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El drama de Eric Clapton, el ‘dios de la guitarra’ que le dice adiós a la música

El drama de Eric Clapton, el dios de la guitarra que le dice adiós a la música

Ya no habrán más lágrimas en el cielo. Eric Clapton, el músico que compuso, junto a Will Jennings, ‘Tears in heaven’, aquel himno perfecto para comunicarse con aquellos que se fueron antes que nosotros, ya no tocará su guitarra. ‘El dios de las seis cuerdas’ le dice adiós a la música, antes de que esta lo haga primero, contrario a lo que hacen muchos músicos de su época que tocan hasta su último aliento.

No lo hace por capricho, una enfermedad nerviosa paraliza la mitad de su cuerpo, impidiéndole tocar sin padecer una inmensa molestia. “He sentido mucho dolor durante el último año. Empezó con un dolor lumbar y después se desplazó a otros lugares”, le dijo Clapton a la revista Classic Rock.

El guitarrista, cantante y compositor británico de rock y blues padece neuropatía periférica, enfermedad que compromete específicamente las piernas y manos, por lo que es complejo que utilice la guitarra —cuyo manejo era tan maravilloso, que solía ser llamado ‘Slowhand’ (mano lenta), por la delicadeza con la que tocaba—, debido a que se siente una especie de descarga eléctrica.

El médico Mario Germán Ospina explica que “esta enfermedad es una patología en los nervios a nivel periférico, que afecta generalmente las extremidades. Tiene gran incidencia en la calidad de vida. Más que ser mortal, es una enfermedad incómoda porque los pacientes padecen dolores de difícil manejo que los medicamentos comunes no alivian”.

Esta patología “también puede ocasionar pérdida de sensibilidad, los pacientes pueden presentar lesiones aún sin darse cuenta, lo que produce procesos infecciosos que desencadenen en amputaciones”, agrega el médico.

Entre los síntomas que sufre quien es llamado ‘Dios de la guitarra’ están cosquilleo en las manos y en los pies, la sensación de tener puestos guantes o calcetines apretados, repentinos dolores agudos, insensibilidad en los dedos y debilidad de las extremidades.

En 2013, Clapton tuvo que cancelar varios compromisos debido a los dolores de espalda. Sus causas son múltiples, pueden ser traumas, caídas, predisposición genética, obesidad, diabetes, inactividad y por las sustancias tóxicas y los excesos, que fueron muchos.

Aunque ahora, a sus 71 años, tenga la apariencia de un viejo lord sedentario, Clapton no fue ajeno a los vicios. Es por eso que, pese a su enfermedad, considera “una gran cosa el estar vivo. Por alguna razón fui arrancado de las fauces del infierno y tuve otra oportunidad”.

“Con todo derecho tuve que haber estirado la pata hace mucho tiempo”, reconoció el músico que acaba de sacar su 23 álbum grabado en estudio, titulado ‘I Still Do’, que podría traducirse como ‘Todavía lo hago’.

Como escribió el novelista brasileño Paulo Coehlo en alguno de sus libros “escoger un camino significa abandonar otros. Si pretendes recorrer todos los caminos posibles acabarás no atravesando ninguno”. Eso pasa con Clapton, quien reconoce la senda que le espera: “Debo encontrar la forma de lidiar con algunas otras cosas del envejecimiento”, dijo a la revista británica especializada en rock.

Pese a su decisión, su trabajo no cesa. A finales del año se publicará una colaboración con los Rolling Stones. Tal vez su última obra. Sin embargo, si hay algo que Clapton, nacido en Ripley, Inglaterra, el 30 de marzo de 1945, ha demostrado en más de una ocasión, es su capacidad para resurgir de las cenizas.

La estrella comenzó a consumir drogas y alcohol a los 15 años. Su menú incluía heroína, cocaína, analgésicos y dos botellas de vodka al día.

“Lo único que le impidió suicidarse por tercera vez, después de intentarlo anteriormente ingiriendo pastillas y luego colgándose de un árbol, fue la idea de que un hombre muerto no puede beber”, escribió Paul Scott, periodista del Daily Mail y autor de la biografía ‘Motherless child: The definitive biography of Eric Clapton’, publicada el año pasado para conmemorar las siete décadas del artista.

El artista británico emprendió una decidida batalla contra las drogas que finalizó con éxito en 1998, tras haberlo intentado desde 1987 en diferentes centros de desintoxicación de medio mundo, tratado con distintas terapias que no dieron el fruto esperado. Incluso, ha confesado públicamente que, hasta que llegó a la treintena, no mantuvo relaciones sexuales estando sobrio o sin haber consumido drogas.

“El miedo a la pérdida de identidad era descomunal. Tal vez eso había nacido con el asunto de ‘Clapton es Dios’, que había hecho que basara buena parte de mi autoestima en mi carrera. Cuando tuve que pasar a centrarme en mi bienestar como ser humano, y en la consciencia de que era un alcohólico que sufría la misma enfermedad que todos los demás, sufrí un colapso”, dijo sobre su debacle.

A propósito de sus adicciones, una de sus cnciones más populares, aunque es de la autoría del músico norteamericano JJ Cale, es ‘Cocaine’, cuya letra dice: “Si quieres quedarte un rato, has de tener cocaína; si quieres deprimirte hasta caer al suelo, cocaína. Ella no miente. Si tienes malas noticias, quizá te agrade deshacerte en la tristeza. Cocaína. Cuando el día se acaba y tienes ganas de escapar, cocaína”.

Y es que el consumo de drogas parecía ser el común denominador entre los grandes genios de la época. Keith Richards ha dicho que en los comienzos de The Rolling Stones se consumía todo tipo de drogas porque no conocían sus efectos. Iggy Pop tuvo una adicción tan fuerte a la heroína, al punto que él mismo decidió internarse en un centro psiquiátrico en busca de ayuda. Y Steven Tyler era tan fanático de dicha sustancia, que incluso la inhalaba durante sus conciertos. Ozzy Osbourne, por hacer la lista finita, mantuvo durante 40 años un romance con el alcohol; reveló a la prensa que consumía cuatro botellas de coñac al día.

Sin embargo, Clapton ha intentado hacer las pases con su destino. Hace siete años se despidió de setenta de sus guitarras, en una subasta de corte caritativo. El monto económico obtenido rompió todas las cifras previstas.

Una Martin, de 12 cuerdas, con la que Eric grabó el espiritual ‘Motherless Child’, comenzó con una oferta de US$ 10.000, llegó hasta los US$ 70.000, mientras que una réplica de la Stratocaster ‘Blackie’, imprescindible para el músico a finales de los años 60, fue comprada por US$ 30.000.

No era la primera vez que Clapton ofrecía sus pertenencias en subasta pública. En 1999 consiguió más de US$ 5 millones, vendiendo objetos como vajillas, prendas de vestir, teléfonos móviles, pianos, partituras, discos, colecciones propias; y cinco años más tarde, en 2004, donó más de US$ 7 millones, obtenidos por material de procedencia idéntica, al centro Crossroads, donde Eric logró recuperarse de sus adicciones.

Pese a su generosidad, pecó por varios comentarios tildados de racistas. En un concierto en Birmingham en 1976, hizo una declaración en apoyo del político Enoch Powell (quien había criticado la invasión de inmigrantes de antiguas colonias británicas): “Enoch está en lo cierto. Debíamos mandar todos esos hombres negros de vuelta a la tierra de ellos y mantener la Inglaterra blanca”. Ese fue uno de los incidentes que llevó a la creación de ‘Rock contra el racismo’, campaña contra la expansión del nacionalismo británico. Clapton más tarde negó ser racista. Y aunque siguió apoyando a Enoch Powell, no se ha identificado de nuevo con sus ideales segregacionistas.

Récords históricos

Foto: Especial para El País

Eric ‘Manolenta’ Clapton es un hombre de récords. No brinca como un Rolling Stone en sus conciertos, prefiere rasguear su guitarra sentado y cantar suave, pero eso no le quita que siga siendo una deidad de la música.

Es el número 2 de la lista ‘Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos’ de la revista Rolling Stone y el 55 de su especial ‘Inmortales: Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos’. En 2005 la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos.

Hacen falta grandes superlativos para describirlo, como dice el periodista y musicólogo Juan Carlos Garay, quien cuenta que a Clapton a los 20 años ya le decían ‘el dios de la guitarra’. A los 35 decía que prefería que lo llamaran ‘el mejor guitarrista del mundo’. A los 58 la prensa seguía sin escatimar títulos grandilocuentes, para entonces, en una revista norteamericana lo catalogaron como ‘El hombre que reescribió la historia de la guitarra’”.

Desde 2003 se habló de su supuesto retiro. Se llegó a decir que dedicaría el resto de sus días a criar aves de corral y a jugar dominó. Ante el anuncio, sus seguidores colmaron estadios en Estados Unidos, Europa, Japón, Rusia y Oriente Medio. Para entonces salió el disco ‘One more car, one more rider’, como si se tratara de un epílogo de su carrera, un álbum doble que registró 120 minutos de un show con gran calidad de sonido.

