El otro blog de José Luis

Música, cine, geek life



INTERVIEW: One On One With Steven Wilson – Music Life Magazine

Steven Wilson in Hamilton, Ontario the night before this interview was conducted. (PHOTO: Paul Barrie)

Sunday, November 25th, 3:30pm @ London Music Hall (backstage) – London, Ontario

KB: One of the things that struck me was that last year you ended up on British Breakfast Television and I sort of thought to myself “This is something I thought I’d never see.” Are there any milestones, particularly ones that might not be obvious, that you’ve passed in your career that you can think of?

STEVEN WILSON: I mean, it’s interesting that you think it’s something you thought you would never see. And I totally understand why you wouldthink that, and I think a lot of people think that.  And the simple reality of that is, if I had achievedwhat I’ve achievedin any other musical genre, I would be – I wouldn’t say ubiquitousin the mainstream – but I would certainly be quite evident in mainstream pop culture.  If I played hip hop music, if I played R and B music, if I played electronic music, and I had sold the number of records I’ve sold and the number of ticketsI’ve sold, and done the number of tours I’ve done and I’ve had the Grammy nominations and all this stuff, I would be – I wouldn’t say a fixture of mainstream pop culture – but most people would know who I am.

The reality is that when I do pop up in mainstream culture it is an aberration and it is unusual and it shouldn’t be.

I’m not disagreeing with what you said – it’s absolutely true.  I think most people were like “Oh my god!” you know, “He’s on mainstream daytime television. That’s really weird!” And of course, the reality is that it’s only weird because of the kind of music I’m perceived to play. I come from a background of conceptual rock music, you know, classic rock – whatever you want to call it. And that music, largely, these days, is completelyinvisible in the mainstream. And, like I say, if even an artist that had sold much less than me was a hip hop or R and B artist you’d probably know them – the name would be a lot better known than my name is for example. And it’s a shame that that’s the case but it is the case.  I think thatwe’re all slightly surprised when rock music these days makes its presence felt in popularmainstream culture.

You know, I describe Metallica these days as the biggest underground band in the world.  Or, Iron Maiden – the biggest underground band, you know – these are two of the biggest underground bands in the world. They’re completely invisible in pop culture – completely invisible.  Okay, Metallica – occasionally you might hear one of their songs in a movie or something. But generally speaking they are a cult band. They’re a cult , comes to your city and sells out a fifty-thousand seat arena. And yet, if you see them in daytime tv, it’s bizarre – somethingabout it kind of jars.

KB: It would be something like Bruce Dickinson [lead singer of Iron Maiden] talking about his planes or something…

STEVEN WILSON: Yeah, something like that.  But if it’s actually them going on to talk about their music on a daytime tv show, it’s bizarre. But it’s not bizarre if an R and B act or a hip-hop act or somebody like that goes on mainstream tv to talk about their new album. And that’s something that’s really happened, I think, since the turn of the millennium. Because even I think in the 90s, it wasn’t so unusual for rock music to be in the mainstream. We had grunge music then, certainly in the UK we had Brit-pop, Brit-rock, and bands like Oasis werevery much at the centre of pop culture. Bands like Pulp, bands like Blur – these bands were at the centre of what was happening in pop culture.

And at the turn of the 21st century – sorry, I know this is getting completely off the topic of my music, but I find this stuff interesting – at the turn of the millennium, gradually these musical forms started to retreat from the mainstream.  So you get to the point where Steven Wilson pops up on breakfast TV in 2017 and it’s like, it’s like you’ve entered the Twilight Zone.  It shouldn’t be that way.

KB: Is it perhaps comparable to what happened with the neo-progmovement in the eighties where you had groups like Marillion selling a million records and people were going “What the hell are these guys doing” in the charts…

STEVEN WILSON: I think the best analogy for me is what happened with jazz music. Jazz music in the first part of the 20th century was pop music.  Kids would go to a dance, they would be dancing to Glen Miller or a big band. They’d be dancing to jazz music, or [doing the] Charleston, or whatever it was. And then rock and roll came along.

