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40º aniversario de ‘Animals’: El significado oculto del disco más agresivo y cínico de Pink Floyd

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‘Animals’, lanzado entre dos discos colosales como son ‘Wish You Were Here’ (1975) y ‘The Wall’ (1979), a menudo ha sido relegado a un segundo plano dentro del legado de Pink Floyd. Yorgos Goumas reivindica este interesantísimo LP que cumple 40 años de vida.

El contexto

A mediados de los 70 corrían tiempos turbulentos en Albión: la crisis energética y la importación de bienes asiáticos de bajo coste hicieron que el sector industrial estuviera en un punto crítico, que el desempleo y la inflación subieran sin control y que los sindicatos convocaran grandes huelgas que paralizaron el país, con el consiguiente descontento y agitación social, sin que el gobierno Laborista pudiera afrontar los problemas de manera adecuada (algo que llevó al Partido Conservador de Margaret Thatcher a ganar las elecciones en 1979).

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Paul Cook y Johnny Rotten de Sex Pistols usaron a Pink Floyd como punching bag a la hora de transmitir su discurso de ruptura con lo establecido

A nivel musical, dicha agitación social y la falta de perspectiva por parte de los jóvenes, a la par que el descontento con la música rock imperante del momento (considerada como una entidad que se miraba a su propio ombligo, sin conexión con la realidad social y transformada en un dinosaurio burgués, anquilosado en el pasado y perdido en las pajas mentales del rock progresivo, muy de moda por entonces), condujo al nacimiento del punk. De repente, todas las vacas sagradas del rock se encontraron bajo el escrutinio y el desprecio de los jóvenes; todo lo que sonaba a rock sinfónico y/o progresivo automáticamente era tachado de anticuado y pretencioso. Son notorias las camisetas de Pink Floyd que llevaban los miembros de Sex Pistols en las que añadieron de manera casera la frase “I Hate” (odio).

La banda de Waters, Gilmour, Wright y Mason no pasaba por su mejor momento: su contrato con EMI (curiosamente el mismo sello que iba a fichar de manera muy breve a los Sex Pistols poco después) había expirado, así que en 1975 decidieron construir su propio estudio (Britannia Row Studios). Una de las condiciones sine qua non para la banda a la hora de grabar era contar con acceso a un estudio sin limitaciones de horario, lo cual no solamente afectó la situación financiera de la banda, sino que contribuyó al sonido más crudo del ‘Animals’, debido al equipo barato con el que equiparon el estudio para ahorrar costes.

Por otra parte, el estratosférico éxito del ‘Dark Side of the Moon’ (1973) y ‘Wish You Were Here’ (1975) llevó a la banda, sobre todo a Roger Waters, a cuestionar su propia existencia: giras interminables por grandes estadios, la inevitable intervención de los ejecutivos de la discográfica pidiendo que hicieran música más comercial para engordar así sus propias cuentas bancarias (un rencor que ya se reflejaba en temas como “Welcome to the Machine” y “Have a Cigar”) y el cambio de la actitud de los fans tuvieron un profundo impacto en la psique de la banda. Rogers y Gilmour empezaron a contemplar la posibilidad de, incluso, disolverla: opinaban que el grupo había conseguido su metas y no tenía nada más que ofrecer a nivel artístico. Se sentían presos de su propio éxito y de los apetitos de un público cada vez más amplio; más desconectado de la esencia de la banda.

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Si antes en sus conciertos se observaba un silencio reverencial por parte de unos fans que entendían que sus shows no eran una mera ejecución de temas, sino de un concierto conceptual que incluía proyecciones y la transmisión de un determinado mensaje, ahora veían como la gente sólo les conocía por sus éxitos en la radio y sólo acudían a sus conciertos para escucharlos mientras se emborrachaban. Por si eso fuera poco, ellos mismos se estaban transformando lentamente en aquello que ellos mismos repudiaban: unos burgueses acomodados por obra y gracia del dinero inyectado por las ventas millonarias. Waters se aficionó al golf, David Gilmour a pilotar aviones, Rick Wright a navegar su propio velero y Nick Mason a coleccionar coches vintage de carreras. Entre tanto, se convertían en propietarios de bienes inmobiliarios tanto en Inglaterra como en extranjero. Todas esas contradicciones abonarían lo que iba a suceder a continuación.

Gestación y concepto del disco

La banda entró en el estudio en abril de 1976 con casi la mitad del material. Dos temas que se habían quedado fuera de las sesiones del ‘Wish You Were Here’ y que ya habían sido tocados en directo, “Raving and Drooling” y “You’ve Got to be Crazy”, fueron reconstruidos para convertirse en “Sheep” y “Dogs”, respectivamente. Dicho sea de paso, Waters aprovechó las distracciones del resto de la banda (Gilmour siendo padre y Wright envuelto a un divorcio) para tomar las riendas creativas, ya que con la excepción de una parte de “Dogs”, toda la música y las letras llevan su firma. Los padres de Waters eran de ideología socialista (la muerte de su padre, un objetor de conciencia, que aún así se alistó y pereció en la batalla de Anzio en 1944, le marcó para siempre) así que, por primera vez en la historia de la banda, pudo expresar de manera abierta sus puntos de vista progresistas. Tomó como referencia la novela de George Orwell, ‘Rebelión en la Granja’ (1945) y, aunque la novela era una crítica del régimen estalinista en la Unión Soviética, Waters se explayó a gusto en contra del sistema sociopolítico occidental capitalista (o neo-liberal, como se dice actualmente) usando a los tres animales. Los perros, los cerdos y las ovejas serían los representantes de las tres clases sociales prominentes.

Curiosamente, el único tono discordante con la agresividad y crudeza del disco viene con las dos partes del tema “Pigs on the Wing”, con el que se abre y se cierra el disco. No solamente es un tema breve y acústico, sino que además es el primer tema de amor en la discografía de la banda: aparentemente, Waters se inspiró en su entonces esposa Carolyne Christie, una de las muy pocas personas que podían no solamente penetrar en su cerrado y oscuro universo, sino retarle a nivel intelectual, tal como afirman los allegados de Waters, Nick Mason incluido, quien además añade que fue ella la que domó por primera vez la fiera que llevaba dentro el multiinstrumentista. El tema sirve como un faro de esperanza y ternura ante tanto cinismo y oscuridad, señalando al amor como el refugio del hombre moderno ante la inhumana sociedad, en la que el hombre es el lobo para el hombre, tal y como dijo Plauto.

El tema “Dogs”, de 17 minutos de duración, es el más cínico del disco, valga la redundancia ya que “cínico” proviene del griego antiguo kynos (perro). En él, los canes representan a la gente despiadada, sobre todo en el ámbito de los negocios, quienes hacen todo lo que está dentro de sus posibilidades lícitas e ilícitas para alcanzar el éxito. Son los depredadores de la época moderna y han transformado la sociedad para que en ella rija la ley del más fuerte y la desconfianza en nombre del poderoso caballero de Quevedo: Don Dinero. Sin embargo, toda esa lucha encarnizada para obtener el éxito materialista no llevará a ninguna parte, ya que algunos de ellos serán devorados por otros perros más fieros o acabaran muriendo solos, ya que en su ascenso feroz y despiadado hacia la cumbre se han quedado sin amigos.

Aunque en apariencia tuvieron una vida exitosa, en realidad ha sido miserable, teniendo que joder la vida a sus competidores en la disputa (carrera de ratas, como la llaman los anglosajones). Básicamente, vivieron su vida siguiendo los caminos dictados por los cerdos, la clase dominante, y no siguieron sus propios sueños y aspiraciones; consiguieron el éxito material a cambio de su alma: sembraron lo que cosecharon. Musicalmente hablando es el tema más progresivo del disco, con varias secciones que alternan entre lo místico y lo visceral. Contiene algunos de los mejores riffs de Gilmour y, en cierto modo, el duelo vocal de Waters-Gilmour representa la inminente fricción entre los dos músicos.

Los cerdos del tercer tema, “Pigs (Three Differente Ones)” representan la clase dominante. En el disco se dividen en 3 categorías, aunque solo la tercera acaba teniendo nombre y apellido: Mary Whitehouse, activista ultraconservadora que condujo varias campañas en contra de los cambios morales durante los años 60, cambios que percibía como una degradación de los valores tradicionales británicos; previamente, atacó a la banda como uno de los agentes de dicha “degradación”. Además, abogó por la censura de la violencia y del sexo en los medios de comunicación, y fue precursora del Parents Music Resource Center de Tipper Gore en los años 80.

Contexto marcado, se cree que la primera categoría son las grandes corporaciones, la segunda, sus lacayos los políticos; y la tercera, los adalides de la superioridad moral reflejados en las autoridades religiosas y los ultra-conservadores laicos. El lazo común entre las tres categorías es la hipocresía: muestran de cara a la sociedad una fachada amable y respetable, pero en realidad usan los perros como instrumentos para alcanzar sus fines.

Por otra parte, los adalides morales proyectan su disposición hacia los cambios que llegan con los nuevos tiempos, precisamente para ocultar su propio miedo ante ellos, ya que saben que pronto sus monsergas conservadoras acabarán en el cubo del reciclaje de la historia. Los cerdos son hipócritas y cobardes porque no se atreven manchar sus manos con el trabajo sucio que hacen los perros aunque, en lo más profundo de su alma, disfrutan de manera morbosa con la violencia y la impiedad de la sociedad hacia el prójimo más débil: las ovejas. A nivel musical, aparte del ritmo pseudofunky (con reminiscencias del “Have a Cigar”) y el uso del vocoder, lo que más destaca es el solo de Gilmour, posiblemente el más feroz de su discografía: sencillamente explosivo.

Las ovejas, “Sheep”, son el proletariado: la gente simple y trabajadora que vive en un mundo creado por los cerdos, donde se les oculta, a través de la manipulación y las distracciones mediáticas y religiosas, el hecho de que todo lo que hacen sólo sirve para que sus amos se enriquezcan a su costa, mientras que ellos sólo pueden contar con lo justo para sobrevivir mientras malgastan su vida en los medios de producción. Están encantados con lo que tienen y, además, no dudan en obedecer a sus amos, incluso hasta involucrarse en contiendas bélicas sin sentido para poder preservar las migas que les echan sus amos y que ellos, dentro de su ignorancia voluntaria o inducida, perciben como privilegios.

Sin embargo, de vez en cuando, las ovejas se sublevan (en este caso usando artes marciales) para derribar a sus opresores, los perros, y se ocupan de los medios de la producción, que al fin y al cabo son suyos… aunque todo es un circulo y los oprimidos llegan a ser los nuevos opresores, paradoja que se acentúa en el disco con la segunda parte del “Pigs on the Wing”, dejándonos con la impresión de que la verdadera revolución yace en el amor, que es la única manera para sobrevivir el yugo capitalista.

La ausencia de una conclusión contundente, de una explicación acerca de cómo hacer la sociedad más humana y justa, hacen de este tema el más marxista y a la vez el más nihilista y cínico de Waters. Básicamente, lo que nos dice es que sólo se puede sobrevivir a este mundo capitalista aguantando y aceptando lo que se nos viene encima, aprovechando las migajas que los cerdos nos echan desde arriba y comportándonos como unas ovejas obedientes: no hay salvación para los proletarios y las cadenas sólo cambian de propietario. Muy poderoso resulta ser también el simbolismo de recitar a través del vocoder y la manipulación de la letra del salmo 23 del Antiguo Testamento para que se adaptara al contexto de la canción, mientras que a nivel musical contamos con más riffs incendiarios por parte de Gilmour, la discreta similitud de la línea de bajo con la del tema “One of These Days” y la ingeniosa mezcla de la voz de Waters con el sintetizador.

La portada

pink-floyd-animals-portadaDesde luego, se trata de una de las portadas más icónicas y reconocibles de la historia del rock. Waters, su ideólogo, quiso ilustrar el desolado paisaje industrial, resultado del uso desaforado capitalista de los medios de producción (merecen una versión aparte las connotaciones fálicas de las cuatro chimeneas). Como modelo, le sirvió la central termoeléctrica del Battersea en Londres, el edificio de ladrillos más grande de Europa, que ya había aparecido en la película ‘Help’ (1965) de los Beatles. La idea de Waters también incluía la aparición de un cerdo volando por encima de la central, cuyo simbolismo era precisamente que habría una solución a todos los problemas que acarea el sistema capitalista “cuando vuelen los cerdos”, una expresión anglosajona usada para denotar la imposibilidad de que algo ocurra (una muestra más del nihilismo de Waters).

Waters insistió que la foto debería ser real sin nada de montajes, así que los encargados de dar forma a la visión de Waters serían una vez más Storm Thorgerson y su equipo de diseño gráfico, Hipgnosis, autores de varias portadas icónicas de discos de rock y Jeffrey Shaw, diseñador de Algie, tal como se llamaba cariñosamente el cerdo volador que tenía 12 metros de largo cuando se inflaba con helio y que fue construido por la misma empresa alemana que en pasado construyó los famosos dirigibles.