Justamente en mayo de 2016 Clapton lanzó su vigésimo segundo álbum de estudio, ‘I Still Do’, publicado por la compañía discográfica Surfdog Records. Según Rubén Cetrángolo, de Diario Popular de Argentina, “este reafirma el porqué de ese mote de mesías de las seis cuerdas. Con una prolija selección de temas ajenos, apenas dos composiciones propias (Spiral y Catch The Blues), producido por Glyn Johns y con una portada elaborada por el genio creativo de Sir Peter Blake, responsable de la tapa de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band, de Los Beatles, es un disco vibrante en el que una vez más Clapton vuelve por sus raíces bluseras con recreaciones de temas compuestos por sus maestros JJ Cale y Robert Johnson y otros referentes del género como Leroy Carr, Skip James, Paul Brady y John O’Kane, por citar solo algunos”.

Cabe recordar que a lo largo de su carrera, Clapton se ha decantado por varios estilos musicales y en todos ha sido considerado un maestro. Formó parte de grupos como John Mayall’s Bluesbreakers, The Yardbirds y Cream; tocó con Derek and the Dominos y Blind Faith y colaboró con The Beatles en un álbum. Como solista llegó a lo más alto con canciones como ‘Change the world’ o ‘My father’s eyes’.

Para 1966 era el indiscutible monarca de la guitarra. Formaba parte de Cream, un trío de Inglaterra completado por Jack Bruce al bajo y Ginger Baker en la batería. Todos eran considerados deidades. Fue famoso un graffiti que se repetía en los muros de las calles británicas en el que se leía: “Clapton es Dios”.

Una vez fue derrotado, se conoce como ‘El Día que Hendrix mató a Dios’. Jimi Hendrix, un joven guitarrista zurdo afroamericano, fue a Londres conocer a Clapton, ya que era fan de Cream. El 1 de octubre de 1966 Cream dio un concierto en el London Polytechnic, Hendrix quien estaba tras bambalinas, solicitó lo que nunca nadie se había atrevido: que lo dejaran interactuar con Cream. Los músicos lo subieron al escenario con ellos. Y Jimi sugirió: “¿Qué tal si tocamos ‘Killing Floor’?” aludiendo al popular tema de Howlin’ Wolf, y le pidieron a Hendrix comenzar. Este con su Stratocaster blanca comenzó a ejecutarlo con velocidad y precisión, Bruce y Baker siguieron el ritmo, mientras que Clapton, el gran Dios británico de la guitarra, sudaba, pues no podía igualar su técnica y velocidad.

Perturbado, Eric abandonó el escenario a media canción; encendió un cigarrillo y cuando Bryan James ‘Chas’ Chandler, mánager de Hendrix, se acercó a él, le espetó: “¡Tú sabías que eso pasaría!, ¡Nunca me dijiste que era tan pinche de bueno!”.

Clapton, un picaflor trágico

Eric Clapton y su hijo Connor, quien inspiró su canción ‘Tears in heaven’. Foto: Especial para El País

Eric Clapton y su hijo Connor, quien inspiró su canción ‘Tears in heaven’

La vida de Eric Clapton podría ser el libreto de una película de Hollywood con todo el drama de una telenovela mexicana.

Nació bajo el nombre de Eric Patrick Clapton Shaw. Su padre fue un piloto de la Segunda Guerra Mundial de origen canadiense que se marchó a su tierra antes de que él naciera. Su madre tenía 16 años cuando quedó embarazada, por lo que Eric creció creyendo que su abuela Rose y su segundo marido, Jack, eran sus padres, e ignorando que su hermana mayor era su progenitora.

Clapton se enteró de la verdad a los 9 años cuando su madre y su hermanastro fueron a visitarlo, noticia que influyó considerablemente en sus estudios y su relación con el resto de la familia.

Y aunque fue un niño solitario y callado, es conocido por su sentido del humor. El amor por la música lo heredó de su abuela Rose, quien tocaba el piano. Su primer contacto con una guitarra acústica fue a la edad de 13 años, cuando le regalaron una por su cumpleaños, aunque no lo hacía muy bien.

Es conocido por sus múltiples romances. Con la fotógrafa Pattie Boyd se casó en 1979, quien había estado casada con el ‘Beattle’ George Harrison. Ella, dijo durante una exposición fotográfica que lo que más recuerda de estos dos matrimonios fueron las infidelidades y los excesos de ambos con las drogas y el alcohol.

En 1984 durante la grabación ‘Behind The Sun’, Clapton comenzó a salir con Yvonne Kelly, directora del estudio de grabación. Tuvieron a su hija Ruth Kelly Clapton en enero de 1985.

De su relación con la modelo italiana Lory Del Santo, nació su hijo, Conor, quien murió el 20 de marzo de 1991, a los cuatro años de edad, cuando cayó de una ventana del piso 53 de un edificio en Manhattan, Nueva York.

“Ese día el teléfono sonó y Lori me dijo que mi hijo estaba muerto. Traté de creer que era un error. Hasta que llegué al edificio y vi a la policía. Fui al sanatorio para reconocerlo. Luego, partí a verlo otra vez a la funeraria para disculparme por no haber sido un padre mejor”, contaba Eric al Time.

Nueve meses después de la tragedia le dedicó su canción ‘Tears in heaven’ (Lágrimas en el cielo), que aparece en el concierto Unplugged de MTV y se convirtió en un éxito mundial. “¿Dirías mi nombre si me vieras en el cielo?”, dice la primera estrofa del tema que en 1993 ganó tres Grammy, a ‘Canción del año’, ‘Grabación del año’ y ‘Mejor interpretación vocal pop masculina’.

En 2001 se casó con Melia McEnery en 2001. Tienen tres hijas: Julie Rose (2001), Ella May (2003) y Sophie (2005).

En la lista de mujeres con las que supuestamente mantuvo un affaire figura Lady Di. La chispa surgió en San Lorenzo, un exclusivo restaurante italiano en Londres. Según un amigo de Clapton, la atracción entre ellos era “obvia. Había mucha mirada seductora”. Aunque ambos estaban solteros, su chispa no dio para mucho y Eric la describió como “una manipuladora”.

Otro de sus baches amorosos se sitúa en un concierto de los Rolling Stones al que fue con Carla Bruni. Ella estaba empeñada en conocer a Mick Jagger. “Mick, por favor. Ella no. Creo que estoy enamorado”, le pidió Clapton a Jagger, quien no prestó atención a la súplica de su amigo y la modelo francesa y el rockero iniciaron una relación.

Recordemos en este vídeo la actuación a la que tuvimos la suerte de poder asistir en el Royal Albert Hall en 2013 en la Gira Conmemorativa de sus 50 años de carrera musical con un poco de lo que pude grabar para vosotros.

O este de la Gira en la que celebraba sus 70 años, que al final se ha convertido en su última Gira.

Es una pena.

Ya ha llegado la copia del Jack White’s Lazaretto UltraLP

Ya ha llegado la copia del Jack White’s Lazaretto UltraLP

La compré en un “bundle” con Blunderbuss, que ya tenia. Pero este era en vinilo azul.

​Lo cierto es que el precio era muy bueno. Lo compré el 9 de Junio en POPMARKET, lo enviaron el 1 de julio y llegó ayer. Todo un viaje.

Pues aquí ha llegado… Señores, qué embalaje.. Algo ciertamente es-pec-ta-cu-lar!!.. Caja tamaño pizza gigante, muchísimas capas de cartón para que te todo vaya bien…

Os dejo unas fotos que hablan por si mismas.

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Guitarras de otros tiempos

“¡No te la voy a vender!”, le dice Israel Domínguez a un cliente que entra en su tienda de guitarras de segunda mano del barrio de Malasaña. Intenta evitar que le arrebate un modelo Univox de los años sesenta igual al que tocó Kurt Cobain en su mítica banda Nirvana. Es una de las joyas de su corona en las que hay, entre otras muchas, un bajo Höfner de Paul McCartney o una Fender de 1968. “Aquí es muy difícil reponer el material cuando se vende. No puedes llamar al distribuidor y pedirle más, hay que ir a buscarlo”, justifica Domínguez sus reticencias.

Los entendidos saben que el nombre de la tienda, Headbanger, es un término que acuñó el grupo Led Zeppelin al ver a sus fans sacudir con contundencia sus cabezas al ritmo de la música. Los no tan informados se guían por el epígrafe rare guitars que no deja lugar a dudas sobre lo que se vende en el número 73 de la calle de La Palma. Los instrumentos que cuelgan de sus paredes vienen de Estados Unidos o de Japón y han viajado en el tiempo desde los años sesenta en adelante.

Hay guitarras acústicas, eléctricas, bajos, pedales, amplificadores y taburetes en los que sentarse y probarlas. “Quería que la gente tuviera la posibilidad de comprobar cómo suenan estas rarezas porque al final no depende de que la guitarra sea buena o mala, sino del sonido que tú quieras conseguir, y eso es muy personal”, explica el dueño.

 

El concepto de la tienda también lo ha importado. “En un viaje a Nueva York encontré muchas tiendas en las que podías coger cualquier guitarra y probarla, había muy buen ambiente”, explica Domínguez, mientras enchufa a regañadientes la guitarra de Cobain a un amplificador para que el cliente la pruebe. “A mí no me impresiona tanto quién la ha tocado como el sonido tan especial que tiene”, dice Eduardo Valcárcel, un cliente que no venía con la idea de comprar, pero ha sido víctima de un flechazo.

