga en cuenta la mención de “Jam” en la caja de cinta del 7 de marzo de 1967. Healey notó que hay dos temas instrumentales inéditos en este lugar, por un total de aproximadamente 16 minutos. El título de estas dos pistas no publicadas aún no se conoce. La remasterización de Steve marcará su primera emisión, comercial o de “importación”.

Basándose en las anotaciones de Peter en las 3 cajas de cintas originales (según las fotos anteriores) y los comentarios de James Healey sobre el misterioso “Jam”, a continuación aparece la lista de pistas de un conjunto completo de CD Doors Matrix en secuencia, suponiendo que no se hacen modificaciones o eliminaciones. El manager de The Doors, Jeff Jampol, ha declarado que quiere que Steve Hoffman remasterice las cintas originales y publique la colección como un conjunto limitado de CD de oro de 4 discos.

March 7, 1967 Tape # 1:

1.) Backdoor Man
2.) My Eyes Have Seen You
3.) Soul Kitchen
4.-5.) Jam* (Nota: James Healey declaró que este “Jam” son dos instrumentales que suman aproximadamente 16 minutos, nunca antes publicados. Ni siquiera circulan en los bootlegs. Todavía no se ha revelado cuáles son estas dos canciones. Healey no los reconoció.)
6.) Get Out of My Life Woman
7.) When The Music’s Over
8.) Close To You
9.) Crawling King Snake
10.) People Are Strange
11.) Alabama Song
12.) The Crystal Ship
13.) Twentieth Century Fox
14.) Moonlight Drive
15.) Summer’s Almost Gone
16.) Unhappy Girl

March 7, 1967 Tape # 2

17.) Woman is The Devil
18.) Break On Through
19.) Light My Fire
20.) The End

March 10, 1967 Tape #3

21.) My Eyes Have Seen You
22.) Soul Kitchen
23.) I Can’t See Your Face In My Mind
24.) People Are Strange
25.) When The Music’s Over
26.) Money
27.) Who Do You Love?
28.) Moonlight Drive
29.) Summer’s Almost Gone
30.) I’m A King Bee
31.) Gloria
32.) Break On Through
33.) Summertime (instrumental)
34.) Back Door Man
35.) Alabama Song

Fragment: March 9, 1967

36.) The End (survives as a fragment, as Peter Abram recorded the March 10 show over the March 9 show. Only a few minutes of The End survives from March 9, but includes some wild poetic imagery.)

Conclusión. Algún día veremos una edición completa de estas cintas originales. Mientras tanto Rhino nos la va entregando con cuentagotas…

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The Original WAILERS en Barcelona -Sala APOLO 14 de Marzo de 2018

Cuando han pasado casi 37 años del fallecimiento de Robert Nesta Marley Booker, o como se le conocería mundialmente, Bob Marley, después de una larga temporada luchando contra el cáncer, a los 36 años nos dejaba uno de los grandes iconos del siglo XX, con un legado que todavía ahora, casi cuatro décadas después de su adiós, palpita repleto de vida. Este fue solo el comienzo de una apasionante historia que se desarrolló durante las décadas siguientes, con el Reggae infectando literalmente todo el mundo gracias a la egregia figura de Bob Marley, convertido en icono en vida y leyenda después de su muerte en 1981.

El músico y compositor jamaicano, quien además se desempeñó como pacifista y apolítico, tuvo una fuerte influencia en la cultura global al ser un gran difusor de la música reggae y del movimiento Rastafari.
La figura de Marley fue creciendo mucho más después de su muerte hasta convertirse en una leyenda. El cambio social, la lucha en contra del racismo y la búsqueda de la paz eran sus grandes temas de inspiración a la hora de componer.
La banda que cuenta con miembros originales de la formación y que acompañó al gran BOB MARLEY en más de 250 conciertos por los cinco continentes, volverán a España en 2018 dentro de su gira por Europa para deleite de sus incondicionales fans.

Liderada por el guitarrista AL ANDERSON, de ascendencia Amerindia y Africana, Anderson nació a principios de los 50. Su madre tocaba el piano y cantaba en la coral de la iglesia mientras que su padre tocaba el bajo en un grupo de R’n’B, que llegó a tocar para James Brown en Newark durante la década de los 60.