The equivalent to rock and roll these days would be hip-hop culture or R and B – it’s just pushed rock music right out of the mainstream. And I think rock and roll did that with jazz, in the fifties and sixties. And so now jazz music is very much the music of the aficionado, it’s the music of people who like jazz -they follow it, they’re obsessed with it – but it’s completely outside of the mainstream.  Although Kamasi Washington’s making a case for a come back in jazz.

But generally speaking that’s the way rock music has gone. So, jazz [was] dominant for fifty years, rock and roll music [was] dominant for fifty years.  Now it’s the time of hip-hop culture and deejay culture and R and B, and rock music now is struggling to kind of maintain a foothold – you know, it still sells; I still sell tickets, I still sell records.  Like we said, Metallica, Iron Maiden – still two of the biggest bands in the world. Roger Waters is still one of the highest grossing artists in the world.

So, it still sells tickets, but it’s a strange time where perception of the music that people listen to, the real music fans listen to, and the music that actually is part of the fabric of our lives have completely diversified. If you go to see a movie, if you watch commercials, if you wander into a clothes store in the high street, the music you will hear is R and B, hip hop, rap, whatever it is – that’s the music now that has formed the fabric of the popular mainstream.  And that has happened during my lifetime – in fact, that has happened during my career. Because when I started in the early nineties, it was Nirvana, Pearl Jam, Smashing Pumpkins – that was the dominant music.  So, it’s been really strange and fascinating and obviously a bit depressing to see how that has unfolded during my career. So a lot of the time – sorry, I know this is a very long answer to your question- a lot of the time I feel like I’m having to work twice as hard just to stand still every time in terms of the amount of interestI get from radio, tv, mainstreammedia.  Particularly in America – America’sthe worst of all. There is no-one that wants to write about rock music, there is no-one that wants to talk about rock music on the radio. If there are rock stations, they’re classic rock stations. They just want to play it endlessly – they just want to play Aerosmith, REMs Losing My Religion – endless, like oldies, not interested in new rock music at all. And even when a new rock band comes along, like Greta Van Fleet, it has to be so much a pastiche of an old band, but it’s almost pointless.I don’t know if you’ve heard that band.

KB: Yeah, I know the comparison – it’s pretty obvious.

STEVEN WILSON: It’s almost pointless what they’re doing.  I mean, they’re doing very well, because kids want to go and see a band that recreates the sound of Led Zeppelin.  But in terms of the overall trajectory of pop music and rock music, it’s a footnote – it’s irrelevant, it has no importance at all. So, it’s like going to see a covers band.  It’s like going to see a band covering Led Zeppelin, or Rush or someone.

So…I’ll let you ask your next question.

KBContinuing on with some historical comparisons regarding your career, I can remember watching a webcast about 16 or 17 years ago, around the time of Lightbulb Sun or StupidDream and an individual had asked you to explain what the meaning of a song was, and I recall you stating that you didn’t really like to explain what songs were about.  But certainly with recent albums, there’s a lot more – I don’t want to call a “message” per se – but you know, you’re engaging, there’s something behind the music that you’re communicating more directly…..

STEVEN WILSON: Probably true, probably true yeah.

KB: …and explaining.  Would you say that that is a deliberate change or personal growth?

STEVEN WILSON: I think these days it’s hard to be someone who makes art, music, film, painting, poetry, whatever it is you do – writes books – it’s hard to be someone that does that and not engage in with what’s going on in the world, even if it’s in a very, sort of, impressionistic way.  You know, some people want to write science fiction movies, science fiction books, science fiction concept albums, but of course the beautiful thing about science fiction and I think when it’s most powerful is when it’s very obviously analogous to the world that we live in. So, it’s dystopian, it’s talking about the world we live in in a kind of science fiction context.  Personally, I’ve never been interested in movies like Star Wars, for me that’s just Cowboys and Indians. But take a movie like Blade Runner or Under the Skin or Personal Shopper, those kind of movies, those science fictionmovies that absolutelyare about this dystopian world that we live in, just abstracted, just one step away from the world that we live in to make us think about the world we live in.