“Los músicos valoran mucho más lo antiguo que lo nuevo”, explica Domínguez, que hace revisar o reparar los instrumentos por un luthier que viene a su local una vez por semana. “Una guitarra no es como cualquier otro objeto que pierde valor con el tiempo. Aquí hay instrumentos que costaban 30 dólares en los años sesenta y ahora valen 900 o 1.000 euros”. En su tienda, la más barata cuesta 300 euros y la más cara 2.900.

El dueño cree que “los músicos valoran más lo antiguo que lo nuevo”

De los 32 años que tiene, Israel Domínguez lleva más tocando la guitarra que sin tocarla. Lo ha compaginado con diversos trabajos en el ámbito audiovisual, pero ahora se dedica a jornada completa a su pasión por la música y a la de los demás. “Yo soy más metalero”, confiesa, aunque su estética ya había delatado su debilidad por el heavy metal, pero sus clientes son músicos de todo tipo: rock, blues, jazz. Cada viernes hacen conciertos acústicos en los que invita a que los guitarristas vengan con las manos vacías y toquen con el material que hay en la tienda. Además, organiza exposiciones y talleres como el monográfico que impartió Santi Guillén sobre la forma de tocar de Jimi Hendrix.

Además de su propio material, Headbangers también expone instrumentos de particulares que quieren venderlos. “Es una buena forma de negocio porque se saca una comisión y no hay que invertir, pero la gente no me trae guitarras míticas, esas están en otros países”, comenta Domínguez.

Desde que abrió la tienda en septiembre, ya la han visitado músicos reconocidos como Diego Postigo de The Cabriolets, Juan Aguirre de Amaral o Ariel Rot. “Mi mayor satisfacción es que venga un músico y me diga: ‘Aquí tienes joyas”, explica el dueño que, a pesar del contexto económico tan poco favorable, decidió lanzarse a la piscina. “La guitarra es un objeto universal, la gente sigue tocando y sigue habiendo músicos. En época de crisis la gente no deja aparcados sus hobbies, más bien al contrario, se aferra a ellos”.

Diferentes Maderas, Diferentes Tonos

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En este artículo daré un vistazo general a los diferentes tonos de madera, el sonido que producen y, en algunos casos, su propósito. Esto no es una imagen completa, es sólo un vistazo.

Los Básicos

Aliso

Este es un árbol que crece en temperaturas templadas con mucha humedad. Es una madera que crece rápidamente y es relativamente suave. No es tan suave como la caoba o tan dura como el arce, que culmina en un tono sin gran empuje en el espectro tonal. Generalmente, los agudos son ligeramente atenuados con bajos que no son tan pronunciados y un rango medio que podría usarse para un toque extra porque los medios no están tan abundantemente disponibles.

Fresno

El fresno puede venir de varias fuentes. Si tienes fresno duro, que tiene más filo, casi como el arce pero con más (y más fornidos) bajos. El fresno duro está generalmente del lado pesado. El fresno de pantano, por otro lado, es mucho más ligero con menos compresión en el tono. Puedes obtener un sonido más abierto con muchos agudos y medios más elevados que cortan a través de la mezcla como un cuchillo caliente en mantequilla. La diferencia entre un corte en lo alto o lo bajo del árbol hace una gran diferencia de tono. Una pieza alta de fresno duro puede estar más cerca del sonido que estás buscando que la parte baja de un fresno de pantano. Esto va para todas las maderas, pero en mi experiencia, éste es el caso más fuerte.

Basswood

Basswood es una madera que usan predominantemente los guitarristas de metal. Esto es porque el árbol crece rápido, el grano no se ve particularmente interesante o bello (y por lo mismo no es una pena si el terminado es en un color opaco; la suavidad extrema de la madera hace de un terminado duro una necesidad, también) no tiene gruñido de la caoba, ni la tirantez o filo del arce o la dulzura del Aliso o la cualidad fornida del fresno. Tiene algo de todo pero en menor grado. Algo de filo, algo de gruñido, algo de dulzura, pero no mucho de nada. Eso lo hace una base perfecta para tu propio sonido. No añade nada a tu tono pero tampoco quita nada.

Caoba

Esta clásica madera ha sido usada para instrumentos por años. Crecía originalmente en Sudamérica, pero, debido a la sobreexplotación, se crece ahora en Asia, África y hay incluso experimentos para crecerla en los climas más templados de Europa y Norte América. El tono de esta madera es en extremo dependiente del grosor del corte. Una pieza delgada, como una SG, tiene un tono cálidamente grave con mucho filo y presencia. Una pieza más gruesa, como una Les Paul Junior, tiene un tono más carnoso y fornido con agudos más suaves y mucho empuje en los medios bajos. Teniendo una capa de arce grueso en caoba es una forma de obtener un cuerpo más grueso pero manteniendo la claridad, ataque y un poco de compresión. Por razones puramente tonales, la capa no es necesaria: después de todo, una guitarra de pura caoba tiene ya mucho filo.

Arce

Ésta es una madera densa y dura que se usa para cuellos, diapasón, cabezas y, ocasionalmente, cuerpos y viene en tres patrones: flameado (líneas a través del grano), quilt (formas como de nubes en el grano) y sin patrón al cual se le llama plano. No creo que un cuerpo de arce tenga sólo agudos y medios altos porque también tiene una cantidad decente de bajos. No será grueso o jugoso, pero tendrá mucho filo y presencia. Algunas guitarras en los años ochenta fueron totalmente de arce y para los estilos que se usaban, sonaban extremadamente bien. No esperes un tono de suave jazz con humeante sonido de blues, pero si filo es lo que necesitas, el arce es tu mejor amigo.

Palo de Rosa

Esta madera se originó, entre otros países, en Brasil pero debido a la sobreexplotación, casi se extingue en su región natural. Algunas de las más grandes productoras de palo de rosa son India y Madagascar. Es una madera dura, densa y aceitosa que puede venir con un grano muy pegado o grueso y el color puede ser parejo o muy rallado. El palo de rosa es usado sobre todo para el diapasón por su durabilidad y tono dulce y cálido. El palo de rosa es, en ocasiones, también usado como espacios en el cuello. Estos cuellos tienen una sensación rápida y classy con un increíble tono. Cálido pero no demasiado con mucho sostén. Los agudos simplemente cantan. Es como una exageración del diapasón de palo de rosa. Esta madera también puede ser usada para el cuerpo. Pero debido a su rareza y alto precio, te será difícil encontrar una guitarra de puro palo de rosa. Yo tengo dos guitarras que tienen palo de rosa en el cuerpo: una en la tapa y la otra por atrás. Me sería difícil atribuirle un tono en específico o característico al palo de rosa en este contexto, pero siento que la calidez que tengo con un cuello o tablero es notorio cuando la madera está también en el cuerpo. La más grande desventaja es, tal vez, el peso. ¡El palo de rosa es increíblemente pesado!

Álamo

Puedo ser breve con esta madera. El álamo suena mucho como el aliso pero se ve menos atractivo (y algunos guitarristas reportan que tiene un poco más de rango medio comparado con el aliso). A veces obtienes una pieza de álamo aunque eso desafía cualquier “regla en el libro”. Estas piezas te sorprenderán debido a su belleza. El álamo es usado en muchas guitarras de bajo precio, generalmente como body wings para cuellos en V y similares, pero también hay ejemplos mucho más finos y de mayor calidad y precio.

Maderas Exóticas

Me parece que el 75% de todas las guitarras están hechas con una combinación de las maderas ya descritas. Hay algunas mejores, sin embargo, que han estado haciéndose camino en el mercado.

Bubinga

Ésta es una madera tropical como el palo de rosa pero tiene un grano más apretado y un tono más brillante. Generalmente la bubinga tiene un color más claro que el palo de rosa. El tono es brillante con un increíble empuje en los medios altos. Casi podría describirlo como arce con agudos más suaves y medios más gentiles. Rickenbacker usa esta madera para sus diapasones.

Cocobolo

Como miembro de la familia de los palo de rosa, cocobolo tiene un tono cálido con una presencia abierta y clara. La apariencia siempre es maravillosa. Ya sea que su patrón es salvaje y ondulado o limpio y casi organizado, el cocobolo siempre llamará la atención. Esta madera es usada a menudo para el diapasón en guitarras más lujosas y como laminado para tapas y posteriores en las más caras ya sean eléctricas o acústicas.

Ébano

¡Un clásico! Usado por cientos de años para diapasones, puentes y otras partes, esta madera extremadamente dura y durable es notoria por su color oscuro. El ébano está más estrechamente relacionado con el negro, pero matices cafés, amarillos, rojos e incluso morados y rayas no son poco comunes para esta madera. La coloración no disminuye en nada sus cualidades tonales que conocemos y amamos. Brillantez, ataque, filo a la par con una sensación rápida y resbaladiza. Debido a su precio y difícil naturaleza, el ébano es usado sobre todo para el diapasón, aunque algunos lauderos han usado el ébano en los lados y a veces incluso en la parte frontal o posterior de una guitarra acústica y, en ocasiones, incluso puedes encontrar cuellos de este material.