Al Anderson es uno de los Originales Wailers que formó parte de la producción musical junto al triunvirato Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer fundadores en los 60’s de los por entonces Wailing Wailers, participando activamente en las producciones de los álbumes “Natty Dread” (1974) de Bob Marley, el álbum “Live” (grabado durante los memorables shows del 17 y 18 de julio de 1975 en el Lyceum londinense) y los sucesivos trabajos que catapultaron a Marley al estrellato mundial, siendo unos de sus fieles y más cercanos colaboradores que estuvieron con la estrella jamaicana junto a su lecho de muerte. Además es un activo colaborador en la producción musical en los dos primeros álbumes de Peter Tosh “Legalize it” y “Equal Rights” que catapultaron a Tosh a la fama internacional, y colaborando además con nombres ilustres de la historia de la música como The Rolling Stones, Tupac o Joe Cocker, por nombrar algunos.

De nuevo tendremos la oportunidad de volver a disfrutar en España de los clásicos himnos de Bob Marley, con la maestría que nadie como ellos podría ejecutar en directo, así como un avance de su nuevo trabajo que verá la luz a mediados de 2018 y que está siendo grabado entre Los Angeles, Miami y Kingston (Jamaica), contando con las importantes colaboraciones en estudio de monstruos musicales del género como Sly & Robbie entre otros nombres ilustres. Este trabajo seguirá al álbum “Miracle” con el que The Original Wailers fue nominado al Grammy el 10 de abril de 2012

Valladolid, 10/9/2014. The Original Wailers en la Plaza Mayor en las Fiestas de la ciudad. Foto Ricardo Otazo.

De nuevo tendremos la oportunidad de volver a disfrutar en Barcelona de los clásicos himnos de Bob Marley, con la maestría que nadie como ellos podría ejecutar en directo.

Miércoles 14 de Marzo de 2018

Sala APOLO 20:30h (Nou de la Rambla, 113)

Anticipada 18€ (+ gastos) Taquilla 22€

Puntos de venta anticipada: DISCOS TESLA, DISCOS IMPACTO,
http://www.sala-apolo.com

León Benavente – Revolución – Sala Barts – Barcelona 15.12.2017

Sensacional y único. Kraftwerk 3-D The Catalogue

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5.0 de un máximo de 5 estrellas Sensacional y único, 28 de mayo de 2017
Esta opinión es de: 3-D The Catalogue [Blu-ray] (Blu-ray)
Discos: 4 Blu-ray 50 Gb
Codec: MPEG-4 AVC
Formato Imagen: 1.78:1
Resolución: 1920 x 1080p
Sonido: Dolby Atmos, Dolby TrueHD 7.1, PCM 2.0 estéreo, Headphone Surround 3D
Subtítulos: Ninguno
Extras: Libro de 224 páginas
Título original: Kraftwerk 3-D The Catalogue (2017)
Duración: 436 Minutos
Los seguidores del grupo alemán esperábamos este lanzamiento desde hace mucho y al fin está aquí. Concretamente, el que analizamos en esta página es el que presenta 4 discos Blu-ray más un libro a todo color de 228 páginas; todo ello en una caja de elegante y robusto diseño.

CONCIERTO
No voy a negar que soy fan de Kraftwerk desde los años 70, cuando descubrí Autobahn en un programa de radio en 1974. Desde ese momento, el grupo alemán me cautivó con su música diferente del resto y con ese concepto de hacer un disco sin pausas, solo las obligadas por las dos caras de los discos de vinilo. El grupo ha tenido largos años de inactividad en lo que a comercialización de discos se refiere. Hay que tener en cuenta que desde Electric Café (llamado después Techno Pop), que salió en 1986 (fue el primer CD que me compré), hasta el siguiente, Tour de France (2003), pasaron nada más y nada menos que 17 años…

Luego, en 2005, apareció el doble disco Minimum Maximum, grabado en directo. Este concierto también se editó en DVD, siendo una referencia absoluta en sonido, pues su calidad está fuera de toda duda.