Es muy famosa la simpática historia de cómo el cerdo se libró de sus ataduras el segundo día de las sesiones fotográficas por culpa del viento y puso en alarma a los controladores del aeropuerto de Heathrow, ya que entró en las rutas de aterrizaje de los aviones comerciales. Los pilotos, quienes informaron acerca del avistamiento de un cerdo volador a 20,000 pies, fueron sometidos pocas horas después a diferentes pruebas de alcoholemia. Cabe añadir que el primer día de la sesión habían contratado a un tirador experto para que desinflara al cerdo una vez acabada la sesión, pero debido al poco satisfactorio resultado de las fotos, decidieron repetir la sesión el día siguiente, pero esta vez sin el tirador, para mantener los costes bajos… justo cuando más le necesitaban. Finalmente, una vez recuperado Algie de un campo en Kent, a unos 40 kilómetros de Londres, se hizo una tercera sesión de fotos pero, irónicamente, la portada acabo saliendo un montaje (tal como había sugerido Thorgeson) con la foto de la estación de la primera sesión y una foto de Algie de la tercera. Aún así, es infinitamente mejor que las dos ideas originales: una iba a mostrar a un niño sorprendiendo a sus padres en su habitación mientras copulaban como animales; la otra mostraba a tres patos clavados en una pared como muestra de la naturaleza animal humana. También hay que decir que la megalomanía de Waters ya empezaba a hacer estragos entre sus colaboradores, ya que hubo una discusión acerca de los créditos del diseño, algo que hizo que Storm no volviera a colaborar con la banda (que por otra parte eran amigos desde los tiempos de colegio) hasta el disco ‘Momentary Lapse of Reason’ de 1987.

Legado

poster-pink-floyd-in-the-fleshEste disco es considerado como la respuesta de Waters al movimiento punk, como un intento de mostrar que él también sabía reflejar y cargar en contra del zeitgeist de entonces… y solo menciono a Waters porque el resto de la banda, o no veía con buenos ojos sus letras cargadas ideológicamente (Gilmour), o simplemente no tenía la mente como para involucrarse en el proceso creativo (Wright). Aún así, están de acuerdo de que aquel fue el último disco que se forjó con el esfuerzo colectivo de la banda, tocando e improvisando en el local de ensayo antes de que Waters empezara a comportarse como un dictador, irónicamente con el mismo comportamiento totalitario que él mismo tanto odiaba. Aquellas sesiones también supusieron el principio del fin de Wright como miembro oficial de la banda (a partir de allí y hasta el ‘The Division Bell’ de 1994 aparecería en los créditos como músico adicional).

El disco, con solo 3 temas de más de 10 minutos (“Pigs on the Wing” sirve como intro y outro), fue concebido como una manera de hacer la peineta a los ejecutivos, que les pedían temas apropiados para la radio. Aún así, el disco llegó a vender más de 4 millones de copias sólo en EE.UU.. Algie también pasó a formar parte de la iconografía de la banda a nivel de directos, ya que aparecería en varias formas flotando por encima del público. Cuando Waters dejó la banda en 1985 y empezó a usar a un cerdo inflable en sus directos como solista, Gilmour y compañía decidieron usar un cerdo con genitales como respuesta.

Sin embargo, la consecuencia más importante a nivel artístico surgió durante la siguiente gira. Waters se dio cuenta de que no solamente la banda se había convertido irónicamente en una generadora de dinero para promotores, agentes, managers y ejecutivos, sino que también se sentía cada vez más desconectado de los fans. Ahora sólo tocaban en grandes estadios donde era imposible generar una comunión con el público; posteriormente, descubrieron que los promotores metían mucha más gente de la pactada.

Además, era imposible ofrecer un directo en condiciones, es decir, transmitir su mensaje, ya que cualquier cosa que tenían que decir se perdía entre petardos y gente borracha que sólo acudía allí porque un concierto de Pink Floyd era un evento social: algo para presumir con los colegas. En otras palabras, se habían convertido justo en lo que el mismísimo Waters aborrecía: unos perros al servicio de los cerdos que entretenían a las ovejas, acusación esgrimida por el movimiento punk.

Waters empezó a despotricar en contra del público ruidoso a lo largo de aquella gira que se hizo llamar “In The Flesh”. El colmo llegó en el último concierto de la gira, el 6 de julio de 1977 (minuto 33:30) en el estadio olímpico de Montreal: un Waters harto de todos y de todo acabó escupiendo a un fan borracho que intentaba subir al escenario. Aquel incidente le hizo reflexionar acerca de su actitud frente al estrellato y los fans, y empezó a hacer bocetos de un muro que se levantaría entre la banda y el público, enfatizando así el sentimiento de alienación que imperaba en la mente de Waters. Un concepto que dos años más tarde se transformaría en otro disco monumental de la banda… pero eso es otra historia.

Blade Runner y el misterio Vangelis

Esta es la verdadera historia de la banda sonora de la película de Ridley Scott , posiblemente una de la más influyentes y decisivas de la historia del cine.

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En noviembre del año 1979, Ridley Scott está impactado por una serie de “jingles” para anuncios de todo tipo, que siempre llevaban la firma de Producciones Nemo. Ridley descubre que el músico que estás detrás de esos extractos de temas no es otro que un tal Vangelis, que en los años sesenta había tenido cierto éxito con un grupo griego llamado Aphrodite´s Child, creado con su primo carnal Demis Roussos.

Scott localizó a Vangelis y le pidió música para un “spot”, un anuncio que rodaba en aquellos días para Channel º 5, el famoso “Share the fantasy” y que es tan recordado en estos días, porque al final del anuncio se oye la voz de Leonard Nimoy, que dice la famosa frase “Share the fantasy”. Así fue como Ridley Scott y Vangelis se conocieron para crear más tarde el fenómeno indescifrable llamado “Blade Runner”.

Cuatro años antes, Vangelis había podido reunir el suficiente dinero para crear un estudio ultramoderno en el último piso, en el tejado de los Hampden Gurney Studios, muy cerca de Marble Arch, en Londres. Vangelis había invertido más de millón de libras esterlinas en el estudio, gracias a su nuevo contrato con la discográfica RCA. Vangelis hubiera preferido comprar los Command Studios, donde Roxy Music habían grabado su primer disco, pero los dueños no le dieron opción para el local, pero sí que compró muy barato mucha tecnología que estaba en el estudio desaparecido.

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Vangelis tuvo la suerte de que compró el estudio justo cuando aparecieron los primeros sintetizadores polifónicos. El músico griego, poco a poco, pudo hacerse con el sintetizador Oberheim de cuatro voces, el Roland SH3A y su favorito, el Yamaha CS80. Todos ellos aparecen en sus muy interesantes álbumes de los años setenta, como “Heaven and Hell”(1975), “Albedo o.39” (1976), “Spiral” (1977), Beaubourg (1978) y “China” (1979), Todos ellos grabados en Nemo Studios (Marble Arch) y antes de empezar con “Blade Runner” .

EL MARAVILLOSO CIELO E INFIERNO

Escucho ahora , sobre todo, “Heaven and Hell”(1975). Es una obra maestra de música clásica con sintetizadores. Todo está en ese álbum fantástico de hace cuarenta años. Allí se sugiere, se escucha, casi el tema central de “Carros de Fuego” y, desde luego, el preludio del tema de amor de “Blade Runner” , que en “Heaven and Hell” es una canción maravillosa, cantada por Jon Anderson, el cantante de Yes y que marcó sus colaboraciones posteriores.

Esa canción trascendental es solemne y mágica . Se llama “So long ago, so clear”, un tema futurista. Recordar también que otro de los temas de “Heaven and Hells”, el etéreo “Movement 3” fue utilizado como la sintonía del programa de televisión “Cosmos” de Carl Sagan.ç

Vangelis vivía sin duda sus mejores días creativos. Poseía toda la fuerza imaginativa por crear algo diferente, como una manera de volar y recuperar la fortuna que se había gastado en su recién inaugurado estudio llamado Nemo.

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Cuando Ridley Scott volvió a llamar a Vangelis en el mes de noviembre de 1979, el músico griego acababa de terminar una de sus obras tan queridas , “Opera Sauvage”. Un documental de Frederick Rossif. Una banda sonora importantísima, porque por primera vez Vangelis se había atrevido a ponerle música  a un film con las imágenes puestas en el monitor. Su primera experiencia con la horrorosa película”Sex Power” de Henry Chapier,con Jane Birkin de protagonista,   siempre le había noqueado con el cine. y no a un simple anuncio.

Vangelis era muy quisquilloso .Pertenecía al club de los que creían que la imagen “ sin un buen ruido” no era nada, como decía Hitchcock. Y esa misma técnica la desarrolló hasta grados superlativos, inspirándose en tiempo real y acostumbrándose a un “time code” en el monitor que tenía enfrente de su teclado “master”.

Así pudo hacer la banda sonora de “Carros de Fuego”. Casi artesanal, casi compás por compás, Con mucho sacrificio, porque en aquellos días no había sincronía, un “midi” entre el video de la película que veía en el monitor de su estudio y su modesto magnetófono de 24 pistas Lyrec, más barato que el Studer. Así que para inspirarse en el famoso tema central de “Carros de fuego” quizá no se sepa demasiado que Vangelis grabó a tiempo real, al piano, mientras veía el maravilloso tema “L´Enfant” de la “Opera Sauvage”. En aquellos días, el talento de Vangelis era incontenible. Todo ello con una técnica instintiva. Vangelis nunca estudió música ni sabía leerla ni escribirla.

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EL PRIMER OSCAR DE SINTETIZADORES

“Chariots of Fire” fue la primera banda sonora en ganar un Oscar con música realizada exclusivamente por sintetizadores. Ridley Scott, animado por el éxito de Vangelis y porque sabía que las máquinas eran las perfectas para hacer música para su siguiente película de ciencia-ficción , tras haber acabado “Alien”, decidió reunirse con Vangelis. El tenía que ser el creador del sonido “Blade Runner”.

El editor Terry Rawlings ya había montado “Carros de Fuego” y cuando se le nombro editor también de “Blade Runner”, Vangelis pasó a ser el número uno en la lista de candidatos elegibles por la Warner. Aunque lo cierto es que el estudio, tras el éxito de Jerry Goldsmith con “Alien” para la Fox, se había pensado en el veterano músico como el compositor ideal de “Blade Runner”.

Cuando Ridley Scott le contó la película a Vangelis no le costó ningún trabajo convencerle de que hiciera la música de su nuevo gran proyecto. Era octubre del año 1981. Vangelis tuvo que pasar por algunas pruebas adicionales. Por ejemplo, certificar que en Nemo podía grabar o ser aceptado para Dolby Stereo para el cine. Otros ingenieros de Warner viajaron a Londres para ponerle Dolby , reducción de ruido , a su magnetófono de 4 pistas para las mezclas que se habían en aquella época para el cine. Luego, más tarde, firmaría un contrato infame con la Warner, del que se arrepentiría toda su vida.

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EL “COPION” DE PINEWOOD

Un crudo día de frío del mes de diciembre londinense del año 1981, en la pomposa sala de proyección de los estudios Pinewood, Vangelis vió “un copión” más o menos recurrente de “Blade Runner”. Vangelis se impresionó de la imágenes que vio. Al mismo tiempo se asustó de la responsabilidad. Quedó cautivo de la violencia, de la desesperación por sobrevivir de los “replicantes”. La cinta que vio Vangelis se proyectaba sin diálogos ni sonido. Pero Vangelis quedó atrapado emocionalmente por las imágenes. Justo desde el primitivo inicio de ese Los Angeles de lluvia ácida hasta el final del vuelo de la paloma,cuando muere el jefe replicante Roy Batty.

Vangelis sonrió de alguna manera a Scott y le dijo que empezaría a trabajar con un loco. A cambio de la sonrisa, Ridley le dio una cinta de VHS, la vieja cinta de video de aquellos días, con parte del copión de lo que habían visto. Vangelis aún conserva la cinta ,en su casa no muy lejana del Parlamento Helénico.

Y Vangelis empezó a trabajar en su pequeña sala de los estudios Nemo. Sin horarios. Normalmente, prefería la soledad nocturna, el silencio sepulcral de las ánimas de la oscuridad, sólo alterado por las imágenes del videocasete que le entregaban poco a poco , a medida que Scott editaba “Blade Runner”.

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Musicalmente, Vangelis no tardo mucho en buscar la tonalidades menores y el estilo de una belleza triste que inunda la música de la película. La belleza intangible de los nuevos sintetizadores.

Vangelis tomó varios referentes de música en películas de ciencia ficción. Quizá la más empírica fue la música de “Clockwork Orange”, el maravilloso trabajo de Walter Carlos en la pre-historia de los sintetizadores. Aquellos increíbles sintetizadores analógicos, los de síntesis de tanto aprecio y técnica de Walter Carlos. La banda sonora de “Cloclkwork Orange” con Stanley Kubrick era del año 1971 y había tenido un éxito descomunal. Walter era un genio con la atomización y maravillosos prodigios de los sintetizadores iniciales de Robert Moog, o después con los increíbles Synergy. Walter Carlos, con el éxito del disco como banda sonora, utilizó parte del dinero para una operación de cambio de sexo. Fue en mayo de 1972. Desde ese momento pasó a llamarse Wendy Carlos.

CREAR LA MUSICA DEL FUTURO PROXIMO

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“Clockwork Orange fue una enorme referencia para “Blade Runner”, aunque no tan decisiva. Desde luego, Vangelis también se fijó del trabajo de Wendy Carlos en “El resplandor” , que no hacía mucho había visto con absoluta envidia por el trabajo de Wendy Carlos , aunque sólo habían sido dos temas de la banda sonora.

De vez en cuando, Ridley Scott aparecía por el estudio de Marble Arch. Vangelis se desesperaba. Todas las visitas estaban casi siempre relacionadas con los cambios de la edición y por tanto, de la música de la película. Vangelis en el mes de febrero de 1982 estuvo a punto de dimitir. Le hizo entrar en razón su ingeniero Raine Shine, advirtiéndole de que iban a perder mucho dinero y quizá una demanda por parte de la Warner.