Koa

Es una madera que crece en Hawaii. Su color y patrón de grano es una relación de amor o de odio. Ya sea que instantáneamente lo ames o no te guste en absoluto. El tono es similar al que da la korina y la caoba pero con medios más altos y agudos. La koa ama ser emparejada con una parte trasera de nogal para más poder, más tirantez en los bajos y un aullido extra; o con korina y caoba para más dulzura y graves.

Korina

Esta madera africana también lleva el nombre de limba y está disponible en dos versiones: blanca y negra. Tonal y estructuralmente son lo mismo, la korina negra viene del extremo del árbol mientras que la blanca viene del centro. Tonalmente, la korina es muy parecida a la caoba, con un poco más de medios altos y presencia. La korina es un gran sustituto de caoba, por no mencionar su gran apariencia. Al tener un cuerpo de korina así como la tapa, te dará un gran y grueso tono con más filo del que podrías esperar de un cuerpo de caoba. Como cuello, la korina es muy parecida a la caoba también.

Padouk

Esta madera roja está, en mi opinión, menospreciada. Usada como tapa, tendrás el filo de una de arce pero con una apariencia totalmente única. Como cuello podrás tener el tono del arce pero con aullido. Como diapasón, tendrás el filo del arce con el retumbe del palo de rosa, con una sensación única. Lo he usado como madera para el cuerpo y, pese al gran sonido que obtengo, no puedo recomendarla debido al peso. Para muchos guitarristas, es demasiado pesada.

Pau ferro

Considerado por unos como el santo grial de maderas para cuello, el pau ferro se siente resbaladizo, rápido. The Stevie Ray Vaughan tiene un diapasón de pau ferro y Reb Beach de Whitesnake y Winger ha jurado por cuellos de pau ferro por veinte años. El tono es similar al arce pero con medios más macizos. El empuje que pau ferro le da a tu tono es impresionante.

Purpleheart

Esta madera es dura, pesada y densa. Con un tono similar a la bubinga, el sentimiento es menos “cristalozo”, más como el palo de rosa. Morado es su color natural pero cambiará a tonalidades de café con el tiempo y la influencia del aire y luz.

Nogal

Puede ser encontrado en relativa abundancia en climas más templados. Esta madera es tan dura como el arce pero un poco más aceitosa, haciendo de los tonos unos más cálidos. Comparado con la bubinga, el nogal tiene más presencia y filo y un poco menos de proyección. Comparado con pau ferro, el nogal tiene menos empuje en los medios. Es una gran opción para laminar sobre korina o como centro de koa.

Wengué

Esta madera de grano grueso puede ser usado para cuerpos, cuellos y diapasón; se siente increíblemente rápido porque tus dedos tienen menos arrastre. El tono es pesado medio. Los agudos son amables y cantarines, los bajos son firmes pero no pronunciados. Los medios son algo forzados, sin embargo, y le darán a tu tono una cualidad de aullido cantarín.

Esta lista no está del todo completa es la intención que lo esté. Debe servir como una guía general a algunas de las maderas más frecuentemente usadas. Se debe siempre recordar que no hay dos piezas iguales, simplemente hay generalizaciones de características tonales para estas maderas.

Estuvimos en la Denmark Street

Denmark Street es un corta y estrecha calle del centro de Londres, que destaca por su relación con la música británica. La calle conecta Charing Cross Road en su extremo oeste y con St Giles High Streeten su extremos este. Denmark Street está en el Distrito Londinense de Camden.

Denmark Street aparece en las estadísticas desde los años 30 del siglo XVIII. La zona a su alrededor era conocida como The Rookery, un parte de Londres desarrollada en ese siglo como barrio bajo a oeste de la City. Aunque gran parte de la área fue reconstruida a finales del siglo XIX, Denmark Street es una de las pocas calles en Londres que aún mantiene fachadas con terraza del siglo XVII a ambos lados.

Denmark Street tiene fuertes lazos con la historia del Jazz británico, del R&B y del Punk. The Beatles y Jimi Hendrix grabaron en estudios situados en esta calle. Elton John escribió su clásico Your Song aquí. Más tarde, los Sex Pistols vivieron en el número 6 de la calle, donde grabaron sus primeras maquetas. La calle contiene el mayor clúster de tiendas de música de todo Londres. Fue también la primera ubicación de la tienda de ciencia ficción ycómic más grande de Londres, Forbidden Planet.

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FROM THE HARD ROCK VAULT

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Show Completo : Jimi Hendrix Dick Cavett Show

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Ver video : Jimi Hendrix Isle of Wight (Gibson Flying V)

De los almacenes de la cadena de restaurantes y hoteles Hard Rock Café. Jeff y Kip nos presentan dos de las guitarras más icónicas de la colección de Jimi Hendrix. Hendrix era un guitarrista de “Stratos”, entonces, sus Gibsons eran especiales, y protagonistas de momentos y lugares especiales. En el vídeo se presentan dos guitarras Gibson muy, muy especiales, tocadas por Hendrix en el festival de la Isla de Wight del 1970 y en una presentación televisiva memorable en el Dick Cavett Show el 9 de Septiembre de 1969.

LEE RANALDO BAND (Lee Ranaldo Official) 24 ABRIL – BARCELONA (LA 2 DE APOLO)

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LEE RANALDO BAND (Lee Ranaldo Official)
24 ABRIL – BARCELONA (LA [2] DE APOLO)

Preventa: si tienes la tarjeta-abono Primavera Sound 2012, ya puedes comprar tu entrada en preventa a un precio de 16€ a través del Portal Primavera Sound

Anticipada: el jueves 14 de febrero las entradas se pondrán a la venta a un precio de 18€ en Atrapalo, Ticketmaster y Codetickets.

Lee Ranaldo presenta en Barcelona “Between The Times And the Tides”, un disco en solitario en el que el americano ha sabido equilibrar con maestría su background experimental y el pop más melódico y emocional y para el que ha contado con la colaboración de gente como Neils Cline, Jim O´Rourke o John Medeski. En el grupo que le acompaña en directo destaca la presencia de Steve Shelly, bateria de Sonic Youth.

Ranaldo es una pieza fundamental en la independencia musical de los últimos 30 años, miembro de los recientemente fenecidos Sonic Youth, reconocido poeta y uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos según Rolling Stone.

leeranaldo2 Lee Ranaldo estará presentando Between The Times And The Tides en Abril en Madrid con Son EG.

Lee Ranaldo – Between the times and the tides

Matador/Everlasting

Es un hecho: el futuro de Sonic Youth está más entredicho que nunca. A los hechos ya conocidos de la separación el año pasado del matrimonio que por más de dos décadas unía a los dos cerebros principales de la banda, Kim Gordon y Thurston Moore, se le vienen añadiendo hechos posteriores como la publicación de discos por partes de los (¿ex?)-integrantes.

El bueno de Lee Ranaldo siempre ha ido un poco por libre, aportando menos composiciones, pero todas dotadas de un carácter muy marcado. Pues bien, si antes los flirteos en solitario de los distintos miembros se destinaban a la experimentación inquieta, en este caso la concreción que adoptan los temas, enciende ya todas las alarmas de que una banda tan trascendental puede haber firmado su finiquito.

Si el año pasado Thurston Moore apostaba por un conjunto de temas intimista y acústico, de clara herencia folk, nuestro canoso protagonista, por el contrario, ha rendido un tributo a los 90’s.

Between the times and the tides (12) es un disco que exuda aroma a toda la inquietud nihilista y feromática de aquella época; una visión que, a los que ahora tenemos treinta y tantos y asistimos absurdos al desencanto social puro y duro que provoca la pérdida de las victorias logradas a lo largo de los siglos, recordamos resignados como aquella insatisfacción entonces era poco más que coartada estética y artística.

El arranque con “Waiting on a dream” es Sonic Youth 100%, con menos tensión, eso es verdad, con menos aristas y más atemperado, pero igualmente adictivo y reconocible. “Off the wall” suena cristalina y pulida, muestra palpable de que el ruidismo y la disonancia no tienen cabida por esta vez, y sí las melodías memorables.

“Xtina as i know her” es el típico tema intrincado marca de la casa de Ranaldo que, sin enmarañarse demasiado, levanta un edificio brumoso de siete minutos. Y tras esta triada inicial tan atractiva, entramos en terrenos que nadan entre la autoindulgencia desenchufada puntual (“Hammer blows”) y el intento por sonar dignamente adolescente a lo The Posies con cincuenta y tantos tacos (“Fire islands (phases)”).

Cambio pastilla a una Fender Stratocaster Daphne Blue al estilo de la mítica “BJ” de Billie Joe de Green day

El objetivo es partir de la base de una guitarra Fender Stratocaster Classic 50s Daphne Blue, como la de la foto, e instalarle una pastilla Seymour Duncan SH-4 JB en el puente al estilo que se ve en la foto en la guitarra de Billie Joe Armstrong de Green Day.

El trabajo ya está realizado por Jordi de HERRERA GUITARS de Barcelona con un resultado increíble. Un trabajo profesional al 100%. Así da gusto!.

En breve, colgaremos algunas fotos y algún video de cómo suena la guitarra con la modificación, así como algún detalle más técnico.