And I think that’s really interesting – that it’s difficult for anyone now, I believe, I think it’s difficult to write or create anything without at least referencing what’s going on in the world because it isn’t good – it’s not good! [laughs]And I don’t think anyone would, you know, disagree – well maybe people living in the deep south of America would think everything’s awesome – but generally speaking, I don’t think anyone could look at the world right now and think it’s going well. It’s not. So, maybe as I’ve got older – you know, they say as you get older you become a little bit more grumpy, and a little bit more conscious of the world that you live in and the legacy that you leave, after you go, after you pass away.  I’ve got children now – albeit my step-children – but still, that makes you think about the world in a different way.

And then I think there’s another answer to your question which is that I just think I’ve become a little bit more confident about being more direct with the songs. And that just comes with practice, you know – being able to say things that are very direct but still have a kind of poetry to them. And, I like that – I think it’s nice when you can encapsulate, without wanting to sound pretentious, it’s nice when you can encapsulate the human condition somehow in a single line in a song.

There’s a couple lines I’m really proud of, you know – or I feel like I’ve really [thinks for a few seconds]. There’s a song on the new record called Song of Unborn. “It’s not the years you’ve passed, it’s the moments that last forever within you.”  I think that’s really beautiful – and I don’t come up with those lines very often, but when I do I’m really proud of them! Or, “I’m tired of Facebook, I’m tired of my failing health, I’m tired of everyone, and that includes myself.”

So those things for me, they’re the things that I can point to and say “Yeah, I’m actually proud of that.”  Because that says something, I think, that speaks to everyone, or that has the potential to speak to everyone, and hopefully people can see something about their own life reflected back at them in those.And I think to be able to come up with those lines, which are these like little jewels – you know, I wish I could come up with them all the time and I can’t, but occasionally if I do come up with something like that, I’m really proud.

KB: In other words, it’s music that has a universal message, or that has a resonance, as opposed to in the past more obscure lyrics that people would be filling in with their own meaning.

STEVEN WILSON: And I think that stuff can work, too. I think that stuff can work really well, One thing I do – I think I find I do more – is I don’t…I hope I don’t preach in my lyrics.  What I do is that I write stories, sometimes about characters, sometimes about myself, and in a way I think the more – and I’ve said this many times before and I’ll say it again because I think it’s really true – the more selfish you are as an artist, the more people can read themselves into what you’re talking about.  What I mean by that is, if you try and talk very broadly about the world that we live in, politics, wars, all this stuff that’s going on, I think it can be quite cold and a little bit impenetrable.  But if you make it about yourself, I think it’s easier for people to empathize and see themselves reflected in that.

So there’s this kind of paradox going on that the more selfish I am, the more self-indulgent I am about the way I write the songs, the more insular I make them, the more potential there is for people to really see themselves.  Because we do have this kind of shared, you know, experience, don’t we?

KB: On to more recent things.  You’ve recently released the Home Invasion concert film – it has been very well received.  Were there any concert films, or even non-concert films that you had in mind, especially considering the fact that this film has a lot of cinematic technique involved (i.e. split screens etc.) as opposed to just shots of musicians?

STEVEN WILSON: Yeah, that’s a good question.  Well, I mean, for me my two favorite live performance films are not in a venue, and I would say Sigur Ros’ live performance video dvd where they’re performing on the side of a mountain in Iceland and then at a school hall, and then Live at Pompeii, the Pink Floyd one. And there’s something about the fact that both of those are not in a concert venue that I think makes them more cinematic and more watchable in kind of repeat terms, because the landscape becomes part of the appeal of them.  I would have loved to have done something like that, but it wasn’t practical, unfortunately – we did look at it.

KB: Did you have a location in mind?