Ahora, 12 años después, el grupo (¡por fin!) edita el esperadísimo concierto en Blu-ray que todos sus seguidores esperábamos. Y como Kraftwerk es diferente al resto de grupos de todo el mundo, las condiciones en las que se ha editado son espectaculares, tanto por la calidad técnica del concierto como por las diferentes ediciones de que los fans podemos disfrutar. En este artículo me centraré en la edición que se presenta en una caja y que incluye 4 Blu-ray’s y un libro, todo ello presentado en unas sensacionales condiciones.

Entrando de lleno en dicho contenido, hay que decir que la idea de comercializar estos 4 BDs junto con el libro y no de forma separada, les va a resultar un negocio redondo, ya que quien quiera tener estos 4 discos BD habrá de pasar por caja y desembolsar unos 180 € de media, ya que el precio de esta edición ha ido aumentado progresivamente tras su anuncio. Lo cierto es que en las diferentes tiendas de Amazon alrededor del mundo el precio oscila hasta 50 €. Hay más tiendas que lo venden, pero otra cosa es que lo tengan. De hecho, he estado consultando e indagando qué tiendas disponían de esta edición en España y son muy, pero que muy pocas. De hecho, la mayoría (El Corte Inglés, FNAC, etc.) no disponen de ella físicamente, y solo puede ser solicitada previo encargo. De hecho, Amazon.es agotó el producto tras las reservas realizadas por los clientes y no disponía de él el día de su salida.

Volviendo al tema de la única posibilidad de compra de los 4 BDs con esta edición, hay que decir que aunque se ha editado un Blu-ray + DVD en otra edición, ambos cuentan con un número reducido de temas musicales, concretamente 18. Si tenemos en cuenta que la edición de 4 discos aquí analizada se incluyen 69 temas, no resulta difícil para cualquier seguidor del grupo que quiera disfrutar de todos los temas del grupo qué edición adquirir.

Cabe destacar que esta edición presenta los temas de los 8 discos de estudio publicados por el grupo, que son: Autobahn, Radio-Activity, Trans Europe Express, The Man Machine, Computer World, Techno Pop, The Mix y Tour de France. De hecho, Kraftwerk presentó y sigue presentando su gira de conciertos en muchas ciudades en un concierto diario. Personalmente, pude asistir en Bilbao a dos de esos conciertos, concretamente los de los discos The Mix y Tour de France, en el Museo Guggenheim.
Así, gracias a estas grabaciones en Blu-ray podemos disfrutar plenamente de todos los conciertos de cada disco sin movernos de nuestra butaca. Puede deciros antes de entrar en el análisis tecnico, que gracias a la calidad audiovisual, se disfruta más en casa que en el propio concierto.

CONTENIDO BLU-RAY’S
Os enumeramos los temas de cada uno de los conciertos presentados en los 4 discos Blu-ray. Hay que tener en cuenta que los temas en los discos 3 y 4, denominados ‘FILM’ son los mismos que los de los discos 1 y 2, denominados ‘CONCERT’

Blu-ray 1 Concert y Film (incluyen 1, 2 3 y 4)

1 AUTOBAHN
Autobahn
Kometenmelodie 1
Kometenmelodie 2
Mitternacht
Morgenspaziergang

2 RADIOACTIVITY
Geiger Counter
Radioactivity
Radioland
Airwaves
Intermission
News
The Voice Of Energy
Antenna
Radio Stars
Uranium
Transistor
Ohm Sweet Ohm

3 TRANS EUROPE EXPRESS
Trans Europe Express
Metal On Metal
Abzug
Franz Schubert
Europe Endless
The Hall Of Mirrors
Showroom Dummies

4 THE MAN MACHINE
The Man Machine
Spacelab
The Model
Neon Lights
The Robots
Metropolis
Blu-ray 2 Concert y Film (incluyen 5, 6, 7 y 8)