Más historias del Tubular Bells

Open Tubular Bells tape box

El 25 de mayo de 1973, un álbum fue lanzado que iba a cambiar las percepciones de lo que era posible en el ámbito de la música popular.Uno de los álbumes más increíbles jamás emitidos, Tubular Bells fue un logro asombroso por un talentoso músico que acababa de celebrar su vigésimo cumpleaños, cuando el álbum fue editado.

Visto más de treinta y cinco años después, es difícil para los nacidos en una época diferente llegar a comprender el enorme impacto que tuvo “Tubular Bells” en el público comprador de discos. El impacto repentino y casi inmediato de público y crítica de “Tubular Bells”  lo fue a pesar del hecho de que la obra había tardado años en crearse y que Mike Oldfield había esbozado sus ideas rudimentarias de la pieza ya en el otoño de 1971.

Boowers & Wilkins están muy orgullosos de poder poner a nuestra disposición exclusiva descargas de 24 bits con calidad de estudio de esta grabación, incluyendo una extraordinaria mezcla de sonido envolvente 5.1. Aquí está su historia.

1. Inicios

A pesar de tener sólo diecinueve años cuando grabó este trabajo seminal, Oldfield en realidad había sido un músico profesional desde los quince años, cuando actuó con su hermana Sally en la Sallyangie dúo. Incluso cuando él era tan joven como trece años, había llevado a cabo conciertos en los clubes populares en la zona de lectura, llegando a ser un guitarrista inspirado por la música y la guitarra de leyenda del folk británico John Renbourne, junto con el aprecio de la música clásica y la guitarra flamenca. En 1969 firmó como  Sallyangie con  Nat Joseph del sello discográfico Transatlantic, grabando el álbum “Children of the Sun”. El lanzamiento del álbum llevó a Sallyangie a ser representado por Roy Guest de la agencia NEMS (originalmente establecida por el manager de los Beatles, Brian Epstein) que a su vez fue el trampolín hacia una carrera en vivo. Sallyangie recorrió los colegios, universidades y clubes de Gran Bretaña durante casi un año, con Mike, Sally y su hermano Terry, haciendo de conductor y road manager. Cuando Transatlantic no tuvo la opción de un álbum de seguimiento, Sallyangie se dislvió.

Sally Oldfield siguió una carrera como artista en solitario, mientras que Mike formó el grupo de rock más orientado Barefoot con su hermano Terry. Aún ligados a NEMS, la gestión de Barefoot fue entregada a Julia Creasy, asistente de Roy Guest y el dúo realizó algunos conciertos antes de cesar. Sin embargo, fue a través de Julia Creasy que Mike se aseguró su próximo papel profesional como músico. Julia izquierda agencia NEMS para trabajar en empresas Blackhill, el más de moda de la agencia en Londres en ese momento. Blackhill fue dirigido por Peter Jenner y Andrew King, los primeros gestores de Pink Floyd, y tenía tales luminarias de la escena underground del Reino Unido como The Band Edgar Broughton, Syd Barrett y Roy Harper en su lista. Blackhill también representó al ex Soft Machine bajista Kevin Ayers.

Ayers había ponchado en una carrera como solista y ha grabado su álbum debut, “Joy of a Toy”, para la cosecha etiqueta progresiva de EMI en 1969. Un narrador musical, Kevin estaba en la posición de montaje de un grupo de apoyo para el trabajo en directo y grabación. Al comenzar a trabajar para Blackhill Julia Creasy trajo Mike Oldfield en conocimiento de la agencia. A través de la asociación con Blackhill el joven guitarrista asegura una audición como bajista en la banda de nuevo Kevin Ayers. Sin ninguna experiencia como bajista, Oldfield pasó la audición con equipo prestado y en marzo de 1970 se incorporó el saxofonista Lol Coxhill, teclista y arreglista David Bedford y el baterista Mick Fincher en Kevin Ayers y el mundo entero, haciendo su debut en concierto con la banda en la salida del sol Atómica evento Celebración en la Casa Redonda el 14 de marzo.

En abril de 1970 Mike participó en las sesiones de grabación en Abbey Road Studios de EMI, que producirían el álbum “Shooting at the Moon” (lanzado en octubre de 1970) y continuó de gira como miembro de todo el mundo durante todo el verano. Mick Fincher salió a la batería para ser sustituido por Robert Wyatt de Soft Machine y esta formación realizada en un concierto gratuito en Hyde Park el 18 en la misma factura como Pink Floyd julio.

La aparición concierto fue el evento más grande todavía llevada a cabo por Oldfield y pronto se graduó a tocar la guitarra en varios puntos de set en vivo de Ayers, además de realizar las piezas de solo el “Marinero Hornpipe” en la mandolina con gran entusiasmo por el público. Durante este período Oldfield entabló una amistad con David Bedford, que aparte de ser un jugador respetable teclado también fue un arreglista orquestal de nota. A través de Bedford Mike estuvo expuesto a las obras del compositor de vanguardia y su estilo de realización de la composición musical. Poco después de algunos conciertos en Amsterdam en agosto de 1970, Mike comenzó a sufrir de ataques de pánico y se retiró a la casa de su padre en Harold Wood, Essex. Fue allí donde encontró consuelo en la música de compositores clásicos de Beethoven y Bach hasta obras de Sibelius, Bartok y Stravinsky. Enseñar a sí mismo notación musical, Oldfield esbozado sus ideas musicales para piano y guitarra en un cuaderno, la elaboración de su propia forma de notación musical en formato de gráfico similar. A lo largo de este tiempo él continuó actuando como miembro de Kevin Ayers y el mundo entero, pero en la primavera de 1971 sus ataques de ansiedad y un general insatisfacción con el desempeño en la banda llevó a su salida del grupo tras la primera reunión de próximo álbum de Ayers, “Whatevershebringswesing”.

Ayers disuelto todo el mundo y reunió a un grupo en directo nuevo, pronto se acerca Oldfield para unirse a su equipo musical. Donde vivía con sus padres y trabaja en su primer material en solitario rudimentario, Mike aceptó unirse a ‘nuevo grupo con la condición de que no tenía aportación creativa en la disposición de Ayers Ayers material. Para sorpresa de Oldfield, Kevin estuvo de acuerdo con estos términos y audiciones siguientes un nuevo grupo se reunieron comprende David Bedford, el bajista y el baterista Andy Robertson William Murray. Con la nueva banda llegó un nuevo hogar en una casa en los jardines de Westbourne en Tottenham, alquilado por Ayers.

Sin embargo, esta nueva disposición estaba destinada a durar sólo unos meses. En julio 1971 Kevin Ayers había cansado de tocar con su nuevo grupo y aceptó una invitación para visitar al ex compañero de banda Soft Machine Daevid Allen en su Falun nuevo grupo. Coincidentemente, Mike también había comenzado a cansarse de ser miembro de un grupo de apoyo y estaba dispuesto a seguir sus propias ideas musicales. Influenciado por la música de los ciempiés gran conjunto de jazz-rock formado por el pianista Keith Tippett (y con figuras como Julie Tippett (nee Driscoll), Robert Wyatt, Charig Marc, Ian Carr y Dean Elton entre otros) y el álbum “Un Arco Iris en Curved Air “por minimalista compositor norteamericano Terry Riley (una obra de gran belleza e ingenio que ofreció una fascinante secuencia repetitiva teclado), Mike Oldfield comenzó a formular ideas para un trabajo en solitario que más tarde describiría como” una forma de salir de lo mental angustia que sufría en ese momento “.

Dar aviso a los músicos de su banda que iba a salir de su casa en Tottenham, Kevin Ayers Mike ofreció el uso de su Bang and Olufsen BeoCord grabadora de cinta de ¼ de pulgada en el que podía grabar algunas demos de su nueva música. Así, en una habitación con vistas al jardín de una casa adosada en el norte de Londres, un fenómeno musical se esbozó y concebido. Ante el hecho de que la máquina de Ayers era una máquina de cinta estéreo estándar con un sonido básico en instalaciones de sonido, Oldfield ideó un ingenioso método de personalización de la grabadora de cinta en una máquina capaz de básico multi-tracking. Al tomar un destornillador a la máquina descubrió que por algún recableado leve y el bloqueo del cabezal de borrado de la máquina con un trozo de cartón podía grabar un instrumento en una pista en la cinta y el “rebote” de la grabación terminado al mismo tiempo otra pista la grabación de un nuevo instrumento simultáneamente. Este método de registro le permitió construir una pieza de música capa sobre capa de grabación de un instrumento individual a la vez.

Más tarde, Mike reflejaría; “Me encantó la idea de una secuencia musical repetitiva. Pensé que si yo iba a hacer mi propia música que quería tener un riff repetitivo al principio. Usando órgano Farfisa David Bedford Jugué un poco con la idea durante unos minutos y se acercó con un riff que me gustaba. Pensé en ello como un bar en 7/8 bar y una vez en 8/8 o de 4/4. Yo quería hacer algo diferente de un tipo de compás 16/8 y por eso decidí dejar el ritmo XVI. Yo probablemente eligió la tecla A menor porque es la forma más fácil para reproducir en un teclado, ya que utiliza todas las teclas blancas. No pensé en ello durante mucho tiempo, que sólo sonaba bien para mí. Me pareció que el botón de grabación en la máquina Bang y Olufsen y jugó ese riff durante unos cinco minutos más o menos. Escuché de nuevo a él y se metió el riff. En los últimos 35 años he estado tratando de encontrar un riff mejor, pero no puedo, así que he dejado de intentarlo ahora! “

Después de que se establece el riff de teclado Mike overdubbed entonces una parte de guitarra bajo y luego una sección utilizando el árbol para niños campana de juguete. Continuando con el proceso Oldfield eventualmente produjo un demo con siete overdubs que estaba a unos veinte minutos de duración, un gran logro del ingenio y la creatividad. Aunque justamente orgulloso de su trabajo en equipo básico, la reacción a la música que Mike había creado fue recibida con desconcierto general por algunos de los que lo oyeron.