Como en el caso de “Carros de Fuego”, Vangelis compuso la música y “sus ruidos” escena a escena. Un trabajo meticuloso que en estos días apenas se hace. Porque para una banda sonora “nunca hay tiempo”, como decía Vangelis.

Para los que somos profundos amantes de los “sintetizadors analógicos” y toda clase de aparatos musicales con tecnología de sintetizador de síntesis, especificaremos sin que sea muy aburrido , los aparatos y sintetizadores que mayoritariamente utilizó Vangelis en su trabajo en “Blade Runner.”.

El famoso Yamaha CS-80 fue siempre la señal de identidad de Vangelis. Sobre todo, por ese sonido imponente de “brass”, un sonido apabullante de algo que se parecía a los metales en una orquesta sinfónica. El otro instrumento mágico en la película fue el Roland VP-330 Vocoder Plus. Vangelis, normalmente, sólo lo utilizaba para cuando tenía que insertar una sección cuerda. La cuerda del Vocoder de Roland era mágica,diferente. Luego, para esa profundidad, utilizaba el Prophet 10, el de los dos teclados. Esos eran fundamentales. Como por aquella época Vangelis era un loco de la percusión también trabajaba con la Linn 1 , como batería electrónica y con el Emulator para toda clase de “samplings” de efectos o percusión, al igual que el Yamaha Gs-1 para los sorprendentes golpes de percusión, aquellos tan impresionantes del inicio de la película.

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LOS COLABORADORES HUMANOS

Como colaboradores humanos utilizó a su primo Demis Roussos para cantar en “Tales of the Future”, al impresionante Dick Morrisey para el saxo en el “Love Theme” y a su amigo Don Percival para la canción “One more kiss, Dear, al estilo de los años veinte. Y se me olvidaba la English Chamber Choir en “La muerte del Dr. Tyrell”.

Nunca sabremos si fue decisión de Vangelis o de Ridley Scott incluir al tema japonés “Ogi No Mato” del grupo nipón Ensemble Nipponia. Pero creo que la idea fue Ridley, como se demostró años después, cuando filmó la película policíaca, “Black Rain” con Michael Douglas , en Osaka. Ridley también había incluido “Quran” de Brian Eno & David Byrne , pero en los sucesivos problemas de edición , ese tema desapareció de la película.

A Vangelis le volvieron loco con tantos cambios, tantas dudas de Ridley Scott, pero necesito remarcar un detalle de su excepcional sentido musical en la banda sonora . Cuando la replicante Rachel toca el piano el “Nocturno 13” de Chopin, en el apartamento de Rick Decorad (Harrison Ford) y ,a continuación, se oye a través de la radio del apartamento, esa versión de “One more Kiss, Dear”. Los dos temas está en la mismísima tonalidad.

Vangelis terminó su trabajo en abril de 1982. Incluías las mezclas en Dolby 4 pistas como exigía Hollywood en aquella época. Ahora, normalmente, se realizan en un diez punto dos. Es decir, una mezcla para doces altavoces diferentes. El músico griego incluso supervisó las mezclas de sus cuatro pistas al formato de sonido-cine en los estudios CTS de Wembley, donde normalmente trabajaba John Barry. Hasta fue muchas veces a los estudios Pinewood donde montaban el sonido definitivo en la película. Pero ni Vangelis ni Scott estuvieron contentos de lo se hacía en Pinewood, Acabaron el trabajo en los más baratos ,pero más eficaces estudios para sonido ,los estudios Twickenham.

blade-runner_55553La guerra por la banda sonora sólo acababa de empezar. Warner Records se puso en contacto con Vangelis para que el mismo eligiera los temas que aparecerían en el famoso “Soundtrack” del film, que sólo es un simplificación del trabajo de un músico. Vangelis se negó en rotundo. Se agarro al hecho de que no hacía mucho había firmado un nuevo contrato discográfico que le obligaba a publicar todos sus trabajos en el sello Polydor. Pero es que además, Vangelis quería darle un escarmiento a Ridley Scott, que le había torturado durante cuatro meses.

COPIA PIRATA

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Los derechos discográficos los tenía Warner, pero si Vangelis o, en su particular guerra contractual, Polydor, no querían o se negaban en ceder al artista, entonces no había nada que hacer.

A comienzos del mes de junio de 1982, unas pocas semanas antes del estreno del film, circulaba por Hollywood una copia pirata de los temas que Warner tenía preparados para una hipotética aparición discográfica. El rumor era que un ingeniero del estudio de la Warner, había hecho una copia y como Vangelis estaba de moda por su Oscar con “Carros de Fuego”, el disco pirata pasó de mano en mano. En realidad, era una cassette de aquellos tiempos, para ser más exactos. El CD todavía no había desarrollado la técnica para poder crearse en privado. Aquella copia primitiva es difícil de encontrar, aunque algunos fanáticos de Vangelis la tienen. En la actualidad, si circulan copias en CD de aquel primitivo asalto pirata.

Como había que sacar una banda sonora , el estudio de la Warner decidió que se hiciera una versión lo más exacta posible de los temas de Vangelis y así apareció “Blade Runner: The New American Orchestra”. El disco era un timo para los grandes “hoolligans” del film, pero si se escucha en la actualidad, no estaba tan mal hecho.

Siete años despés, Vangelis le dio a su discográfica Polydor tres temas, los que consideran Vangelis como los mejores de “Blade Runner” para una recopilación de sus mejores obras que llevaba el título de “Themes”. Es decir, “Love Theme”, “End Titles” del final de la versión de la Warner y “Memories of Green”.

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Más adelante, en el año 1994, Vangelis, que ya no estaba preso por su contrato con Polydor, accede a que Warner, a través de su sello East/West publique una especie de “banda sonora”, con muchos temas de la película y con algunos otros inéditos, como venganza a Ridley Scott. Justos eran los que el cineasta se había cargado en la película.

En el año 2000, circulaba un nuevo disco pirata de la banda sonora de “Blade Runner” en el que se incluía el tema inicial de John Williams para el logo de la Ladd Company, que había producido el film.

Finalmente, en el año 2007, coincidiendo con el 25 Aniversario de “Blade Runner” cuando la música de Vangelis ya se había convertido en objeto de culto, se publica la versión definitiva de “Blade Runner”, con 3 CDS. Por fín, Warner, había doblegado a Vangelis. En su rendición entrega todos los “masters” originales , todo lo que grabó para la película. Warner Records también contó con el apoyo de Ridley Scott, que se atrevió incluso a escribir y recordar sus funestas visitas a a los estudios Nemo , en Marble Arch, en las notas del disco . Del triple CD, el primero es impecable. Pero el segundo y el tercer disco son un poco pesados . Es lo que tiene estas ediciones tan estrictas.

EL DISCO RUMANO

Para decir la verdad, para mí la versión con la que más disfruto es una joya de las catacumbas de la piratería discográfica. Un ingeniero rumano, probablemente un loco de Blade Runner, tuvo la paciencia de separar del celuloide la música que va por su parte en las cuatro pistas del film. Directamente. Así que nada más que se trata de una versión completa de toda la música que estrictamente suena en la película. Son setenta dos minutos de música para decirlo con precisión. Como se trata de un disco pirata rumano, tenía los sugestivos títulos de “Titlurile și Prologurile Principale”, Fiul Multiubit Aduce Moartea, etc . Un documento impagable.

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“Blade Runner”, en definitiva, es una fascinante historia de principio a fin. Todavía posee el misterio de como se equilibró esa intrigante magia entre la imagen y el sonido, en una sincronización perfecta. Imposible de repetir. Todo encaja con las imágenes, la música, los replicantes, etc.. Vangelis , que no da ni un puñetera entrevista, salvo de vez en cuando, asegura que siempre escribió la música de “Blade Runner” , pensando en que Deckard (Harrison Ford) era también un pobre replicante más.

Aunque “Carros de Fuego” ganara el Oscar, el trabajo más exquisito y espectacular de Vangelis es la banda sonora de la película de Scott. ¿Por qué?. Porque nadie ha sentido tanto con ruidos y música el futuro más cercano. Y sin aspavientos, con simples sintetizadores analógicos. La imágenes son una pura invitación a la música de Vangelis. Encajan como si una cosa hubiera estado pensado para la otra.

Vangelis recibió la noticia de la muerte de su primo Demis Roussos en Londres. El propio Vangelis se declara un viajero en la vida. Normalmente, desde que cumplió 60 años-en la actualidad, tiene 71 años- pasa más tiempo en Atenas y no es difícil verlo pasear por su calle favorita, la que es ahora peatonal, Dionisio Areopagita . Para Vangelis la “calle más bella del universo” .Aunque jamás se queda quieto en Atenas. Siempre se escapa a su casa de París o Londres.

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Hace poco le pusieron el nombre de una calle en Volos, donde nació, pero no quiere vivir allí. Últimamente se ha atrevido con la pintura, como en el caso de Bob Dylan. Incluso expuso sus cuadros en Valencia, hace ya diez años. , gracias a la amistad de Consuelo Ciscar con el genio griego. Su último trabajo es la banda sonora del film argelino “Crescule des Ombres” del cineasta argelino Mohamed Lakhdar-Hamina, estrenada hace un par de meses.. Pero todavía no ha aparecido discográficamente.
Es muy posible que su tema favorito de “Blade Runner” sea “Memories of Green”. Vangelis dice que que con las destrucción de este planeta , algún día sólo nos queden memorias de nuestra vegetación , recuerdos de un mundo verde con aquella maravillosa vida de plantas y árboles. Serán “nuestras memorias sobre lo verde”.

Pero como decía Roy Batty, el líder de los replicantes:

“No haré nada por lo que el dios de la biomecánica no te deje entrar en su cielo.”

De Plásticos y Decibelios de Julián Ruíz

Interstellar: ¿ciencia o ficción?

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Interstellar, la película de Christopher Nolan, imagina un futuro en el que la Humanidad se ve obligada a buscar un planeta alternativo para sobrevivir, debido al imparable deterioro del ecosistema terrestre. Para hallar este nuevo hogar en el Cosmos, un grupo de astronautas se embarca en una odisea espacial en la que viajan a través de un agujero de gusano y acaban ante las fauces de un agujero negro. El héroe de esta aventura vive en carne propia la relatividad del tiempo y se adentra en una quinta dimension que le permite viajar al pasado. Interstellar es una ficción, pero en su guión y diseño artístico ha participado el gran astrofísico Kip Thorne, quien logró nuevos descubrimientos gracias al trabajo que realizó para el filme.

En busca de una nueva tierra

“La exploración del espacio es vital porque en el futuro podría evitar la desaparición de la Humanidad, gracias a la colonización de otros planetas”. Hace tres meses, poco antes del estreno de Interstellar, Stephen Hawking defendía con estas palabras la necesidad de seguir desarrollando tecnologías cada vez más potentes para viajar al Cosmos, en una entrevista exclusiva que concedió a EL MUNDO. No cabe duda de que el profesor Hawking suscribiría la visión del astronauta Cooper, el personaje que interpreta Matthew McConaughey en la película, cuando le dice a su hija que “nuestro destino está en las estrellas”.

El punto de partida de la prodigiosa fábula cinematográfica dirigida por Christopher Nolan es que nuestra especie se encuentra al borde de la extinción debido al deterioro del ecosistema terrestre, hasta el punto de que prácticamente ya no quedan tierras cultivables. Ante esta amenaza extrema, a la Humanidad sólo le queda una última esperanza para sobrevivir: encontrar un hogar alternativo en el Cosmos, un planeta B habitable. A muchos espectadores todo esto quizás les suene a pura ciencia ficción, pero lo que plantea la película de Nolan -cuyo guión ha contado con el asesoramiento del gran astrofísico estadounidense Kip Thorne- no es ninguna tontería.

El actual director científico de la NASA, John Grunsfeld, en un documental del Discovery Channel basado en un libro firmado por el propio Kip Thorne-, también resalta un hecho incontestable: nuestro Sol tiene fecha de caducidad y eventualmente se apagará como todas las estrellas. Así que, antes o después, como dice el científico de la NASA que interpreta Michael Caine en la película, tendremos que diseñar una misión «no para salvar el mundo, sino para abandonarlo», si queremos evitar nuestra extinción.

Pero, ¿hasta qué punto es realista pensar que existen otras tierras habitables ahí fuera? Si tenemos en cuenta que, tan sólo en nuestra galaxia, hay entre 100.000 y 400.000 millones de estrellas, y que -según ha demostrado en los últimos años el telescopio espacial Kepler– la inmensa mayoría de las estrellas van acompañadas de un sistema planetario, parece más que razonable pensar que en muchos de estos mundos debe existir vida. De hecho, según el director del Observatorio Astronómico Nacional, Rafael Bachiller, se calcula que hay “al menos 8.800 millones de Tierras potencialmente habitables” (es decir, ni demasiado lejos ni demasiado cerca de sus estrellas, y por lo tanto con una temperatura que puede permitir la presencia de agua líquida y quizás organismos vivos).

Pero además, como explica Bachiller, si más allá de nuestra galaxia sabemos que hay unos 100.000 millones de galaxias observables, y asumiendo que la Vía Láctea tiene una cantidad de planetas dentro de la media, “obtenemos un número de 100.000 billones de planetas potencialmente habitables en el universo observable”. Por lo tanto, el planteamiento inicial de Interstellar tiene un sólido fundamento científico. Aunque todavía estemos lejos de poder conseguirlo, antes o después no tendremos más remedio que buscar un planeta B en el Cosmos para garantizar la futura supervivencia de nuestra especie, una vez que la Tierra se vuelva inhabitable.