STEVEN WILSON: We had a location, yeah, we had a location and it was just so expensive to get the gear there and do it- I’m not going to tell you where it was, ‘cause we might still do it one day. So, for practical reasons it came down to we’ve got to film a show in the venue, andI’d kind of resisted that for the last three or four tours, because it always came up – should we do a live thing. So, I don’t think it’s possible to capture, you know, what’s going on – the screens, and the quadrophonic sound, all this stuff. So, in the end, I was talked into it partly because the Albert Hall is such a special venue. It does have a magic to it. And also the fact that I was doing three nights there meant thatby the time we filmed on the third night, I think we felt quite comfortable, having already played the two previous nights.  “Ok, this feelsquite natural, comfortable now.”  That made it kind of less self- conscious for me. “Ah! Oh god, we’re filming tonight!” You know – because we’d already done two shows there, so it’s “Ah! it’s another show, it doesn’t matter, you know, just relax!” And hopefully that relaxed feeling comes across.

And I think you picked up on it already – one of the things I encouraged the guys that were editing it, “Think of this as a piece of cinema. I don’t want you to just think of this as five blokes walking on stage – let’s show them doing their thing.  Think of it as a piece of cinema.”  So you do have split screen, and you have overlays, and you have slow motion, and you have blurring effects, and you have this more impressionistic approach to the film, to the editing. And to me – ironically- that makes it more like the feeling of being there than if you just had a static, you know, well – not static – but just cut aways and things.  For me, that makes it closer to what it’s like to being at the show.

KB: What also might be a factor is that you’ve had some specials on YouTube or Yahoo.  So there’s documentation out there for those who want to see it, as opposed to doing what other groups like Dream Theater have done, releasing a triple set nearly every tour it feels like.  With those other online broadcasts, there is stuff out there.

STEVEN WILSON: I guess soI guess so. You know, I grew up in the eighties and it was, for me, as a fan of the bands I was growing up with, the norm was you would get a live album [pauses]…Maybe every four or five studio albums there would be a live album. And then they would make another four studio albums. And then there’d be another live album.And it’s got to the point now where some bands it does seem to me they do one studio record and then there’s like three live DVDs.

 And, after a while, it becomes a bit more of the same, more of the same, more of the same.  So I guess come from the old-fashioned tradition where you’ll do an official live document every three or four albums and you make it really special and you make it count. And I think that comes from growing up in a climate where the…you know, I remember Rush used to do like four studio records then they’d do a live album, and it would be a double. And then of course, the other beautiful thing about that is that the repertoire in that period has completely changed.

KB: It also bookends periods, and signifies perhaps a change in style…

 STEVEN WILSON: And my previous DVD concert film I think is from2011, and I think I’m right, in saying there isn’t a single song which is common to both. I’m thinking now….

KB:…very few if any…

STEVEN WILSON: I don’t think there’s any song that was on that first concert film that is on that second concert film. And I like that fact.

KB: I’m also thinking of the fact you can go online and see set lists of the show, often while the show is still going on.  Has this impacted your set lists? I’m keeping in mind, as well, that you have stated you are justifiably proud of this set and tour – is this why the setlist has remained virtually the same?

STEVEN WILSON: It is a show. And what I mean by that is it’s a show which has been very carefully sequenced and choreographed.  Now, there is flexibility within the show to change things up.  For example, a couple of nights ago, in Montreal, we substituted about seven or eight songs, because we’d been to Montreal this year already. So, for example, here tonight – I’ve never been to this city – now, I know it’s very near to Toronto, I’m sure there are a few people that will have travelled. But generally speaking I’m imagining most people who’ve come here tonight won’t have seen the show before, so we’ll probably do something, what I will call our “A” set tonight, which is the show that’s in the concert film [Home Invasion] – a variation of it. Tomorrow in Toronto, because we were there in April, we’ll do something a bit different. So, I’m very proud of this show.

One of the things that happens when you tour, I think….You know, when we first got together to rehearse for this tour back in January, we did rehearse about four hours of music.  But, inevitably, there was a particular sequence that felt better than all the other sequences.  It’s like putting an album together- when you start putting the tracks together, there’s something that feels really satisfying about a certain flow and about a certain track selection. And, I guess in a way, I’ve fallen into that trap, you know. I just love the way this show flows, and that’s pretty much the show that’s on the Home Invasion concert film.  Thatshow justfelt really satisfying- the way it kind of just unfolded.

KB: Having a similar set also means that a lot of people who haven’t seen the show get a chance to see it .