En enero de 1972 participó en sesiones posteriores para “Whatevershebringswesing” Kevin Ayers álbum en los estudios Abbey Road y tuvo la oportunidad de jugar su demo a los músicos reunidos. Aparte de una reacción favorable por parte de David Bedford, la reacción general a la música fue una de silencio perplejo. Sin desanimarse Mike presentó su demo para

Nick Mobbs, A & R de cabeza etiqueta Harvest de EMI, (sede de fichajes de la compañía de rock progresivo), pero después de un poco de consideración la idea de firmar Oldfield y su trabajo a la etiqueta ha sido rechazada. Enfoques similares se hicieron para CBS Records y Registros Pye, sólo para encontrarse con la misma indiferencia. Aún reside en una casa compartida en Tottenham y se enfrentó con la necesidad de ganar un poco de dinero Mike tomó el papel de guitarrista en la primera encarnación de la Sensational Alex Harvey Band. A través del contacto con Alex Harvey Mike también se unió a la banda de la escena musical “Hair”, de la que Harvey era también un miembro. Durante este periodo también formuló nuevas ideas para su demo musical (en este momento se conoce bajo el título de “Opus One”).

Cuando el trabajo con la banda en el escenario “Hair” llegó a su fin Mike fue abordado por Peter Jenner de Empresas Blackhill con la oferta de unirse al grupo de acompañamiento del cantante y guitarrista Arthur Louis, Jimi Hendrix influenció nueva firma a la lista Blackhill que estaba buscando un contrato de grabación. Como parte de este proceso Louis habían reservado en un nuevo estudio de grabación en una casa solariega en Shipton-on-Cherwell en Oxfordshire. “The Manor” estudio era una empresa nueva creada por un joven carismático que había fundado una organización de ayuda estudiantil y la publicación y había abierto recientemente Virgin Records, una empresa de venta por correo que se especializó en los registros de venta de los “progresistas” de los artistas, tanto del Reino Unido y Europa. Fue aquí, en los primeros meses de 1972 que la suerte de Mike Oldfield cambiarían considerablemente.

2. Opus One

Richard Branson era joven emprendedor que ha creado la publicación de gran éxito “Estudiante”, mientras todavía estudiaba en la escuela pública Stowe y en 1970 se había creado el Centro de Asesoramiento Estudiantil en Londres, que dio consejos sobre todo de los derechos de tenencia a los temas de anticoncepción y el aborto. Ese año vio Branson idear una empresa de venta por correo que aprovechar los gustos musicales de la fraternidad estudiantil y los registros de la oferta entre los artistas de la “progresista” y “underground” géneros a un precio reducido, inferior a cualquier tienda de la calle principal. “Estudiante”, la revista dejó de publicarse y atención de Branson se volvió hacia Caroline Orden Correo registros en una base a tiempo completo. A principios de 1971, la operación se había abierto una tienda al final de Oxford Street de Londres bajo el nombre de Virgin Records y había establecido una posición importante en el mercado con la audiencia de compra álbum. Simon Draper, un sudafricano nacido primo de Richard Branson se unió a la compañía. Con Virgin Records apertura tiendas adicionales en el Reino Unido, la idea de abrir un estudio de grabación y sello discográfico comenzó a tomar forma. Con un préstamo de 30.000 libras de una tía, Branson compró Shipton Manor y se dedicó a la tarea de convertirla en un estudio de grabación. Para este fin Virgen nombrado Tom Newman, ex miembro de la banda de rock psicodélico de julio, para supervisar la conversión de The Manor en un estudio. Introducido a Richard Branson por su novia Jackie Byford (que trabajaba para “Estudiante” de la revista), Newman había experimentado también con principios de sonido sobre sonido de la grabación de una manera similar a Mike Oldfield.

Keen en la idea de abrir un estudio de grabación, fue Newman quien formuló el concepto de la Virgen construir un estudio de grabación y fue él quien primero visitó la casa grande en Shipton-on-Cherwell con Richard Branson con el fin de adquirir el edificio después de varios otros locales fueron rechazadas.

Tom Newman se unió a The Manor Studios Pye por el ex ingeniero Phil Newell y un joven ingeniero de grabación aspirante por el nombre de Simon Heyworth a finales de 1971 para comenzar a trabajar en convertir una pista de Squash anterior en un estudio comercial. Con el trabajo de conversión arrastrando Richard Branson tenía ganas de empezar a ver un retorno de su inversión y así mientras que todavía sólo un 4-track estudio de grabación The Manor estudio se llevó su primera reserva de Empresas Blackhill para una sesión para grabar algunas demos de su nuevo fichaje Arthur Louis y su banda. Tom Newman más tarde contaría: “Habíamos hecho más que tiene todo el equipo de trabajo cuando nos dieron un aviso de días que una banda iba a venir a probar el nuevo estudio. Fue una sesión abismal porque las cosas se rompían abajo, pero al final hemos hecho un trabajo encomiable y tiene algo abajo “.

La banda también se utiliza Arthur Louis The Manor como un lugar para ensayar. Es al mismo tiempo hay que Mike Oldfield, contratado como guitarrista bajo para las sesiones de ensayo y demostración, entabló una amistad con Tom Newman. Descubriendo el amor mutuo de construcción y vuelo de aeromodelos Oldfield Newman y entablamos una buena relación. Mike más tarde recordaría: “me di cuenta que podría tener la oportunidad de jugar mis demos a la gente en la mansión. Por desgracia, me había dejado las cintas en casa.

Se lo comenté a roadie Arthur Louis ‘y él muy amablemente se ofreció a llevarme de vuelta a Essex para recoger las cintas y luego llevarme de regreso a Oxfordshire. Se trataba de un viaje de tres horas después. No puedo recordar su nombre ahora, pero

Realmente le debo todo, nada de lo que vino después habría pasado si no hubiera sido por él “. Esta vez, Mike Oldfield se alegró al ver que la reacción a sus demostraciones fue muy positiva. Tom Newman comentaría más adelante: “Yo nunca había oído nada tan bueno como los demos que Mike me jugó. Después de haber escuchado la música que yo sentía que no había un alma gemela en algún lugar “.

Explicando que el estudio Manor todavía estaba sin terminar, Tom Newman ofreció a jugar con las demostraciones de Richard Branson y Simon Draper en Virgin, la idea de la compañía de establecer un sello discográfico todavía algunos meses. Una vez que los ensayos y las sesiones con Arthur Louis terminó, Mike regresó a casa de sus padres en Harold Wood a trabajar en nuevas ideas musicales y creció más abatido por la semana. Era como su estado de ánimo se encontraba en su punto más bajo cuando Mike fue llamado por Simon Draper invitándolo a unirse a él y reunirse con Richard Branson. Organizar a reunirse en la oficina encima de la tienda de discos Virgin en Notting Hill Oldfield se reunió con Simon Draper y fue llevado al barco de la casa de Richard Branson en la Pequeña Venecia a cenar para discutir la posibilidad de convertir demos de Mike en un álbum. Simon Draper más tarde recordaría: “Yo había venido primero al otro lado de Mike, cuando fue a tocar el bajo para Kevin Ayers y el mundo entero. Entonces, cuando él estaba haciendo una sesión de trabajo en The Manor jugaba Tom Newman y Simon Heyworth (que se ejecuta el estudio), esta cinta de su música.

Quedaron impresionados, por decirlo suavemente, y jugó la cinta para mí. Pensé que era asombrosamente bueno.Fue realmente increíble porque era los primeros veinte minutos enteros de “Tubular Bells” más o menos como aparece en el registro final. Copiando el equipo de casa era más o menos en su infancia en aquel entonces, pero al poner pequeños trozos de cartulina encima de las cabezas de grabación de esta grabadora pequeña de cuatro pistas que de alguna manera había logrado crear un registro en su domicilio, este maravilloso complejo de música “. Al final de la cena Richard Branson acordó conceder una semana de tiempo de estudio en The Manor para grabar la primera parte de Mike Oldfield “Opus One”.

En noviembre de 1972 Mike regresó a la casa y me pareció un lugar muy diferente al estudio que había visitado unos meses antes. Para entonces, el estudio estaba equipado con los últimos equipos de grabación de 16 pistas y había comenzado a tomar reservas por artistas consagrados como John Cale. The Mike instrumentos habían solicitado fueron entregados y se comenzó a trabajar en convertir demos rudimentarias en un álbum. La transferencia de la cinta frágil demo original en una cinta de cuatro pistas, como primer paso, Newman y Heyworth escuchó una vez más a la música y decidió la forma de proceder en la grabación de una obra donde se juega casi cada instrumento por Mike Oldfield.