Un atajo cósmico: el agujero de un gusano

A pesar de que hay muchísimas posibles tierras alternativas en el inmenso océano del Universo, el problema es que están demasiado lejos para que podamos convertirlas en nuestro nuevo hogar. Todos los posibles planetas B que se han identificado se encuentran “a distancias insalvables”, explica el astrónomo Javier Armentia, director del Planetario de Pamplona. A su velocidad actual, Voyager 1 -la sonda de la NASA que más lejos ha llegado en la historia de la exploración espacial, traspasando incluso los confines del Sistema Solar- necesitaría centenares de siglos para llegar a Alfa Centauri, el sistema estelar más cercano a la Tierra. Por eso, como admite Rafael Bachiller, “aunque se desarrollen tecnologías para aumentar la velocidad de los viajes espaciales, es difícil imaginar que se llegue a ganar un factor 100, por lo que los viajes interestelares son sólo un sueño“.

Para superar este desafío, los guionistas de la película de Nolan -muy bien asesorados por al astrofísico Thorne- recurren a un agujero de gusano, una especie de atajo cósmico que teóricamente podría existir, según la Teoría de la Relatividad General de Einstein. La imagen que se usa habitualmente para explicar este hipotético túnel en el espacio-tiempo es que si el Universo fuera una manzana, una hormiga podría llegar en poco tiempo desde un extremo a otro a través del agujero formado por un gusano, sin tener que rodearla. Esto es justo lo que hacen los astronautas de Interstellar: logran llegar a otra galaxia casi en un abrir y cerrar de ojos gracias a uno de estos pasadizos. Sin embargo, a pesar de que el diseño del agujero de gusano está basado en cálculos matemáticos reales elaborados por Thorne, la realidad es que a día de hoy, no hay absolutamente ninguna evidencia experimental que haya demostrado la existencia de este fenómeno.

Gargantúa: el agujero negro más realista

El aspecto científico de Interstellar que más han elogiado y aplaudido los astrónomos de todo el mundo ha sido Gargantúa, el agujero negro al que llegan los astronautas de la película en su búsqueda de un nuevo hogar planetario. De hecho, Kip Thorne ha explicado que la representación de este sumidero cósmico supermasivo fue el resultado de un año entero de cálculos y simulaciones informáticas realizadas por un equipo de 30 personas y miles de ordenadores. Este trabajo científico fue tan exhaustivo que los expertos ya consideran a Gargantúa la recreación más realista jamás lograda de un agujero negro hasta la fecha. Thorne incluso asegura que las ecuaciones que elaboró durante meses para asesorar a los guionistas de la película son tan novedosas que le van a permitir publicar al menos dos trabajos científicos en las revistas especializadas de Astrofísica. Interstellar, por lo tanto, no sólo es una ficción bien fundamentada desde el punto de vista técnico, sino que ha aportado nuevos hallazgos sobre la estructura de los agujeros negros a los propios científicos que ayudaron a elaborar el guión.

Gargantúa, el agujero negro al que llegan los astronautas de la película en la búsqueda de su nuevo hogar planetario.

“Gargantúa es precioso. Simplemente magnífico. La física subyacente es impecable”, asegura el astrónomo Javier Armentia. Al mismo tiempo, sin embargo, los expertos consideran totalmente inverosímil el hecho de que los astronautas de la película se aproximen tan peligrosamente a las fauces de un agujero negro sin acabar devorados y desintegrados. “La película olvida la potente radiación que se origina en el disco de acreción de un agujero negro. Tal y como han detectado nuestros telescopios, esos discos son fuentes de rayos gamma y X muy energéticos que tendrían un efecto muy nocivo sobre cualquier objeto que circule por su entorno”, explica Rafael Bachiller.

El paso del tiempo es muy relativo

Los héroes de Interstellar viven en carne propia uno de los principios más revolucionarios descubiertos hace más de un siglo por Einstein: la medida del tiempo es relativa, y depende (entre otros factores) del campo gravitatorio en el que se realiza la medida. Por ese motivo, para los astronautas sometidos a la intensa fuerza del agujero negro al que se aproximan, el tiempo se dilata muchísmo con respecto al que transcurre para los seres queridos que han dejado atrás en la Tierra. En uno de los planetas que exploran, una hora sobre su superficie equivale a siete años en el nuestro. De nuevo en este terreno, la película ha contado con el asesoramiento de Thorne, un gran experto en la materia, y todo lo que les ocurre a los protagonistas tiene una sólida base científica. De hecho, la dilatación gravitacional del tiempo es algo que ya se observa hoy de manera rutinaria en los relojes atómicos que van acoplados en los satélites a diferentes altitudes sobre la Tierra. “Al estar emplazados en diferentes potenciales gravitatorios, esos relojes muestran tiempos diferentes: el tiempo transcurre más rápidamente para los de mayor altitud”, explica Rafael Bachiller. Hasta tal punto es así, que los satélites del sistema GPS se programan para corregir ese desfase.

Un mundo exótico con olas gigantes

Una de las imágenes más hipnóticas y apabullantes de la película es el planeta que orbita en torno a Gargantúa, donde los astronautas se ven acorralados por unas colosales olas del tamaño de un rascacielos. Según ha explicado el propio Kip Thorne, un mundo que se encuentra en las profundidades del llamado “pozo gravitatorio” de un agujero negro, y por lo tanto sometido a fuerzas intensísimas, podría hipotéticamente generar este impresionante fenómeno. Sin embargo, algunos expertos, como el astrónomo y divulgador Neil De Grasse Tyson -conocido por presentar la nueva versión de la famosa serie televisiva Cosmos- han señalado que aún en el caso de que existieran olas gigantes por la fuerza de un agujero negro, jamás tendrían la forma tan vertical que se ve en la película.

Otros científicos, como el astrofísico Roberto Trotta, profesor del Imperial College en Londres, directamente descartan que un ser humano pudiera sobrevivir un solo segundo en un planeta con las fuerzas gravitatorias necesarias para generar semejantes olas. “Si intentaras aterrizar sobre su superficie”, señala Trotta en un artículo publicado por The Guardian, “la gravedad sería tan fuerte que te aplastaría de inmediato”.

Viajar al pasado en una quinta dimensión

Desde el punto de vista científico, sin duda el momento más atrevido e inverosímil de Interstellar es la escena en la que el astronauta Cooper, tras adentrarse en las tripas de Gargantúa, acaba penetrando una quinta dimensión en la que puede ir hacia adelante y hacia atrás en el tiempo: un pasillo infinito en el que pasado, presente y futuro se convierten en otra dimensión espacial más, donde se puede avanzar o retroceder, e incluso intervenir para intentar cambiar los acontecimientos del ayer o el mañana. Aunque evidentemente se trata de una mera especulación sin ninguna prueba empírica, el hecho es que algunas teorías actuales de la cosmología han propuesto la hipotética existencia de dimensiones exóticas y universos paralelos.

El astrónomo Neil De Grasse Tyson lo ha explicado así en un vídeo sobre la ciencia de Interstellar: “En nuestra experiencia cotidiana, tenemos acceso a las tres dimensiones espaciales, en las que nos movemos libremente (para adelante, atrás, arriba, abajo…), mientras que en la cuarta dimensión del tiempo somos prisioneros del presente: no podemos avanzar hacia el futuro ni retroceder hacia el pasado. Sin embargo, teóricamente podría existir una quinta dimensión en la que toda nuestra vida se desplegaría ante nosotros de la misma manera que las tres dimensiones del espacio a las que estamos acostumbrados. En esa quinta dimensión, no tiene sentido preguntar ‘¿cuándo nací?’ o ¿cuándo morí?’, porque, de hecho, siempre estás naciendo y siempre te estás muriendo. Toda tu vida está ocurriendo a la vez y puedes tener acceso a cualquier momento e incluso intentar cambiar los acontecimientos”.

Para muchos espectadores, esta escena seguramente sea la más peliculera de toda la trama de Interstellar. Por su parte, el astrónomo Bachiller reconoce a este periódico que “aunque se trate de ideas muy estimulantes que admiten un tratamiento matemático riguroso, no tenemos a día de hoy ninguna prueba experimental de que tales dimensiones y/o universos simultáneos existan realmente”.

Fuente : EL MUNDO

The Top 100 Star Trek Episodes Of All Time!

The Top 100 Star Trek Episodes Of All Time!

Star Trek gave us six TV series, spanning over 700 episodes, because it’s such a rich universe. And a Federation starship is the perfect vehicle to tell unforgettable stories. But which Star Trekstories are the best? To find out, we painstakingly compiled the 100 greatest Trek episodes, from any of the series.

What makes for a great Star Trek episode? Obviously, the fun quotient has to be high, and there need to be awesome character moments. But I’d argue that a really notable Trek story explores some ideas, or some ethical quandaries, in a way that sticks with you after you’re done watching. If one thing has defined Trek throughout its run, it’s that.

So here’s our list of the 100 best Star Trek episodes. Please let us know which episodes we missed, or ranked incorrectly!

Warning: some spoilers below, although we try not to give away all the plot twists.

The Top 100 Star Trek Episodes Of All Time!

100) Bride of Chaotica! (Star Trek: Voyager) – A hilarious pastiche of old-school science fiction serials, this story puts the Voyager crew in the middle of a space-opera fantasy gone very, very wrong.

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99) Day of the Dove (Star Trek) – An alien entity wants the Enterprise crew and some Klingons to slaughter each other, and Kirk has nearly as much trouble with his own crew as with the “enemy.”

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98) Paradise (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko and O’Brien find themselves in a “perfect” society where no technology functions, and the society’s matriarch tests Sisko’s will with some pretty brutal treatment.

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97) Borderland/Cold Station 12/The Augments (Enterprise) – In this three-part episode, we delve into the past of Khan Noonien Singh’s genetically augmented crew, and also meet the ancestor of Data’s creator. And connecting those two dots allows the story to get into some weird questions about the nature of “superior” people.

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96) Lineage (Star Trek: Voyager) – B’Elanna and Tom are expecting a baby… but maybe they can genetically engineer it to be more human and less Klingon? More than any episode about Khan’s people, this episode digs into the thorny ethics of eugenics.

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95) The Most Toys (Star Trek: The Next Generation) – Data is taken prisoner by an unscrupulous collector, and the android finds out just how far he’s willing to go to win his freedom.

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94) Disaster (Star Trek: The Next Generation) – A calamity cuts off the different sections of the ship from each other, leaving Deanna Troi in charge, and Worf having to deliver a baby.

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93) Future’s End (Star Trek: Voyager) – An evil Bill Gates-type in the 1990s has gotten hold of a 29th century ship, and even the Voyager crew might not be able to keep him from changing history.

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92) The Magnificent Ferengi (Star Trek: Deep Space Nine) – Of all DS9‘s “Ferengi comedy” episodes, this is one of the funniest — Quark has to rescue his mother from the Dominion, but everything goes absolutely pear-shaped and Quark has to improvise.

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91) The Killing Game (Star Trek: Voyager) – The Hirogen love to hunt, so what could be better than turning Voyager into a recreation of World War II? (Lots of things. But that’s what they do, anyway.)

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90) Booby Trap (Star Trek: The Next Generation) – The Enterprise is trapped in a weird space trap, and Geordi can’t find a solution until he makes himself a new colleague… who’s the woman of Geordi’s dreams.

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89) Court Martial (Star Trek) – Kirk is put on trial, and along the way he shows what it really takes to command a starship.

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88) Favor the Bold/Sacrifice of Angels (Star Trek: Deep Space Nine) – This episode is a turning point in the “Dominion War” arc. But more to the point, it features a ginormous, amazing space battle, featuring hundreds of starships.

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87) Déjà Q (Star Trek: The Next Generation) – Q has lost his powers, and now he’s learning to cope with being human. If he can survive the wrath of Guinan, that is.

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86) Memorial (Star Trek: Voyager) – Voyager was at its best when coping with strange thought experiments, and here’s a doozy: a memorial forces you to experience a terrible war first-hand. Should it be allowed to remain operational?

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85) Little Green Men (Star Trek: Deep Space Nine) – Quark gets stranded on mid-20th century Earth, and for once even he can’t figure out how to profit from this, in a hilariously weird episode.

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84) Parallels (Star Trek: The Next Generation) – Worf keeps jumping to various (and highly entertaining) alternate realities, showing how different his life could be with just a few changes.

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83) Timeless (Star Trek: Voyager) – One of the many “alternate future crewmembers averting a past tragedy” storylines, this one features the beautiful image of Voyager crashed into an ice planet, and Chakotay going to extremes to save his friends.

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82) Conundrum (Star Trek: The Next Generation) – The entire crew of the Enterprise suffers memory loss, but luckily First Officer MacDuff is here to help. When their identities are stripped away, will the Starfleet officers still do the right thing?

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81) The Enemy Within (Star Trek) – The one where Kirk gets split into good and evil versions by a transporter accident — Richard Matheson’s script manages to get into some thorny questions about the nature of evil.

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80) The Wounded (Star Trek: The Next Generation) – The Federation is trying really hard to have peace with the Cardassians, but some people in Starfleet aren’t quite so ready to forgive and forget… and it’s up to Picard to help out his enemies.

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79) I, Mudd (Star Trek) – The most famous rogue in Star Trek has landed in a great spot — surrounded by beautiful androids who cater to his every whim. Except that he can’t leave.