5 COMPUTER WORLD
Numbers
Computer World
It’s More Fun To Compute
Home Computer
Computer Love
Pocket Calculator
Dentaku

6 TECHNO POP
Electric Cafe
The Telephone Call
House Phone
Sex Object
Boing Boom Tschak
Techno Pop
Music Non Stop

7 THE MIX
The Robots
Computer Love
Pocket Calculator
Dentaku
Autobahn
Geiger Counter
Radioactivity
Trans Europe Express
Metal On Metal
Abzug
Home Computer
Boing Boom Tschak
Techno Pop
Music Non Stop
Planet Of Visions

8 TOUR DE FRANCE
Tour De France
Prologue
Etape 1
Chrono
Etape 2
Vitamin
Aero Dynamik
Elektro Kardiogram
La Forme
Regeneration

LIBRO
El libro presentado es de tapa dura, con un acabado impecable y con un papel de calidad y de buen grosor. Se presenta en color y con ilustraciones a doble página. Las fotos son sensacionales y muy artísticas. Cuenta con 228 páginas.

IMAGEN 2D
Simplemente perfecta. La mayoría del contenido perteneciente a los discos BD del concierto mezclan imágenes del mismo -el cual parece haberse filmado en el mismo lugar- con las de videos pertenecientes a efectos superpuestos y a los que se muestran en la pantalla detrás de los 4 componentes. La calidad visual es simplemente perfecta, con una resolución magistral y una colorimetría perfecta, equilibrada y sin saturación. Los tonos de color son intensos y de auténtica demo, al igual que lo negros, los cuales se muestran sólidos, potentes y perfectamente combinados con los colores blancos. La verdad es que la imagen es una delicia para la vista. Cabe mencionar que la filmación y el montaje son realmente espectaculares.

Todo lo dicho anteriormente sirve para los otros dos discos, los denominados ‘FILM’. En ambos veremos los videos que acompañan a todos los temas, que son los mismo que los del concierto. En estos dos discos no veremos a los componentes de Kraftwerk, sino videos perfectamente elaborados que se combinan de maravilla con la música. Todo un espectáculo visual, sí señor.

IMAGEN 3D
Si el concierto luce a la perfección en 2D, en 3D no se queda atrás. Los conciertos ofrecidos por todo el mundo se realizan en 3D, y al entrar se le entregan unas gafas a los asistentes. La experiencia visual combinada con la sonora es todo un espectáculo. Pues bien, en esta edición de 4 Blu-ray’s la experiencia se multiplica a mejor. Y es que la calidad visual de las imágenes que veremos en pantalla en los 4 discos es sensacional. El 3D está presente en todo momento, llamando la atención en temas como Numbers, donde los números parecen salir de la pantalla e incluso podemos llegar a “tocarlos”. Especialmente, en los temas del concierto centrado en Computer World los efectos 3D predominan. De hecho, cada una de las canciones tiene algo que destacar en 3D, ya que en todas está disponible.

SONIDO
Resulta difícil empezar a alabar las prestaciones del sonido de esta edición porque no sé por dónde empezar dadas las sensacionales condiciones en que se presenta. Si el formato Dolby Atmos es de por sí sensacional, llamativo y realmente espectacular, todo se multiplica al oír lo que es capaz de dar con un contenido musical como éste. No me cabe la menor duda de que este contenido será utilizado en multitud de lugares para mostrar las excelencias del formato de audio por objetos Dolby Atmos. Y es que la música de Kraftwerk se presta a la perfección para sacar el máximo potencial a un formato de audio que nos permite oír has 11 cajas acústicas -más uno, dos o los subwoofers que queramos- simultáneamente, cada una de ellas reproduciendo diferentes sonidos y con una combinación perfecta y admirable por su ejecución.

La reproducción en formato 5.1 o 7.1 es también una verdadera gozada, pues la calidad sonora supera a la ya sensacional presentada en el DVD Minimum Maximum editado en 2005. En estos dos Blu-rays nos encontramos con un sonido perfecto, sin distorsión, nítido, potente y muy, muy dinámico, más en unos temas que en otros. El canal de subgraves trabaja de continuo y su aportación a la dinámica es sustancial. De hecho, hay temas que sorprenden por su potentes subgraves, caso de Aero Dynamik, Music Non Stop, It’s More fun to compute, Radioactivity…

Pero con lo que más se disfruta en el modo Dolby Atmos es con la enorme cantidad de efectos sonoros que hay en la parte superior. Hay temas que se llevan la palma en este aspecto, como Numbers, The Robots, Pocket Calculator, Dentaku, The Telephone Call, Music Non Stop, Elektro Kardiogram y, en general, todos, ya que no hay canción que no disponga de efectos en la parte superior.