El primer instrumento que se registró fue un piano Steinway Grand. Mike recordó más tarde: “Me empezó a tocar el riff de apertura sin incluir el soporte. Me empezó a añadir un par de cosas, pero mi tiempo no era muy bueno y lo justo no estaba funcionando. El problema de tiempo se resolvió al día siguiente por Simon Heyworth quien sugirió poner un metrónomo en otra habitación al lado de un micrófono y enviar el clic a mí a través de mis auriculares. A partir de ahí todo empezó a reunirse. Había tenido un más de un año para resolver todas las partes de la pieza y todo muy bien construido, con la adición de las guitarras eléctricas de doble velocidad “.

Las sesiones se han añadido a la presencia del campo de Jon del Jade Warrior banda que proporcionó piezas de flauta. También fue invitado contrabajista Lindsay Cooper (una vez violonchelista con los Strawbs) cuya presencia se hizo sentir también. Para la sección culminante de la pieza que había sido la intención de Mike para tener un acorde en el órgano a levantarse a un clímax. Con una inflexión tonal en un teclado en una cosa del futuro una ingeniosa manera de lograr este efecto se diseñó. Un acorde órgano se registró y se convirtió en un bucle de cinta. Este bucle se colocó a continuación en una máquina de cinta que se acelera gradualmente hasta alcanzar la velocidad correcta dando la impresión de un acorde ascendente.

Debido a que el estudio fue fichado también por la Bonzo Dog Band que se había reformado para grabar el álbum “Vamos a hacer y ser amable”, el tiempo de grabación fue muy limitada. Con el tiempo de un día de grabación de la izquierda la sección final repetitiva de la pieza registrada, una sección que aumenta gradualmente en intensidad con numerosos overdubs de guitarra de la riff principal. Con Mike sensación de que el final de la pieza necesaria la presencia de otros pensamientos instrumento se volvió a encontrar una opción adecuada. Recordar que John Cale había utilizado un conjunto de campanas tubulares durante sus sesiones en The Manor, Oldfield sugirió que los utilizan.

Varios se han intentado, pero Mike no estaba contento con los resultados finales. Más tarde recordó: “Yo no estaba contento con el sonido de las campanas y así que le pregunté si había un martillo que podía usar. Esto todavía no dio el efecto deseado y para que alguien encontró un martillo muy grande en el garaje del estudio. Tom había estado jugando con un compresor de edad y poner esto en marcha. Golpeé las campanas con este martillo grande y hacerse un hueco enorme en una de las campanas. Hizo un sonido increíble, y aunque pensé “que me gusta más”. Fue sólo porque esas campanas ya estaban en el estudio que me decidí a utilizar “.

El último día de las sesiones también produjo la idea de introducir cada instrumento a su vez en el final de la pieza.Mike recordó una Bonzo Dog Band pista llamada “La Intro y Outro el” en el que miembros de la banda Vivian Stanshall presentó a los miembros de una banda surrealista. Con Stanshall de cenar en la habitación al lado del estudio Simon Heyworth le preguntó si iba a actuar como maestro de ceremonias en la grabación. Tres décadas más tarde Mike recordaría: “Viv era una especie de superestrella en esos días. Yo no podía creer lo que estaba de acuerdo para hacerlo. A pesar de que era un poco peor para beber era encantador y respetuoso. Yo escribí todo lo que fuera para él y señaló a cada línea cuando era el momento de introducir cada instrumento. Él realmente se metió en el espíritu de la misma y lo hizo en una sola toma. Cuando dijo “además de las campanas tubulares!” Era simplemente perfecto.Durante esa larga sesión consumimos cantidades de Guinness “.

El consumo de Guinness surgió la idea de grabar “Hornpipe del marinero”, una de las favoritas de Mike en vivo durante días con Kevin Ayers y el mundo entero. Configuración de los micrófonos a lo largo de los pasillos de la mansión, y Oldfield Newman siguió a un intoxicado Stanshall Viv a lo largo de los pasillos jugando la melodía tradicional, mientras que el líder de Bonzo Dog asumió el papel cómico de un locutor de radio inspeccionar objetos reales y ficticios.

Mike ahora recuerda: “Yo había oído hablar de esta nueva tecnología llamada sonido cuadrafónico, así que pensé que sería genial para poner micrófonos alrededor de la casa solariega y registrar yo mismo, Tom y Stanshall Viv caminar alrededor de la casa jugando Hornpipe del marinero con Viv hablando un comentario acerca de la casa. El movimiento de todos nosotros puede desplazarse por los cuatro altavoces como si estuviéramos realmente en movimiento alrededor de la casa. Al final resultó que, cuadrafónico fue una decepción en ese momento y también Viv no podía seguir porque el cable del micrófono se enredó. Ahora con sonido envolvente 5.1, es posible para tener una escucha lo que originalmente pretendía “.

El alivio de la luz sobre la tarea de mezclar la pieza se mantuvo. Mike recordó más tarde: “Tuvimos una pieza de música que tenía veinte cuatro minutos de duración y que sólo tenía el resto de la noche para hacer una mezcla para Richard Branson y Simon Draper escuchar. Durante ese largo período de sesiones, además de consumir cantidades de Guinness, aprendí cómo funcionaba una mesa de mezclas. Terminamos esa mezcla áspera justo cuando el sol se acercó y me puso a dormir “.

Con la Bonzo Dog Band ahora en residencia en el estudio de Mike Oldfield se mantuvo en The Manor. Unos días más tarde Simon Draper oyó la mezcla aproximada de la primera parte de “Opus One”. Más tarde contaría: “Tan pronto como lo escuché me quedé boquiabierto”. Impresionado con el resultado final Draper y Branson consentido Mike completar un álbum mediante el registro de una segunda parte de la obra en The Manor en “tiempo libre” en la noche cuando otros actos no estaban usando el estudio. Por ahora se fraguaron planes para lanzar Virgen como un sello discográfico.

Gran parte del trabajo en la segunda parte de “Opus One” se llevó a cabo en la noche con Simon Heyworth ingeniería.Overdubs vocales se llevaron a cabo con Sally Oldfield y Mundy Ellis para completar la parte final de la primera parte grabada en la sesión de un día intenso siete. También se ha añadido era una parte de guitarra acústica hermosa que sirvió como colofón a la primera parte.

Gran parte de la música para la segunda parte del álbum fue creado en el tiempo de parada en la mansión. Algunas secciones habían comenzado su vida como ideas en 1971, como la sección conocida como “Caveman”. Las partes mandolina hermosas que precedieron a esta sección había comenzado como un demo, unos meses antes, con las mandolinas velocidad terminados dobles suenan magníficas. Para el “hombre de las cavernas” sección Steve Broughton, baterista de la banda de Edgar Broughton, fue llamado a contribuir con sus conocimientos de percusión.Tanto Kevin Ayers y el de Broughton había sido parte de la cuadra Blackhill de artistas y fueron ambos firmados a la etiqueta Harvest de EMI, y parte de tambores de Steve fue grabado que acompaña línea Oldfield guitarra baja. Cuando overdubbed con guitarras eléctricas y acústicas esta sección fue uno de los aspectos más destacados de la segunda parte.

Las sesiones de grabación fueron interrumpidas por la llegada de otra banda que había reservado The Manor bloque y con la llegada de la Navidad. Con la vida en casa de sus padres en Essex demostrando traumático fue con cierto alivio que Oldfield volvió a los confines de The Manor en febrero de 1973 para completar el trabajo sobre su álbum. La sección que se conocerá como “Caveman” tomó nueva vida cuando Mike overdubbed Neanderthal-como ruidos gritando. Se pretendía que la sección final de la segunda parte “Opus One” comprendería el “Marinero Hornpipe” grabación realizada con Viv Stanshall el año anterior, pero esto fue considerado más tarde sería demasiado extraño concepto para cerrar un disco tan radicalmente diferente, por lo que la pieza fue vuelto a grabar en un estado más sobria de una manera más convencional.

La mezcla final del álbum resultaría ser un proceso complicado. Mucho antes de los días de mesas de mezcla automatizada, las sesiones participan las manos de Newman, Oldfield, Heyworth y otros dos. Con efectos diferentes que se aplican en las diferentes secciones de cada parte se mezcla debía llevarse a cabo en un solo paso de la cinta multi-pista y se ensayaron varias veces, al igual que la preparación de una actuación en directo. El más mínimo error por una sola persona significa que todo el proceso tenía que comenzar desde el principio otra vez. Las hojas de la vía (que dio detalles de dónde eran los instrumentos en cada pista de la cinta) se detallaron increíblemente por más de un instrumento que ocupa una pista individual. Otro problema era que la cinta multipista había pasado por la cabeza de la máquina de cinta tantas veces por el proceso de bobinado y rebobinado de que habían empezado a llevar a cabo. A pesar de tanta adversidad, en la primavera de 1973 se terminó la mezcla y el álbum fue terminado.