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78) Remember Me (Star Trek: The Next Generation) – Dr. Crusher is faced with a mystery that gets at her fear of abandonment, but also questions of existence, when people start vanishing around her.

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77) Our Man Bashir (Star Trek: Deep Space Nine) – The goofiest of DS9 episodes (well, one of the goofiest) sees Bashir stuck in a holosuite program where he’s a James Bond-style spy.

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76) Wolf in the Fold (Star Trek) – Mr. Scott is accused of being a serial killer… but the truth is a lot more bizarre.

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75) The Raven (Star Trek: Voyager) – One of the best “Seven of Nine tries to become more human” episodes actually sees her coping with her memories of being part of the Borg.

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74) Living Witness (Star Trek: Voyager) – Hundreds of years after Voyager visit a planet, its crew are remembered as war criminals, as shown in a historical reenactment.

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73) Family (Star Trek: The Next Generation) – This episode is revolutionary, purely because it shows the consequences of a big “event” episode — Picard is still shaken by his experiences with the Borg, when he goes home to visit his family.

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72) Who Mourns For Morn (Star Trek: Deep Space Nine) – The barfly who hangs out in Quark’s bar has apparently died, but will Quark really inherit all his worldly goods?

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71) A Piece of the Action (Star Trek) – One of many “visiting Earth’s past on another planet” episodes, this is the funniest and also the most trenchant. Kirk and friends have to outwit a whole planet of gangsters, while teaching them the arcane game of Fizzbin.

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70) Sarek (Star Trek: The Next Generation) – Peter S. Beagle wrote this episode where Spock’s father reappears, and he’s not the Vulcan he used to be — a bittersweet exploration of aging and loss.

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69) What You Leave Behind (Star Trek: Deep Space Nine) – The DS9 finale packs a lot of punches, including the final showdown with the Dominion, and Sisko embracing his destiny.

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68) Tin Man (Star Trek: The Next Generation) – a powerful Betazoid telepath is obsessed with a giant sentient spaceship, but also develops a friendship with Data, the only person whose thoughts he can’t read.

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67) Errand of Mercy (Star Trek) – The first Klingon episode is also the most daring, as Kirk is portrayed as being nearly as warlike as his foes, in the face of godlike pacifist aliens.

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66) Dark Frontier (Star Trek: Voyager) – Seven of Nine starts to remember her past before she became a Borg drone, as Janeway schemes to steal from the Borg.

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65) In Purgatory’s Shadow/By Inferno’s Light (Star Trek: Deep Space Nine) – One of the most shocking of the “Dominion War” storylines, this two-parter reveals a terrible secret about Bashir, and changes the balance of power in the Alpha Quadrant.

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64) The Slaver Weapon (Star Trek: The Animated Series) – Written by Larry Niven, this episode sees the Enterprise crew meeting the Kzinti… and dealing with a self-aware ultimate weapon.

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63) Assignment: Earth (Star Trek) – Kirk and Spock go back to the 1960s, but they’re not the only interloper. This was the “backdoor pilot” for a spin-off show that never happened, but it’s still bizarrely entertaining in its own right.

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62) Cause and Effect (Star Trek: The Next Generation) – The one where the Enterprise keeps blowing up over and over. The most explosive, bewildering time loop ever.

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61) Course: Oblivion (Star Trek: Voyager) – These alternate versions of a starship crew aren’t evil — just very, very fragile. This is one of those episodes whose nihilism makes it almost like a weird dream.

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60) Shore Leave (Star Trek) – One of the goofiest original-series episodes also has a major dark side, as the crew arrives on a planet where anything they imagine can become real. Anything.

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59) The Quickening (Star Trek: Deep Space Nine) – Dr. Bashir’s miracle-worker image faces an extra challenge when he faces a genetically-engineered plague.

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58) Dagger of the Mind (Star Trek) – In the Federation’s utopian future, the rehabilitation of criminals is much more humane. Much, much more humane. The psychological cruelty in this one is actually pretty intense.

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57) The Sound of Her Voice (Star Trek: Deep Space Nine) – Everybody falls in love with a stranded Starfleet captain who’s sent out a distress call. But can she be saved?

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56) Tuvix (Star Trek: Voyager) – The Voyager crew face another huge ethical conundrum… and arguably, this time they choose wrong.

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55) The Pegasus (Star Trek: The Next Generation) – Riker’s long-buried secret comes to light, and he’s forced to lie to Captain Picard.

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54) Caretaker (Star Trek: Voyager) – Greg Cox argued (in our comments) this is the best first episode of any Trek, and he has a point: it shows Captain Janeway making two tough choices: stranding her crew, and adopting a crew of rebels.

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53) The Conscience of the King (Star Trek) – This episode about a Shakespearean actor who may be a legendary mass murderer is also our first glimpse of the flaws in Trek‘s perfect future.

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52) Relics (Star Trek: The Next Generation) – Old Starfleet engineers never die — they just come back decades later, eager to tinker with another warp engine.

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51) Necessary Evil (Star Trek: Deep Space Nine) – The best of the episodes about the shapeshifting Odo doing detective work, because his digging turns out to reveal some dark secrets.

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50) I Borg (Star Trek: The Next Generation) – Another episode with a guest star who poses a huge ethical question — the Enterprise finds a disconnected Borg drone, and tries to turn him into a weapon.

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49) The Wire (Star Trek: Deep Space Nine) – The mysterious Garak finally has to reveal a little bit about his past to his friend Dr. Bashir, to save his life — but which stories are lies, and which ones are true? Or is there really any difference?

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48) The Enterprise Incident (Star Trek) – Kirk and Spock pull an elaborate hustle on the Romulans, in an episode that shows just how unethical our heroes are prepared to be.

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47) Perfect Mate (Star Trek: The Next Generation) – Picard falls for a woman (Famke Janssen!) who is destined to marry a warlord in an arranged marriage, and he has to put his feelings aside for the sake of peace.

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46) Blink of an Eye (Star Trek: Voyager) – In yet another high-concept Voyagerouting, the starship appears in the sky over a planet for a relatively brief time, but that’s long enough for it to loom over the life and death of an entire civilization.

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45) Dear Doctor (Enterprise) – Doctor Phlox relates his experience dealing with a plague affecting a relatively primitive planet, which turns out to pose an impossible dilemma.

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44) It’s Only a Paper Moon (Star Trek: Deep Space Nine) – Like “Family,” this is an episode that takes a hard look at the process of recovering from trauma… and doesn’t sugar-coat the truth.

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43) Obsession (Star Trek) – Kirk’s judgment is called into question when he becomes fixated on revenge, showing once again just how dangerous an out-of-control captain can be.

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42) Hard Time (Star Trek: Deep Space Nine) – The best of the many “Let’s torture O’Brien” episodes, in which he receives false memories of 20 years of imprisonment.

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41) Rocks and Shoals (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko’s crew are stranded on a planet with some of the enemy Jem’Hadar… and the Jem’Hadar’s unquestioning drug-induced loyalty is put to the test, horribly.

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40) In A Mirror Darkly, Parts 1 & 2 (Enterprise) – The best of the “Mirror Universe” sequels, this episode shows us a more unscrupulous version of Jonathan Archer… who’s just inherited a Federation ship from the future.

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39) Journey to Babel (Star Trek) – Most notable for introducing us to Spock’s parents, this episode also shows a Federation diplomatic mission gone horribly wrong.

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38) The Way of the Warrior (Star Trek: Deep Space Nine) – With the Federation facing war with the Dominion, it’s a good thing the Klingons are here to help. Except sometimes your allies can be more dangerous than your enemies.

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37) Lower Decks (Star Trek: The Next Generation) – This episode follows four junior officers aboard the Enterprise, and lets us see the command staff through the eyes of their underlings.

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36) Galileo Seven (Star Trek) – A shuttlecraft full of people is stranded on a planet, and it appears that not all of them can survive. Good thing Spock is in charge, and he has zero hesitation about making the tough call… Right?

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35) Inter Arma Silent Leges (Star Trek: Deep Space Nine) – Bashir has always wanted to play at being a spy… so how does he like doing it in real life? One of the episodes that exposes the terrible underbelly of the Federation.

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34) The Drumhead (Star Trek: The Next Generation) – An Admiral subjects the Enterprise to an inquisition, and starts finding conspiracies behind every bulkhead, providing an object lesson in the dangers of paranoia.

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33) Twilight (Enterprise) – In the future, Archer has dementia, and the human race has lost a devastating war. And both things are equally terrible to behold.

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32) Trials and Tribble-ations (Star Trek: Deep Space Nine) – One of several time-travel episodes, this one sends Sisko’s officers back to the original series episode “The Trouble With Tribbles,” and provides a great love letter to Trek‘s history.

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31) Call to Arms (Star Trek: Deep Space Nine) – This is the one where Sisko makes the tough choices, and a highly symbolic baseball is the only hint of Sisko’s endgame.

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30) Yesteryear (Star Trek: The Animated Series) – Spock travels back in time and saves himself as a young boy on Vulcan, in an episode that reveals a lot about Spock’s life.

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29) The Void (Star Trek: Voyager) – When Voyager gets trapped in a pocket space with a bunch of other ships that prey on each other, Janeway has to convince everybody to work together to escape. Janeway’s finest hour.

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28) Homefront/Paradise Lost (Star Trek: Deep Space Nine) – Nowadays, everybody trots out the “security versus freedom” question, but DS9 asked it first, and best, with this story of paranoia about shapeshifters in Starfleet.

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27) Where No Man Has Gone Before (Star Trek) – The second Star Trek pilot is the best, facing Kirk with an impossible choice: condemn his friend to death, or risk his entire ship.

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26) The Year of Hell Parts 1 &2 (Star Trek: Voyager) – The luckiest ship in the Delta Quadrant finally has really, really bad luck.

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25) The Offspring (Star Trek: The Next Generation) – Data creates an android daughter for himself, but some miracles are too great to last.

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24) Duet (Star Trek: Deep Space Nine) – Kira suspects that a visiting Cardassian is actually a notorious war criminal, and she’s willing to go to insane lengths to prove it.

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23) The Equinox (Star Trek: Voyager) – Captain Janeway’s determination to uphold Federation principles far from home looks a lot more impressive when you meet another Starfleet crew that compromised, really badly.

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22) Tapestry (Star Trek: The Next Generation) – Picard is dying of an old wound caused by his recklessness, so Q shows him what his life would be like if he’d played it safe.

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21) Arena (Star Trek) – Kirk faces two impossible challenges: making a weapon from scratch, and upholding his values in the face of a murderous Gorn.

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20) Measure of a Man (Star Trek: The Next Generation) – Putting Data on “trial” to see if he’s a person raises fascinating questions, but the best part is Riker’s total ruthlessness as prosecutor.

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19) Yesterday’s Enterprise (Star Trek: The Next Generation) – The Enterprise finds itself in an alternate universe, and restoring the original timeline will come at a high cost.

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18) The Doomsday Machine (Star Trek) – Kirk faces the ultimate weapon, but his real nightmare is an unhinged superior officer taking command of the Enterprise.

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17) The Siege of AR-558 (Star Trek: Deep Space Nine) – Lots of DS9 episodes explored the notion that war is Hell, but this one made it visceral and unforgettable.

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16) Devil in the Dark (Star Trek) – The classic Star Trek scenario: a story in which the “monster” is misunderstood, and ignorant humans are the real danger.

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15) Space Seed (Star Trek) – The only Trek episode to get a movie sequel, this story introduces a suave former dictator who’s a perfect foil for Kirk.

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14) The Corbomite Maneuver (Star Trek) – This episode isn’t named after the villain or the McGuffin, but after Kirk’s cunning gambit — with good reason. Never play poker with Kirk.

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13) Far Beyond The Stars (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko hallucinates he’s a pulp science fiction author writing about the impossible: a black captain named Ben Sisko.

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12) Amok Time (Star Trek) – Our first visit to Spock’s homeworld also shows how friendship and cunning are more powerful than mating rituals and ancient traditions.

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11) Chain of Command (Star Trek: The Next Generation) – Picard is captured by a ruthless Cardassian torturer — and gets pushed to his limits.

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10) Mirror, Mirror (Star Trek) – Meeting alternate crewmembers, including Bearded Spock, is cool — but the fascinating part is seeing our heroes try to pretend to be barbarians.

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9) All Good Things (Star Trek: The Next Generation) – The best Q story sees Picard tested at three points in his life, with the whole universe in the balance.

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8) The Inner Light (Star Trek: The Next Generation) – Picard lives a whole life on a doomed planet, and becomes a living memorial, with just a flute as souvenir.

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7) In the Pale Moonlight (Star Trek: Deep Space Nine) – How far will Sisko go to get the Romulans to join the war? All the way.

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6) The Trouble with Tribbles (Star Trek) – The funniest Trek, it also faces Kirk with the most insidious threat: an organism that’s born pregnant.

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5) Darmok (Star Trek: The Next Generation) – Quibble about the alien language all you want, this parable of learning to communicate remains powerful.

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4) The Visitor (Star Trek: Deep Space Nine) – Jake Sisko has grown old as a famous writer, but he’s willing to give it all up to save his father in the past. Absolutely beautiful.

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3) City on the Edge of Forever (Star Trek) – Kirk, Spock and McCoy visit the 1930s, and Kirk faces an impossible choice that proves time travel is heart-breaking.

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2) The Best of Both Worlds (Star Trek: The Next Generation) – The Borg turn Picard into their mouthpiece, and our heroes nearly lose.