KB: And if people come again, they know what they are getting.

STEVEN WILSON: I mean, I’m kind of caught between two stools. If you go and see a show in the west end in London, for example, of course that show is the same every single night. And some people go back time and time again and see that show. And then you go to the other extreme, a band like GratefulDead, where you never knew what songs that you would get to hear them play every night. [pauses]And I’m kind of…I like that idea, I love the idea, that fans can come and they don’t know what they’re gonna hear. But at the same time, I also like the idea that there’s a particular show which feels the most powerful in terms of the dynamics and the flow.  So I’m kind of caught between the two things. I’d love one tour just to go out and be able to just change the set every [show] – maybe one day I’ll do that, just rehearse like six hours of material, and just go out and just “You know, tonight we’re gonna start with this. And we’ve never started with that” – just so the fans would never know what’s gonna come. At the moment the show is pretty much the show.

KB: Wrapping up, you have stated in other interviews that you feel that the current lineup of touring musicians is one you feel very confident with.  Is the plan to stick with them as long as possible, either in studio or in concert?

STEVEN WILSON: Not necessarily. I mean, like, for example on To the Bone I didn’t really use the band as much I had on the previous records. The previous two records were very much band records. [On] To the Bone I used different drummers, and different guitar players.

KB: For the 4 1/2 ep you used live recordings/backing tracks of a few songs as a basis.

STEVEN WILSON: Exactly, yeah, it [To the Bone]wasn’t like that.  I played most of the guitar myself, I played most of the keyboards myself.

The record I’m working on right now, again, is very different.  I think that they will all be involved, but not to the extent that I think those albums like Raven and Hand Cannot Erase were like the sound of a band in the studio cutting a backing track – which they very much were.  I’ve moved away a little bit from that.  So…[long pause] I don’t know the answer. I think it depends how the studio record turns out.

In the back of my mind I feel like maybe it’s time to change things up a bit. That doesn’t necessarily mean changing the band, but changing the approach maybe.  I don’t know. I think in terms of what I’ve been doing
with the live show at this level, I’ve taken it as far as I can within the sort of financial constraints, you know. If I had the kind of budgets that Roger Waters or Muse had, I’m, you know…But, what I’m doing in this level, I’m pushing it as far as I can, really, with the screens and the quadrophonic sound and the musicianship.  Considering I’m playing relatively still small venues.  So I’m thinking,“Well how can I – what can I do next time that would be different again.” And I’ve haven’t figured that bit out yet. I don’t know the answer to your question. We’ll see, yeah!

I’m all about reinventing myself, and I’m all about…because I get bored with my own music, too, like a lot of people do, I’m sure – get bored.  I don’t want to repeat myself. I don’t wanna allow myself to fall back on my own cliches.  I wanna push myself and try different things all the time, no matter how much resistance I get from my own fanbase and there is always resistance to that.  I kind of thrive on that in a way.

So – it’ll be different again.  I don’t know how yet, of course.


‘El pasajero’: adrenalina a borbotones

Poco a poco, y sin hacer apenas ruido, el barcelonés Jaume Collet-Serra se ha convertido en uno de los directores de género más fiables de Hollywood, un artesano del tipo de películas que jamás confundiríamos con lo que conocemos como cine de autor pero aun así derrochan inventiva y una personalidad inconfundible.

Hoy vuelve a la cartelera con ‘El pasajero’, trepidante intriga sobre un hombre ordinario que se ve arrojado al centro de una conspiración criminal mientras viaja en tren camino a casa. Es una buena ocasión para analizar qué le otorga ese carácter a sus historias.

Actor fetiche en escenas tontas

Collet-Serra ha tomado el improbable héroe de actioners que Liam Neeson ha resultado ser en los últimos años y lo ha convertido en pura paradoja: una máquina de dar tortazos que a pesar de todo parece siempre a punto de romper a llorar a causa de toda una gama de demonios personales.

Texto Alternativo

En ‘Sin identidad’ (2011) encarnó a un científico que pierde la memoria en un accidente y, al despertar, es ignorado por su esposa y todos aquellos a quienes creía conocer.