Richard Branson y Simon Draper tomó el álbum a la conferencia de negocios anual de música MIDEM en Cannes, donde las compañías discográficas de todo el mundo se reunieron para presentar sus productos. Los oyentes de las grabaciones expresó sus dudas acerca de la viabilidad de lanzar un récord debido a la naturaleza instrumental de la obra. Branson aunque sea brevemente consideró agregar letras y voz a la grabación, pero después de mucha preocupación comprensible desde Oldfield esta idea pronto fue dejado de lado por suerte.

3. Tubular Bells

Con el trabajo en el álbum terminado y un conjunto fecha de lanzamiento, los pensamientos ahora se volvió a dar un título a las grabaciones conocidas por todos los que trabajaron en ellos como “Opus One”. Mike Oldfield recordó: “Todo el mundo estaba un poco enojado conmigo porque yo no podía pensar en un nombre para el álbum. Richard Branson tenía una foto de un huevo duro que parecía haber sangre rezuma si en vez de una yema. Estaba pensando en llamar al álbum “Breakfast in Bed”. Yo había sido introducido en el Trevor Key fotógrafo que se especializó en la toma de fotografías en blanco y negro de objetos cromados. Iba a diseñar la cubierta. Vino a verme a Harold Wood y después de un breve debate se nos ocurrió la idea de tener la imagen de una campana que había sido destruido de alguna manera en la manga como una referencia para mí abollar la campana durante las sesiones de grabación. Fue entonces cuando se me ocurrió la idea de llamarlo “Tubular Bells”. Llamé a Richard y todos coincidimos en que era un buen título. Trevor bajó a la costa sur y fotografiado una imagen de algunos huesos ardientes en una playa y luego superponer esa fotografía con una imagen de un modelo que había hecho de una campana retorcida. Cuando lo vi pensé que era simplemente perfecto “. Un poco de humor también se agregó una declaración en la manga trasera del álbum que se declaró “Este disco estéreo no se pueden reproducir en cajas de hojalata antiguos no importa lo que ellos están equipados con. Si usted está en posesión de dicho equipo por favor entregarlo a la estación de policía más cercana “.

Así, el 25 de mayo de 1973, “Tubular Bells” de Mike Oldfield fue lanzado como Virgin Records V 2001. Simon Draper más tarde reflejaría, “Desde el día que me introdujo” Tubular Bells “a la fuerza de ventas de Island Records, que junto con EMI, estaban distribuyendo nuestros registros para nosotros, todo el mundo pensó que era fantástico. El álbum acaba de despegar y se acentuó de manera masiva porque era tan extraordinario, tan diferente de cualquier otra cosa que se había ido antes de él “.

Las ventas del álbum comenzó a despegar cuando respetado DJ de radio John Peel, quien quedó impresionado enormemente por el registro, jugó los dos lados del álbum en su radio BBC One show. Pelar también escribió una reseña del álbum “The Listener” de la revista, afirmando: “Sin pedir prestado cualquier cosa, desde los clásicos establecidos o descender a las discordias, chillidos y eructos de la determinación avant-garde, Mike Oldfield ha producido música que combina lógica con sorpresa , sol con lluvia “. De la prensa semanal de música Steve Peacock en “Sonidos” declaró: “Yo acabé convencido de que lo que realmente es un álbum notable – y eso no es un adjetivo que estoy usando a la ligera”.

Para el “Melody Maker”, Geoff Brown escribió: “Es un álbum agradable y evocador que es un buen augurio para el futuro de la nueva etiqueta del país, y de Mike Oldfield”.

Richard Branson y Simon Draper decidieron que otra manera de presentar el disco a más periodistas y público en general fue un organizando un concierto de la obra en el Queen Elizabeth Hall de Londres. “Cuando Richard me dijo que tenía que hacer un concierto de” Tubular Bells “hundieron mi corazón. Yo no podía ver cómo la música puede llevar a cabo en un entorno en vivo. Al principio me negaba a hacerlo “, recuerda Mike. Considerando sus opciones Richard Branson sugirió un compromiso. Más tarde recordaría: “Habíamos ido a ver una gran cantidad de músicos célebres, jugó cada uno de ellos” Tubular Bells “, y los convenció para jugar a este concierto único, pero Mike dijo que no podía ir a través con él sino que simplemente no podía hacerlo. Ya sea a través de un flash de instinto o desesperación, recordé que Mike quería que mis Bentley viejos hermosos que yo había comprado a George Harrison.Le dije: “Mira Mike, si lo hace el programa que puede tener mi coche”. El bloqueo psicológico de alguna manera se solucionó porque él miró hacia arriba y dijo: “Está bien, lo voy a hacer”, para mi gran alivio “.

Un elenco de músicos como el guitarrista Mick Taylor de los Rolling Stones, el guitarrista Steve Hillage, el baterista Steve Broughton, el guitarrista Fred Frith de Henry Cow, Bedford David, Stanshall Viv y el guitarrista Ted Speight se reunieron en Shepperton estudios de cine para ensayar. Oldfield más tarde reflejó: “Yo estaba de pie detrás del escenario en el Queen Elizabeth Hall y estaba absolutamente aterrorizada. Para mí la música no había sonado bien en los ensayos y estaba convencido de que iba a caer mal. Mick Taylor trajo Mick Jagger en mi camerino y él era un gran apoyo. Eso me dio la confianza para caminar por lo menos en el escenario. Cuando el concierto terminó, me quedé de piedra cuando todo el público se puso de pie y aplaudió. Una vez que el concierto había terminado huí en Bentley Richard Branson “. La reacción crítica al concierto fue abrumadora. El 14 de julio de 1973 “Tubular Bells” entró en las listas británicas, donde iba a permanecer durante 264 semanas, un logro asombroso.

La experiencia de la realización de “Tubular Bells” había sido una desagradable para Mike Oldfield. Se negó a realizar conciertos adicionales, aunque consintió en grabar una interpretación de “Part One Tubular Bells” para la BBC TV programa “Casa 2”, grabado el 30 de noviembre de 1973. Difunden el día siguiente, el rendimiento ofrecido un conjunto musical diferente a la Reina Elizabeth Hall de conciertos.

El éxito del álbum fue impulsado aún más cuando el director William Friedkin seleccionado el tema de apertura de la primera parte de “Tubular Bells” para su inclusión en la película “El exorcista”. Atlantic Records manejado versiones Virgen en los EE.UU. en

ese momento y pidió a liberar un fragmento de “Tubular Bells” como un sencillo. Publicado bajo el título “Theme Mike Oldfield al exorcista”, esta edición solo fue lanzado el 23 de febrero de 1974 y alcanzó el número 7 en la lista Billboard de EE.UU.. Aunque el single fue el factor que contribuye al éxito del álbum en Estados Unidos, la edición no había sido aprobado por Oldfield, que fue de lo más contento con la puesta en libertad. Ahora reside en el pueblo de Kington en Herefordshire en una casa llamada The Beacon, Oldfield rehuido de la luz cegadora de la publicidad, la instalación de equipos de grabación e iniciar el trabajo en su próximo álbum.

Como respuesta al lanzamiento del single de EE.UU., Mike volvió a grabar la sección mandolina tranquilo a partir de la segunda parte de “Tubular Bells”, con Lindsay Cooper músico de oboe Henry Cow juego. Treinta y cinco años más tarde, Mike recuerda “No puedo recordar dónde estaba en ese momento pero Richard Branson me llamó y dijo que había estado hablando con George Martin y George que tenía una idea para un único que podía hacer para promover” Tubular Bells “. Mi recuerdo es que Richard puso a George en el teléfono y en la medida de lo que recuerdo George me dijo que debía hacer una pista usando la sección Celtic Tímpano de la segunda parte con guitarras acústicas y tal vez un oboe. Yo estaba un poco sorprendido por haber hablado con el gran George Martin, pero eso es lo que hice, de alguna manera, en algún estudio, en alguna parte? De todos modos he mejorado un poco en el 2009 y ahora me gusta mucho “.

La canción fue lanzada como el lado A del single 101 VS Virgen el 28 de junio de 1974 bajo el título de “Single Mike Oldfield (Tema de Tubular Bells)”. Mientras que el éxito norteamericano de “Tubular Bells”, dirigido a aumentar la demanda de Mike Oldfield para viajar a los EE.UU. de gira, rechazó todas las ofertas. En su casa de Herefordshire estaba trabajando duro en la música que se convertiría en el álbum “Hergest Ridge”.

“Tubular Bells” es un álbum icónico que desafió los prejuicios establecidos de lo que se podía lograr con la tecnología de estudio de la época. El éxito de la discográfica era efectivamente la piedra angular sobre la cual la Virgen se convirtió en un nombre muy conocido y una de las marcas más reconocidas en el mundo. Lo más importante de todo, “Tubular Bells” introdujo el registro público a comprar el genio musical de Mike Oldfield. Treinta y seis años después, Mike ha vuelto a la original de grabaciones multipista una vez más para producir nuevo equipo de música maravillosa y 5.1 Surround mezcla los sonidos de su obra seminal y “Tubular Bells” sigue siendo tan fresco y vital como un pedazo de la música como lo fue cuando apareció por primera vez.

Mark Powell

(Con agradecimiento a Mike Oldfield)

Fuente original en inglés : http://blog.bowers-wilkins.com/music/exclusive-tubular-bells-studio-quality-downloads-including-a-5-1-version/

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