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1) Balance of Terror (Star Trek) – Kirk’s battle of wits with a Romulan is spellbinding, but so is the exploration of prejudice, and the idea that noble people fight on both sides.

Portions of this list originally appeared in a “top 10” list back in 2011. Thanks to everybody who suggested stuff for this list over at the Observation Deck, especially Pessimippopotamus,Dr Emilio Lizardo, Erodgenator, JurassicBark, omgwtflolbbqbye, Gilese, Ghost in the Machine, Quasi Hatrack, KeithA0000, LizTaylorsEarrings, MasterChef_117, Kegg, Robert James, Poet Desmond, Erinaceus, Onelittledetail, Pie ‘oh’ Pah, Fauxcused, Terror and Love,Buck-Bokai, McGiggins, cohentheboybarian, Maveritchell, hyattch, Mudbud, sbtblab, Siete Ocho, Eesti, WiessCrack, Steven Lyle Jordan, tsalonich, llaalleell, KKGrotto,KiraNerys42,owensa42, Indiebear, tetanusRacing, Max Hansen, Kevin Bradley and everybody else who contributed. Thanks!

Concierto acústico PARTIDO @ Terraza Hotel Pulitzer

Ayer asistimos a la presentación del segundo disco del grupo PARTIDO con su nuevo proyecto, The Ruins.

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Fue en la terraza del Hotel PULITZER de Barcelona. Un anticipo acústico para su concierto de presentación eléctrico en la sala MUSIC HALL de Barcelona y Costello de Madrid

Entradas:
Presentación Oficial en Barcelona: https://www.ticketea.com/partido-en-music-hall-bcn/
Presentación Oficial Madrid: https://www.ticketea.com/partido-en-sala-costello-madrid/

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Fue un atardecer mágico, rodeados de buena música y buen rollo de los asistentes. En esta ocasión faltaba el guitarra de la banda y las versiones fueron mucho más “light”.

Por eso esperamos con ganas verlos de nuevo en directo con toda la banda.

Os dejamos un par de fotos del concierto.

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Brinkmann Balance | Sarte Audio Elite

http://www.sarte-audio.com/blog/brinkmann-balance

Brinkmann Balance

La quinta esencia del High End alemán

El origen inequívocamente anglosajón de lo que conocemos como Audio High End no quita que, en los últimos 10 años, se hayan producido cambios en un mercado que ha experimentado como pocos –para bien y para mal- el irresistible empuje de las nuevas tendencias en el consumo de música grabada, hasta el punto de que EE.UU. y el Reino Unido han tenido que compartir su liderazgo con otros países. Por otro lado, existe a escala mundial un núcleo duro de aficionados que sienten auténtica devoción por el vinilo y empresas –como la nuestra- que han creído siempre en el más entrañable y, en muchos aspectos, musical de los formatos de audio. Y también hay países en los que lo clásico, lo tradicional ha salido mejor parado del “tsunami” digital y de Internet que en otros. Es el caso de Alemania, tradicional superpotencia en lo que a pasión por la música culta se refiere y, desde hace ya una década, verdadera caja de sorpresas en cuanto a fabricantes de componentes de audio de muy alto nivel. Fabricantes pequeños en su mayoría, pero muy comprometidos con su trabajo, hiperespecializados en términos de fabricación y sorprendentemente sofisticados en lo que a conceptos y soluciones tecnológicas se refiere.

En suma, lo mejor del rigor industrial y la pasión por las cosas bien hechas que forma parte de Alemania aplicado, en este caso, a la reproducción de la música grabada. Uno de dichos fabricantes es Brinkmann, fundada y dirigida por Helmut Brinkmann y que, sin ninguna duda, se puede considerar un ejemplo icónico de lo que es y representa el High End alemán. El giradiscos Balance, que protagoniza el presente Blog, ejemplifica a su vez una manera muy especial y contundente lo que significa maridar sonido y tecnología en clave de vinilo.

Austeridad formal, sofisticación tecnológica y radicalismo conceptual

Hay que reconocer que los alemanes juegan con ventaja a la hora de buscar lo último en materiales y, sobre todo, ingeniería mecánica gracias a una excelente base industrial que les permite acceder a lo último en maquinaria de control numérico para realizar mecanizados de muy alta precisión y, por tanto, para convertir en realidad los proyectos del más loco y exigente de los fanáticos de la reproducción sonora.

Del Balance gusta su elegante y sofisticada austeridad estética. Siendo un producto elitista, se nota que ha sido concebido por y para realizar una función muy concreta, sin concesiones a la galería ni, por supuesto, el más mínimo “fuego de artificio” que induzca a pensar que se busquen otros objetivos además de la excelencia sonora suprema. Una excelencia que en el ámbito de los giradiscos se condensa en dos conceptos: estabilidad de rotación e inmunidad absoluta frente a interferencias de origen mecánico o acústico.
Construido de forma completamente manual, el Balance impone ya de entrada por su contundente (18 kg de peso y 95 mm de altura) plato de aluminio especial de baja resonancia (a lo que contribuye también el disco de vidrio “incrustado” en su parte superior), un plato que para cumplir su cometido sin imperfecciones debe girar a la velocidad exacta. Y ahí es donde entra en juego esa sofisticación de la que antes hablábamos porque Helmut Brinkmann considera que el elemento clave del sistema de rotación es el conjunto formato por el eje y los rodamientos (cojinete), un conjunto que de ningún modo puede ser afectado por factores externos por insignificantes que parezcan.

Uno de dichos factores, esencial para el fabricante alemán, es la temperatura de los materiales empleados en el citado conjunto, cuya variación en función de las condiciones de trabajo se reduce prácticamente a cero gracias a un esquema de control electrónico basado en un transistor MOSFET de alta calidad que se encarga de mantener la disipación térmica en 15 vatios (lo que se consigue calentando el aceite que baña el eje de rotación) por cuanto se considera que es la cantidad adecuada para garantizar una rotación absolutamente fluida –y, por supuesto, a la velocidad exacta… es importante insistir en ello- del conjunto “plato+rodamientos”.

En este sentido, ayuda mucho la muy elaborada (ubicada en un recinto separado bellamente diseñado e irreprochablemente mecanizado) fuente de alimentación transistorizada que acompaña al Balance, una fuente que puede ser sustituida por una a válvulas (RöNt) disponible opcionalmente y que ha sido ideada para optimizar lo que Helmut Brinkmann llama la “cadena de energía”, formada por las diferentes fuerzas que entran en juego en un giradiscos con el fin de conseguir la perfecta rotación del plato. En suma, espíritu High End aplicado al límite.
En lo que respecta a los elementos mecánicos más “clásicos”, encontramos de nuevo un perfeccionismo controlado, casi comedido, pero perfeccionismo al fin y al cabo y, por lo tanto, excelencia. Es el caso del robusto chasis de 4 centímetros de grosor mecanizado en latón/acero de alta calidad o la base para el brazo de lectura, que puede aceptar diseños de longitud comprendida entre 9 y 10’5 y 12’1 pulgadas. Sobra decir que el Balance se suministra de fábrica con el bloque del brazo debidamente mecanizado para el modelos por el que finalmente se opte.

Una explosión de matices

Escuchamos el Balance equipado con un brazo Tonearm de 10’5 pulgadas de la propia Brinkmann –otro dechado de “perfeccionismo austero”- y una cápsula van den Hul The Condor, a lo que hay que sumar un preamplificador de fono Edison (otra maravilla que merece por sí solo protagonizar un futuro Blog), un previo de línea Audio Research Reference Anniversary, una pareja de etapas de potencia monofónicas Krell Evolution 900e y una pareja de las sublimes Sonus faber The Sonus faber. Todas las conexiones (Balance/Edison incluida) son de Transparent Audio (Opus MM2 en línea y cajas).
Lógicamente, la explosiva combinación que acabamos de describir no puede dar más que alegrías, en especial, teniendo en cuenta que todos los productos que la constituyen están ya suficientemente rodados.

motorbalance-brinkmann

Pero es que la palabra “alegría” casi resulta banal cuando uno se pone a escuchar pieza tras pieza –siempre de música clásica y jazz, que para algo la música verdadera debe ser ejecutada con instrumentos acústicos- y a descubrir un torrente de matices que inunda literalmente el espíritu. Por ejemplo, la incisiva interpretación de las celebérrimas “Cuatro Estaciones” por los impecables músicos de “Il Giardino Armonico” rebosa de riqueza, brío y sensualidad. Y lo mismo sucede con las melancólicas piezas de Schubert magistralmente ejecutadas por el genial y riguroso Alfred Brendel. ¡Y no digamos ya la legendaria banda de Duke Ellington o la siempre seductora voz de Ella Fitzgerald! Se consigue llegar a una especie de catarsis en la que el equipo desaparece virtualmente de la escena para convertirse en un enlace perfecto entre el compositor, los intérpretes y el oyente. En definitiva, seducción en grado sumo -con capacidad para crear adicción, lo que sucede en ocasiones muy contadas- que, con toda seguridad, frustrará a más de uno cuando la desconexión de los aparatos del equipo le haga volver a la realidad. ¿Se puede mejorar tanta excelsitud? Nos “tememos” que sí, “afinando” en materia de cápsula, fuente de alimentación del plato (léase cambiar transistores por válvulas). De hecho, casi no hemos mencionado la palabra Balance en nuestra reseña sobre la calidad sonora… hasta ese punto hace el Brinkmann honor a su nombre. Una espléndida materialización del concepto de “giradiscos para toda la vida” y un monumento a la mejor ingeniería y sabiduría alemanas a la hora de sacar todo el jugo al disco de vinilo. Más info>>

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Pacific Rim, de Guillermo del Toro

Guillermo del Toro, con Pacific Rim, nos regala una oda pantagruélica a las películas de monstruos japoneses y al cine de animación oriental bajo el aparatoso prisma habitual de una mega-producción hollywoodiense.

Crítica de Pacific Rim

Guillermo del Toro es un tipo -como él mismo se denomina-, un tanto especial. Su pasión por el cine trasciende la barrera del propio lenguaje cinematográfico, y por doquier pueden contarse sus apariciones en eventos, charlas, congresos y proyectos donde se afana por explicar sus aficiones, tics y referencias en relación al séptimo arte. Digamos que, en cierta manera, se preocupa por hacer algo más que rodar películas ya que las vive y siente como nadie. Cuando Peter Jackson y él anunciaron una colaboración estrecha para filmar El Hobbit, muchos se tomaron la noticia con cierto escepticismo -algo lógico, más vale malo conocido, que malo por conocer-, pero otros tantos guardaron una fe casi dogmática en que, el director mexicano, acabaría haciendo las cosas bien con total seguridad. ¿Quién mejor para llevar la fábula de Tolkien que un realizador especializado en narrar y hacer películas con aspecto de fábula?

Guillermo del Toro - Peter Jackson

Desgraciadamente, Del Toro abandonó el proyecto, y se internó en la arriesgada adaptación de “En las montañas de la locura”, de H.P. Lovecraft, autor fetiche para el director -las influencias del escritor de terror en sus películas de Hellboy son más que evidentes-, en la que depositó sendas esperanzas e ilusiones. Guillermo del Toro es un fanático del llamado “terror cosmogénico” donde las figuras humanas somos meras marionetas y alimento para una serie de criaturas y dioses antiguos, procedentes de más allá de las estrellas. El argumento de “En las montañas de la locura” prometía terror, misterio y arqueología, llevándonos a la Antártida, donde un grupo de científicos descubrían unos extraños cuerpos enterrados en mitad de la nieve. Desgraciadamente, la producción tampoco llegó a buen puerto, siendo todo un mazazo personal y sentimental para Guillermo, que se dedicó a producir y firmar colaboraciones -como la infravalorada Mamá– mientras gestaba otra película, más ambiciosa y grande si cabe, que lo devolvería a la primera línea del panorama cinematográfico.

Jaegers

Pacific Rim nace como lo hacen las grandes gestas fílmicas de los últimos: como fruto de un delirio personal. Para entender el germen de semejante capricho, y para comprender al mismo tiempo la naturaleza de una película como Pacific Rim, hay que comprender en primera instancia, las motivaciones personales del propio director. Guillermo del Toroha confesado -en repetidas ocasiones- sentirse atraído por las películas de monstruos gigantes procedentes de tierras niponas, cautivando su imaginación desde que era un tierno e imberbe infante. Se ha criado con ellas, y forman parte de su subconsciente cinematográfico.

No es de extrañar. Descontando el poderío cinematográfico de películas como “King Kong” -si estableciésemos lazos y conexiones podríamos sacar al menos un par de nombres de directores de primer nivel que empezaron a rodar y filmar influenciados por el gorila gigante de la RKO-, Guillermo del Toro siempre se ha declarado un fanático confeso de las cintas procedentes del género conocido como kaiju eiga -lo que sería la definición de películas de monstruos en japonés, y del que toma prestado el términokaiju para su propia mitología en Pacific Rim -, en especial de las producciones de laToho o la Daei, con Godzilla y Gamera -respectivamente- como principales estrellas de ambos estudios.