La combinación de todos los canales es perfecta y la ubicación de cada sonido se localiza perfectamente, sin tener que esforzarnos para ello. Como digo, la escucha en 5.1 o en 7.1 es también una experiencia sensacional, ya que la calidad sonora es superior a la que presentaba el DVD MInimum Maximum, especialmente por la limpieza del sonido y la pegada del subgrave. Por cierto, hay que destacar que en todo el concierto no se oye al público, algo que muchos agradecerán, como es mi caso. Así, olvidáos de silbidos, gritos, etc., mientras suenan las canciones porque no los oiréis. Personalmente, creo que en ese aspecto Kraftwerk ha acertado de pleno, ya que su música electrónica debe ser escuchada sin elementos que distraigan al oyente.

Está claro tras la escucha de cualquiera de los temas, que lo que ha querido Kraftwerk es ofrecer a sus seguidores todos sus canciones con la mayor calidad sonora y con los nuevos arreglos que los han mejorado todavía más.
La pista de sonido estéreo PCM ofrece un sonido potente, dinámico y muy natural, resultando ideal para los amantes del audio high end en dos canales.
Se incluye también una pista Headphone Surround 3D destinada a la escucha con auriculares. Los resultados que se obtienen son sensacionales, ya que el sonido posee un efecto tridimensional excelente, el cual hará las delicias de los que prefieren escuchar música con auriculares.

EXTRAS
No se incluyen contenidos adicionales en los Blu-ray’s. La navegación nos muestra un menú simplificado en el que podemos elegir cualquiera de los tres formatos de audio incluidos, así como el formato visual 2D o 3D. En el contenido de cada disco veremos todos los temas de los conciertos y podremos seleccionar el que está incluido en el disco. En caso de querer seleccionar el del otro disco, un mensaje nos indicará en pantalla que insertemos el disco correspondiente.

Depeche Mode – Berlin 17 March 2017 – Spirit Tour

Blackberry Smoke – Sala Apolo – Barcelona – 8th March 2017

Steven Wilson en la India

Iron Maiden retransmitió anoche en directo su concierto de fin de gira en Wacken

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Tras los cuatro conciertos de Iron Maiden en España; Resurrection Fest, Madrid, Sevilla y Rock Fest Barcelona, los seguidores de la mítica banda británica tendrán una nueva oportunidad de verles en directo y sin moverse de sus casas. Iron Maiden en colaboración con el festival Wacken Open Air y ARTE Concert ofrecerán en directo a través de una plataforma de streaming el último concierto de la gira ‘The Book Of Souls’, que realizarán esta noche (4 de agosto) a las 21.30 horas.

“La gira ‘The Book Of Souls World Tour’ ha estado en la carretera desde finales de febrero. La banda ha tocado ante más de 1,5 millones de fans en 36 países y seis continentes. Realizarán el concierto final el jueves, 4 de agosto, en el festival Wacken Open Air de Alemania. ARTE Concert ofrecerá la actuación completa a través de Livestream. Se podrá tener acceso a este show espectacular desde cualquier parte del mundo, una experiencia sensacional para los que no puedan acudir al concierto”, detallan fuentes de la banda.

El manager de Iron Maiden, Rod Smallwood, explica las razones de esta retransmisión en directo: “Decidimos acabar la gira en Wacken porque es el modo ideal de terminar este tour mágico ante 80.000 fans del heavy metal en este legendario festival. Wacken se ha convertido en un evento internacional al que acuden miles de fans de países de todo el mundo juntándose y celebrando con los seguidores alemanes. Cuando Wacken y ARTE nos plantearon realizar un streaming en directo de la actuación en el festival no lo dudamos para ofrecer a los fans un regalo de fin de gira”.

Iron Maiden – Wacken Open Air – The Book Of Souls World Tour 2016.

 

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