Texto Alternativo

‘Non-stop’ (2014) nos lo presentaba como un agente aéreo alcohólico que trata de resolver una amenaza criminal a bordo de un vuelo mientras el resto de pasajeros lo señalan a él como culpable. En ‘Una noche para sobrevivir’ (2015) dio vida a un exasesino a sueldo que lima asperezas familiares mientras esquiva las balas.

Texto Alternativo

Una noche para sobrevivir (2015)

Y ahora, en ‘El pasajero’, su personaje es un vendedor de seguros recién despedido que se verá obligado a salvar un tren del desastre mientras evoca dos arquetipos genuinamente hitchcockianos: el falso culpable y el pelele que tan bien encarnó Cary Grant en ‘Con la muerte en los talones’.

Texto Alternativo

Desde su ópera prima, ‘La casa de cera’ (2005) –que transcurría en un pequeño pueblo estadounidense hecho de cera–, se ha especializado en situar sus historias en escenarios físicamente contenidos y a menudo únicos: un avión en ‘Non-stop’, un tren en ‘El pasajero’ y, en ‘Infierno azul’ (2016), un pedazo de roca en el medio del mar sobre la que Blake Lively intenta protegerse de un escualo. Sin identidad y Una noche para sobrevivir, por su parte, reconfiguran sendas urbes –Berlín y Nueva York, respectivamente– a la manera de verdaderos laberintos llenos de rincones y recovecos donde se ocultan agentes secretos y matones.

Al catalán le gusta pillar al espectador a contrapié y no duda en recurrir a giros argumentales que van de lo poco convincente a lo absurdo. Sus mejores películas manejan su propia ridiculez con delicadeza para hacerla culminar en momentos sublimes, como ese tiburón en llamas en ‘Infierno azul’ o la revelación majestuosamente estúpida que corona el clímax de ‘La huérfana’ (2009).

Texto Alternativo

¿La mejor escena? Esa en la que Neeson se enfrenta a un asesino usando una guitarra eléctrica. En ‘Non-stop’, llegado el momento, vemos a Neeson agarrando un arma en el aire mientras el avión en el que viaja endereza el rumbo, y justo después disparándola mientras vuela a través de la cabina. Y llegado el instante justo también ‘El pasajero’ se vuelve deliciosamente tonta, dejando de evocar ‘Extraños en un tren’ para parecerse a ‘Speed’.


Estas son las quince mejores canciones:

Nº15.- ‘THE LAST TIME’ (SINGLE / 1965)

El sensacional “riff “de guitarra lo toca Jimmy Page. Se ha sabido con el tiempo. Grabado , naturalemnte, en el estudio milagro de RCA , en Los Angeles. Fue uno de los primeros temas mezclados realmente en estéreo. Ultimamente, Keith Richards ha confesado que el tema está basado en un tema gospel que interpretaban los Staple Singers. El tema se llamaba This may be the last time. Data del año 1955. La canción se hizo todavía más famosa , porque a Andrew Loog Oldham , productor de los Stones , se le ocurrió grabarla un par de años después, , en plan instrumental y con un arreglo orquestal . Ese arreglo orquestal lo utilizaron The Verve como “sampling” en su éxito Bitter sweet Symphony. Los Stones siguen cobrando de la canción.


Indiscutiblemente, la canción más política en toda la carrera de los Stones. En principio se iba a llamar “¿Realmente todo el mundo paga sus faltas?”. Mick Jagger había asistido a la marcha de protesta por la guerra de Vietnam frente a la embajada americana en Londres y se hizo fotos como “luchador de las calles”. Más intelectualmente, se dice que hablaba de los protestantes del Left Bank de París , el precursor del mayo del 68. La guitarra acústica de Richards , con esa maravillosa compresión , está pasada a través de una cassette , que acababan de salir. Brian Jones toca el sítar y la tamboura india. Y para hacerle aún más exótica , Dave Mason , de los Traffic, toca el shehnai.