Pacific Rim Godzilla

Desde la original “Japón bajo el terror del monstruo” (Gojira, 1954) de Ishiro Honda a las grandes congregaciones multitudinarias de látex donde decenas de criaturas se batían el cobre en mitad de las ciudades japonesas más laureadas -en miniatura y realizadas en cartón piedra, claro está-, Guillermo del Toro, al igual que toda una generación, creció con estas películas, amasando y asimilando sus propios clichés y reglas que, a posteriori, marcarían su forma de hacer cine. Las kaiju eiga proliferaron en el Japón de los años sesenta y setenta, contando ambas décadas con el mayor grueso de producciones, sagas y secuelas de Gamera, Godzilla y compañía. Entre medias, y a medida que el género kaijucomienza a perder popularidad en Tokyo y en otras partes del mundo -donde este tipo de producciones eran carne de reposición televisiva o programa doble de matinal-, comienza a destilarse una cierta tendencia a la inclusión de los robots gigantes, que pasan a un primer plano.

Kaijus

Ya sea hablando dentro del propio cine o de las series de anime a las que dieron pie los robots -no se puede olvidar la cita a la estrella de la época de los setenta, “Mazinger Z”, o de la inclusión de renombradas versiones robóticas y mecanizadas de monstruos como Godzilla, que contó con su propio Mecha-Godzilla-, el robot o autómata, conocido también como “mecha”, empezó a cautivar a grandes y pequeños, haciéndose un hueco en la cultura japonesa que ha durado hasta nuestros días, postulándose a la postre como uno de los iconos más reconocibles del imaginario nipón. Así pues, nadando entre esos dos conceptos, el del mecha y el del monstruo gigante, nace Pacific Rim, un brillante entramado de guiños, homenajes y detalles procedentes de estos dos gigantescos elementos culturales tan populares y asentados.

Pacific Rim - Crítica

El argumento -o más bien, pretexto- de Pacific Rim es tremendamente sencillo, al mismo tiempo que ingenioso. En un futuro cercano, la humanidad se ve asediada por el ataque de una serie de monstruos gigantes denominados Kaijus. Procedentes de una dimensión desconocida, llegan a nuestro planeta a través de una brecha localizada en el océano Pacífico, y convirtiéndose en todo un problema para las naciones de todo el mundo, que se afanan por buscar una solución viable a la colosal amenaza. Tras varios fracasos con determinados programas militares, se aprueba la construcción de losJaeger, unos aparatosos robots pilotados de manera simultánea por dos humanos conectados de forma neurológica. Entrelazando sus hemisferios cerebrales, y compartiendo hasta sus recuerdos más íntimos, ambos pilotos consiguen poner el funcionamiento el mecanismo del enorme robot, y enfrentarse, cientos de toneladas de acero puro mediante, a los temibles kaiju. Estos tanques bípedos son la última esperanza de la humanidad, y en sus frías manos, está la clave para vencer a las criaturas que nos acechan en las costas del Pacífico.

Pacific Rim - Crítica

Guillermo del Toro, en una introducción rápida -al estilo de algunos de los anime más famosos y recientes, como “Evangelion”– establece su propia mitología y apocalíptico escenario, explica los detalles necesarios para comprender las motivaciones de los personajes, y se lanza a ofrecernos un espectáculo audiovisual sin parangón en los últimos años. Pacific Rim funciona como película a varios niveles y estratos. El film, en primera instancia, sirve como contenedor popular para una serie de elementos repetidos como clichés recurrentes y reiterativos en el propio género kaiju -el trauma familiar, la amenaza nuclear que también sirve como única salvación para la humanidad-, y de hecho, incluso se podrían trazar varios ejemplos y similitudes con el clásico de referencia, “Japón bajo el terror del monstruo”, donde pese a existir armas y soluciones bélicas capaces de pararles los pies al gigantón nuclear, es finalmente un científico con ganas de venganza -pero al mismo tiempo, profesa un extraño sentido de admiración con respecto a la criatura- el que logra descifrar la clave de la amenaza kaiju.

¿Quién quiere personajes... cuando tiene ROBOTS GIGANTES?

Los personajes en Pacific Rim son, paradójicamente, meras marionetas del espectáculo, desfilando por la pantalla únicamente para servir de excusa la acción que desborda al espectador en pantalla. Deliciosamente estereotipados, roles como el interpretado porIdris Elba -el rudo y paternalista mariscal, Stacker Pentecost-, o el de Mako Mori -encarnada por la eficiente y bellísima Rinko Kikuchi– ayudan a trasladar de forma visible el marcado sentimiento dramático de este sub-género kaiju, que lleva al paroxismo absoluto todo lo relacionado con las motivaciones y traumas personales. Charlie Hunnam -el descubrimiento de la película, pese a que se encuentra algo perdido con respecto a sus compañeros- tampoco se libra de esos demonios del pasado, y también arrastra su propio estigma personal que lo martiriza. En otra película, tamaña argamasa de recuerdos, pasiones y discursos tal vez quedase algo ridícula -quizás con la excepción de la mítica “Top Gun”-, pero en Pacific Rim casa y funciona la perfección, dotándole de mayor cohesión y verosimilitud a tamaño capricho y homenaje cinematográfico a la cultura japonesa.

Una vez tenemos el escenario, los personajes y la propia historia en sus respectivas colocaciones y puntos de partida, Guillermo del Toro procede a abrumar con sendas coreografías de batalla y milimétricas secuencias de acción, donde cada Jaeger y Kaiju se encuentran en el momento oportuno y en el ángulo correcto para sus intercambios de golpes. Las reiteradas batallas de Hong Kong o la vista en Alaska -que abre la película sirviendo de introducción- son tremendamente impactantes, inteligentes y colosales. A ello, en parte ayuda su cuidado diseño artístico y de producción, que bebe y transforma las más variadas influencias de las películas y series del género kaiju y mecha, añadiendo clichés y cameos de cosecha propia: los Jaeger y su forma de pilotaje, los Kaiju y acertada concepción física -aficionados a la Toho y al cine del recientemente fallecido, Ray Harryhausen, podéis sacar brillantes y veladas referencias, no perdáis ojo-… No hay ninguna pieza dejada al azar. Guillermo del Toro sabe introducirnos de una forma especial como testigos omniscientes y supervivientes entre los gigantescos escarceos de monstruos y robots, dotando de una escala real, tangible y panorámica a las batallas que ofrece, algo que hasta la fecha, no se había visto con demasiada verosimilitud en la pantalla grande, y que a la postre, es todo un plus para la versión tridimensional de la cinta -pese a que no se ha rodado de forma nativa-. Siguiendo el hilo del plano técnico, la fotografía, obra de su inseparable y colega Guillermo Navarro -que recibió el Oscar en 2006 por su labor en “El laberinto del fauno”-, fusiona una vez más con acierto colores cálidos y fríos, buscando ese halo de fábula habitual en las películas del cineasta responsable de “Cronos” y que por norma general, suele sentar tan bien a su filmografía. Es algo así como su impronta estética, y en esta Pacific Rim, sigue funcionando de manera más que correcta.

Crítica de Pacific Rim

Pacific Rim, sin temor a equivocarnos, nos parece uno de los blockbusters más coherentes, sólidos y sanos de los últimos tiempos. No es una cinta pretenciosa, ni tampoco busca aleccionar con el habitual discurso moralizante o ecologista habitual en el género. Simplemente está pensada y rodada, para hacernos disfrutar. ¿Ingenua? Tal vez. Pero entretener es su única pretensión, y lo cierto es que lo consigue con creces. Todo en Pacific Rim, goza de cierto lustre, y está impregnado de forma brillante por el imaginario del director mexicano, que repetimos, es el vehículo perfecto para aglutinar más de cincuenta años de monsters-movies en un atronador espectáculo audiovisual durante sus dos horas de metraje. Quizás suene aventurado decir que estamos delante de su película más inspirada y sólida, pero en cambio, sí que estamos seguros de que el niño que todos llevamos en nuestro interior -ese que se encerraba en su cuarto a jugar con sus soldados de plástico, robots de hojalata y dinosaurios de goma-, saldrá más que satisfecho de este honrado y esplendoroso viaje al corazón de un género despreciado y olvidado por muchos, pero que al mismo tiempo, es parte indivisible e inherente de nuestra cultura popular.

Crítica escrita por Alberto González

Vocabulario Cocina Japonesa: sushi, sashimi, maki, nigiri…

Con motivo de mi iniciación en el mundo del Sushi, he intentando clarificar los términos que tienen que ver con todo este tipo de comida japonesa. Como norma general (o al menos yo lo hacía así) usamos la palabra Sushi para referirnos a todos esos deliciosos manjares que nos ofrecen en un Sushi Bar. Pero la palabra Sushi (鮨) en realidad se refiere sólo al arroz cocido adobado con vinagre de arroz, azúcar, sal y algún que otro ingrediente adicional. El Sushi se prepara generalmente en raciones pequeñas, aproximadamente del tamaño de un bocado, y puede adoptar diversas formas. Es por ello que todos los platos que llevan ese delicioso arroz son un tipo de Sushi.

A continuación amplio la información sobre algunos de estos términos de la cultura culinaria japonesa:

Sashimi: basicamente es pescado crudo finamente cortado. No lleva arroz, y por tanto no es un tipo de Sushi.

Inari Sushi: cuando el pescado se presenta embutido en una pequeña bolsa de tofu frito o en una tortilla muy fina (Fukusa Sushi) o en una hoja de col.

Nigiri Sushi: cuando al arroz se le da forma de pequeñas albóndigas alargadas y se cubren con trocitos de pescado.

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Chirasi: es un cuenco de arroz para sushi con trozos de pescado y otros ingredientes por encima; También llamado chirashizushi o barazushi.

Maki Sushi (‘rollo’): cuando el pescado y el arroz están enrollados en una hoja de alga nori.

Norimaki: simplemente arroz envuelto por alga nori con algún ingrediente en su interior. Es el más común y más sencillo.

Temaki (手巻き): el “sushi enrollado a mano” es un cono de gran tamaño formado por una hoja de nori rellena de arroz y otros ingredientes en la parte abierta del cono. Un temaki típico tiene alrededor de diez centímetros de largo y se come con la mano al ser demasiado grande como para emplear los palillos.

Futomaki (太巻き): es un tipo de Maki Sushi característico por ser el “sushi de rollo grueso”. Es cilíndrico y largo, con el nori en el exterior. ElFutomaki común mide de dos a tres centímetros de espesor y de cuatro a cinco centímetros de largo. A veces se confeccionan con dos o tres rellenos, elegidos para complementar y mejorar su sabor y color. El llamado 4 Estaciones son cuatro Norimakis diferentes envuentros en una hoja de Nori. También existe el Futomaki con forma de corazón.

Uramaki (裏巻き): el “sushi del revés o invertido”. Es un sushi de mediano tamaño y cilíndrico, con dos o más rellenos. El Uramaki difiere de los otros Sushi porque el arroz está en el exterior y el nori se encuentra adentro. El relleno está en el centro rodeado por una capa de nori, luego una capa de arroz, y aparte otros ingredientes como huevas o semillas tostadas de sésamo.

California: es un tipo de Maki Sushi que conteniene pepino, palito de cangrejo (surimi) y aguacate. En ocasiones es realizado tipo Uramaki.

Kappamaki (河童巻): es un Nori Maki relleno de pepino. Recibe su nombre del demonio japonés Kappa.

HosoMaki (細巻き): el “sushi de rollo delgado”. Suele medir dos centímetros de espesor y dos centímetros de largo. Debido a su pequeño tamaño se suele rellenar con un solo ingrediente.

Gungenken o Gunkanzushi: el “sushi cuenco” es un tipo de Maki donde la cubierta nori no se rellena completamente de arroz y se deja un hueco, formando un cuenco. En ese hueco sobrante se colocan huevas de salmón o tartar.

TiposDeSushi_Temaki TiposDeSushi_NoriMaki-UraMaki

Oshi Sushi (押し寿司): el “sushi prensado” es un bloque de arroz prensado en un bloque de madera. Se crea un bloque compacto y rectilíneo que después se corta en rodajas.

Gomoku Sushi (五目寿司): el “sushi en bola” donde los ingredientes, cocinados o no, son puestos en el interior de una bola de arroz.

Nare Sushi (なれ鮨): el “sushi fermentado” es la forma de preparación más antigua y más infrecuente. Su preparación lleva alrededor de 6 meses. Hoy es una rareza.

TiposDeSushi_Futomaki-Corazon TiposDeSushi_FutoMaki-4Estaciones

Fuente: entre otras Wikipedia

Literatura e intertextualidad en PSB

Fantástico post de Lucía Etxebarria en http://allegramag.es/wp/literatura-e-intertextualidad-en-psb/ que reproduzco en su totalidad…

“Quiero dedicarle este post a Ricardo Robles y a Gustavo Sánchez, grandes admiradores ambos de PSB

Precisamente a Gustavo le dije que podria escribir un artículo muy cotilla y hortera hablando sobre los PSB, los rumores sobre sus amores y su homosexualidad y todo tipo de cotilleos varios, y que ese artículo sería muy leído, o uno muy serio sobre la intertextualidad y las referencias literarias en PSB, pero que ese segundo artículo no sería nada leído. Pues bien, Gustavo me dijo que prefería el formato menos cotilla y por lo tanto menos leído

Uno de mis mejores amigos que fue conmigo a la facultad me dijo que no le gustaban los PSB. Me sorprendió porque ambos hemos estudiado Filología Inglesa y por lo tanto las referencias literarias de PSB son las nuestras. Yo, en particular, comparto muchas: Proust, Gide, Cóward, Firzgerald, Pope, Trollope, la Biblia, Mayakosvki, el constructivismo ruso, Evelyn Waugh , Forster, Bernard Shaw, Wilde, David Lodge, Julian Barnes, Tenyson, Kipling, a oído hablar hasta que Tennant lo mencionó . Toma también referencias del poema “A Sane Revolution” de D.H. Lawrence… Cuando escucho decir que los PSB hacen música bailable y hortera, de consumo rápido, se me llevan los demonios. Bailable es, hortera no. De consumo rápido, mucho menos. De hecho, han hecho auténticos himnos intemporales, como el tiempo, que todo lo pone en su sitio se ha encargado de demostrar . Siendo como somos en este país unos incultos de tomo y lomo, no es de extrañar que las referencias se les escapen incluso a los más supuestos sesudos y enteraos, que seguro que en su vida han escuchado hablar de la mitad de los autores citados, mucho menos los han leído.

Otra prueba de la incultura de este país es el hecho de que todo el mundo cree que “intertextualidad” significa “plagio”, cuando no tiene nada que ver. La intertextualidad es un vínculo que los autores buscan con las obras que admiran, con los versos que los han marcado, con aquellas frases que consideran grandes aciertos expresivos o que simplemente encajan adecuadamente en su mensaje. Las inclusiones de versos o frases de otros autores enriquecen los textos y los hacen polisémicos. Intertextualizar es incluir una frase de otro autor conscientemente en un discurso. Por ejemplo, cuando alguien menciona la frase ” Pan y circo”, cita a Juvenal, lo quiera o no. O si dice “Todo lo que no es tradición, es plagio”, cita a Ortega y Gassett. A veces, como digo, las citas no son intencionadas. A veces sí, y se incluyen muy conscientemente en un poema, en una canción, en una novela, como homenaje al autor o como guiño al lector. El artista sabe que muy poca gente va a entender la referencia o siquiera captarla, pero el artista se dirige precisamente a ésos. No pasa nada si alguien no coge la cita, el texto sigue igual, pero la cita intertextualizada es como un mensaje en una botella, un juego desde el artista a su público. Dylan, por ejemplo, intertextualiza en cada canción, de forma que ya es casi un juego entre estudiosos de Dylan pillar las citas. Los PSB lo hacen también.Por poner un ejemplo en español Sabina como en temas como “Donde habita el olvido”, “Tan joven y tan viejo”, “De purísima y oro”, “Y morirme contigo si te matas” incluye versos de Cernuda, Bécquer, Lorca Neruda, Gil de Biedma y muchos otros. Evidentemente yo también lo he hecho a menudo. Pero una revista sensacionalista como Interviú aprovecho el tirón del escádalo Ana Rosa Quintana para crear un culebrón de la nada. ¿ Por qué no lo hicieron con Sabina? Sabina nunca ha salido desnudo en Interviñu, yo sí, en unas fotos robadas. Ergo; Yo soy carnaza senacionalista, Sabina no. Y con el sambenito me he quedado pese a que – repito por enésima vez- no he tenido una condena por plagio en la vida. Pero no podemos esperar de según qué gente que comprendan según que cosas

En cualquier caso, y para vuestro deleite, aquí van todos los ejemplos de intertextualidad que conozco en los PSB. ( Los he identficado con ayuda, claro, hay mucho publicado al respecto y en muchos casos el propio Neil Tennant ha señalado la fuente) Seguro que hay más. Si conocéis otros, me lo contáis.

PSB

Being Boring

No solo el título, sino la canción entera está inspirada por un artículo escrito en a 1922 por Zelda Fitzgerald. La canción tiene una línea directamente extraída del artículo
“… she refused to be bored chiefly because she wasn’t boring.”
Es decir: se negaba a aburrise porque no era una persona aburrida
Y la canción se refiere a Zelda directamente como ” la esposa de un escritor” ovidando que Zelda también era escritora

Betrayed

Los versos “You said if you’d to choose between some money and a friend / You’d always choose the friend”
son una adaptación de una frase célebre de E.M. Forster (1879-1970) de su ensayo “What I Believe” ( “En lo que creo” ) “If I had to choose between betraying my country and betraying my friend, I hope I should have the guts to betray my country” “(Si tuviera que elegir entre traicionar a un amigo o a mi país, espero que tendría el valor de traicionar ai país)
Y los versos “And still you need to justify yourself to others but not me / With that more-in-sorrow-than-angerroutine” se refieren palabras de Horacio en el Hamlet de Shakespeare (Acto 1, Eacena 2) cuando Horacio describe al fantasma como “A countenance more in sorrow than in anger.” ( que trasmite más pena que odio)

Bright Young Things

El tema se escribió para la película del mismo nombre pero al final no se incluyó. La película, y por tanto el tema, están basado en la novela de Evelyn Waugh publicada en 1930 “Vile Bodies”.
La expresión ” bright young things” aparece repetidas veces en la novela. Sin embargo la referencia a la novela es tan sutil que habría sido mu y difícil detectarla si no se hubiese sabido que el tema era un encargo

Building a Wall

El verso “More work for the undertaker means there’s less for me” está inspirado en la novea de Margery Allingham “More Work for the Undertaker”, publicada en 1989 .
El verso “Sand in the sandwiches, wasps in the tea. ” está extraído del poema de John Betjeman’s “Trebetherick”

Can You Forgive Her?

“Can You Forgive Her?” Es el título de una novela de Anthony Trollope publicada allá por el 1864.

Casanova in Hell

Inspirado en el libro “Memorias” de Giacomo Casanova (1725-1798) y en la novela “El regreso de Casanova” de Arthur Schnitzler, publicada en 2005 .

Delusions of Grandeur

Inspirado en la novela “Hadrian VII” de Frederick William Rolfe, alias Baron Corvo, del que yo jamás había oído hablar hasta que Tennant lo mencionó . Toma también referencias del poema “A Sane Revolution” de D.H. Lawrence. Tanto la canción como el poema acaban con el verso “Let’s make a revolution for fun!”
( Hagamos una revolución para divertirnos)

Did You See Me Coming?

El verso “You don’t have to be in Who’s Who to know what’s what” es el título de una novela publicada en 1979 por el humorista americano Sam Levenson (1911-1980). Otro verso “Just to thyself be true,” se refiere al famoso aviso de Laertes a su hijo Polonio en Hamlet: “To thine own self be true.”. Es decir: no te engañes a ti mismo, sé sincero contigo mismo.

Discoteca

El dicho “where angels fear to tread” se usa mucho en inglés. No todo el mundo sabe que es un verso de Alexander Pope (1688-1744). En concreto el verso original es “Fools rush in where angels fear to tread” ( los necios se precipitan allá donde los ángeles no se atreven a aventurarse), del ensayo publicado en “An Essay on Criticism”. E.M. Forster escribió una novela con el mismo título (1879-1970).

DJ Culture

El verso “And I, my lord—may I say nothing?” se refiere a las palabras que pronunció Oscar Wilde tras saber que se le había condenado a trabajos forzados : “And I? May I say nothing, my lord?” ( ¿ Puedo decir nada, señor?)

Don Juan

Todos sabéis que se refiere al Don Juan de Gabriel Tellez, más conocido como Tirso de Molina. Pero también puede referirse aql de Molière, Mozart, Shadwell, Byron, Browning, o al de Bernard Shaw . Tennant asegura que se insipiró en el poema Façade, de la poetisa Edith Sitwell (1887-1964).

Dreaming of the Queen

El estribillo “There are no more lovers left alive” viene del titulo de la novela” Only Lovers Left Alive” de Dave Wallis, publicada en 1964.

Gin and Jag

Ek verso “Youth is wasted on the young” ( lo jóvenes están desperdiciando la juventud) es una frase célebre de George Bernard Shaw (1856-1950).
El verso “Boredom deplores a vacuum,” ( el aburrimiento detesta el vacío) es una referencia a la frase de Aristóteles (384-322 AC) ” la naturaleza detesta el vacío”.

Happiness Is an Option

El verso “This is neither old nor new,” bes el título de un poema de la autora rusa Anna Akhmatova (1889-1966).

I Get Excited (You Get Excited Too)

El verso “We’re lying in the gutter, but we’re looking at the stars” es una frase de de Oscar Wilde “We are all in the gutter, but some of us are looking at the stars” de su obra El Abanico de Lady Windermere: Todos estamos en el pozo, pero algunos de nosotros miramos hacia las estrellas

If There Was Love

La canción, escrita por Neil y Chris para el álnum de Liza Minnelli “Results” finaliza con Liza recitando el número 94 de los sonetos de William Shakespeare

I’m Not Scared

El verso ” Take these dogs away from me…” viene del poema “Senex” de John Betjeman. El verso original es
“Oh whip the dogs away my Lord”

In the Night

Toda la letra inspirada en el libro” Paris in the Third Reich: A History of the German Occupation, 1940-1944 ” del historiador David Pryce-Jones.

Integral

Inspirada en la novela de ciencia ficción del mismo título publicada en 1921 por el ruso Yevgeny Zamyatin (1884-1937) La Integral es la nave espacial de la novela

It Couldn’t Happen Here

El titulo se refiere al de la novela “It Can’t Happen Here” publicada en 1935 por Sinclair Lewis.

It Must Be Obvious

El verso “I didn’t intend to interrupt your own shadowplay” se refiere a la obra Shadow Play, de Noël Coward, el autor favorito de Tennant

Jack the Lad

El verso “To feast with panthers every night” es una frase de Oscar Wilde, de, De Profundis, publicada en 1897 , la apología de su vida: “It was like feasting with panthers. The danger was half the excitement.” ( Estaba pasándolo bien con amigos, y el peligro constituía la mitad de la diversión)

Jealousy

En la “Extended Version” Neil recita unas línera del Othello de Shakespeare.

King of Rome

En la letra se habla de Manderley, la mansión de la novela “Rebecca” de Daphne du Maurier’s publicada en 1938. Se cita tanbién el poema de 1892″Mandalay” de Rudyard Kipling. Tennant dice que lo cita por su ” profundo sentido de la melancolía”

Love etc.

Es el título de la noeval de Julian Barnes publicada en 2000: Love, etc.

Love Is a Bourgeois Construct

Inspirada por la novela ” Nice Work” de David Lodge publicada en 1988 ( Lodhe, by the way, es uno de mis autores favoritos. Se cita casi idéntico un pasaje de la novela. Por cierto, la fase ” el amor es un constructo burgués” también la he incluido yo en alguna novela. Es de Maurice Halbwachs, se supone, pero
la usa a menudo Foucault

Luna Park

La referencia al ” pan y circo” es, como muchos sabéis, de Juvenal
Luna Prak es una novela de Brett Easton Eallis. Malísima, por cierto.

Memory of the Future

el verso “I keep tasting that sweet madeleine” es una refenrecia a
¡claro!
mi amado Marcel Proust

More Than a Dream

El verso “Though the mountains may divide, we can reach the sea” viene del Libro de Isaías

My October Symphony

Inspitado por el libro de Ian MacDonald “The New Shostakovich”, publicado en 1989 .

No Time for Tears

El verso “one for all and all for one” es obviamente el lema de los mosqueteros de Alexandre Dumas: “Tous pour un, un pour tous”

Nothing Has Been Proved

Inspirado en el libro “The Trial of Stephen Ward” de Ludovic Kennedy publicado en 1964 .

The Performance of My Life

El verso “A vision of love revealed in sleep” es l titulo de un poema del prerafaelita Simeon Solomon. También es el titulo de una obra de teatro sobre la vida de Solomon escrita por Neil Bartlett.

A Red Letter Day

Contiene una referencia al ” Esperando a Godot” de Samuel Beckett

Silver Age

Homenaje a la poeta antes citada, Anna Akhmatova (1889-1966) a la que se conoce como ” al alma de la edad de plata de la poesía soviética”

The Sodom and Gomorrah Show

Lease usted Genesis 19:1-29.
De nuevo hay una referencia a Marcel Proust. Sodoma y Gomorra es el cuarto tomo de ” En busca del Tiempo Perdido”

Y de nuevo el verso de Alexander Pope
“where angels fear to tread,

This Must Be the Place I Waited Years to Leave

El verso “History, someone had blundered” se refiere la segunda estanza del poema de Lord Tennyson “The Charge of the Light Brigade” escrito en 1854

“Forward, the Light Brigade!”
Was there a man dismay’d?
Not tho’ the soldier knew
Someone had blunder’d:
Their’s not to make reply,
Their’s not to reason why,
Their’s but to do and die:
Into the valley of Death
Rode the six hundred.

El sampleado quese escucha en ruso es de 1936, un discurso del fiscal Andrei Vyshinsky. El fiscal cita, por cierto, a Voltaire.

To Step Aside

“To Step Aside”Es el título de una colección de cuentos publicada en 1939 por Noël Coward.

Up Against It

Es el título de una obra inacabada de Joe Orton. En la letra se cita también Harold Pinter.

Up and Down

El verso “a cloud in trousers” es el título ed un poema publicado e 1915 por mi amado Vladimir Mayakovsky.

The Way Through the Woods

Le han puesto música a un poema escrito en 1910 por Rudyard Kipling (1865-1936).

West End Girls

El verso “From Lake Geneva to the Finland Station” se refiere al viaje de Lenin’s en sy exislio y al libro “To the Finland Station” publicado en a 1940 por Edmund Wilson, un estudio del socialismo europeo.

Your Funny Uncle

Otra vez se intertextualiza un verso de John Betjeman “Indoor Games Near Newbury”: “And your funny uncle saying/’Choose your partners for a foxtrot’.( Y ese tío tan divertido tuyo que decía que eligieses e tus parejas en el foxtrot

Left to my own devices

En la letra se hace una referencia irónica a Debussy y al Che Guevara

Fuente : http://allegramag.es/wp/literatura-e-intertextualidad-en-psb/

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