Nº13.- ‘PAINT IT BLACK’ (SINGLE / 1966)

Mick Jagger escribió la letra y Keith Richards , la música. Aunque Bill Wyman ha reiterado en muchas ocasiones gran parte de la autoría de esta canción. Brian Jones tocó el “riff” de sitar y Jagger se empeña siempre en decir que la canción narra del funeral de una chica al que acudió. El truco de Bill Wyman de doblar su bajo, con los pedales del Hammond B3 fue definitiva para crear ese extraño clima “funky” de la canción. El gran Jack Niztche toca el piano.


Ronnie Wood también debería firmar esta canción , porque ayudó muchísimo en crear el estribillo, aunque todavía no se había convertido en un Rolling Stone. Y es que la canción se grabó una noche en el estudio de Ronnie, llamado The Wick. Todo el estribillo lo cantó Mick con David Bowie, que en la primavera del año 1974 se decía que eran amantes. En el disco no hay un sólo “stone” , más que Jagger. Willie Weeks está al bajo y Kenny Jones, de los Faces, en la batería. Fue el tema primerizo que se utilizó para filmar un histórico video con los Stones vestidos de marineritos, dirigido por Lindsay-Hogg , que había sido el director de Let it be de los Beatles.

Nº11.- ‘RUBY TUESDAY’ (SINGLE / 1967)

Keith Richards escribió esta canción en Los Angeles, dos años antes de grabarla, dedicada a una “groupie” que quería mucho. Parece ser que se trataba de Linda Keith, su amante a mitad de los sesenta, que acabó en brazos de Jimi Hendrix. Mick Jagger ha dicho que junto con Angie son las dos mejores melodías que ha escrito Richards. Wyman, que intervino definitivamente en el tema con su bajo de doble mástil , ha utilizado el nombre del tema para inagurar una cadena de restaurantes . Se está haciendo una película de dibujos animados sobre los Stones, con el nombre de esta canción.


Existe un cuadro de Pamela Des Barres, una de las más famosas “groupies” de todos lo tiempos,sobrina de Captain Beefheart y apadrinada de Frank Zappa, acerca de los genitales de Mick Jagger. Pamela es la chica que llegó con los colores y la protagonista de la mejor canción jamás escrita sobre la psicodelia. Fantástica letra y una gran melodía, con arreglos de cuerda de John Paul Jones, dos años antes de que se convirtiera en el bajista de Led Zeppelin. El excepcional piano es de Nicky Hopkins. Los Beatles no están en los coros , aunque siempre se ha dicho. Una de las frases claves de la melodía, Mick Jagger la obtuvo del fantástico “She comes in colour” de los Love, de Arthur Lee.


Mick Jagger siempre dijo que este era el mejor ejemplo del gran esfuerzo entré Keith y él mismo en componer mejor juntos. .También decía que es una canción “violenta” , porque vivían la guerra de Vietnam. Jagger siempre la ha recordado como una canción “apocalíptica”. Tiempos cruentos. Al maravilloso productor Jimmy Miller se le ocurrió de que Mick cantara con gran voz negra de Merry Clayton. Se grabó básicamente en los estudios Olympic, pero la versión definitiva se grabó en los estudios Elektra de Los Angeles. Es un clásico absolutamente imprescindible en todas las giras de los Stones.

Nº8.- ‘START ME UP’ (“TATTOO YOU” / 1981)

Extraña historia de una canción que los Stones nunca la llegaron considerar. Realmente, se grabó la primera vez en 1975, seis años antes de su publicación, en las sesiones del album Black and Blue. Se grabó como un “reggae”. Tres años después se volvió a retomar la canción para las sesiones de Some Girls. Pero tampoco les gustó. Entonces, para las sesiones de Emotional rescue se empezó a llamar Never stop o Start it up. El productor Chris Kimsey volvió a descubrir la canción en la sesiones de Tattoo You . Y se lo dijo a Richards . La volvieron a grabar en seis horas . Bob Clearmountain , el mago, la mezcló y se convirtió en el último gran numero uno de los Stones.

Nº7.- ‘MISS YOU’ (“SOME GIRLS” / 1978)

La canción más representativa de Mick Jagger y sus gustos repetitivos de escuchar las emisoras de música negra , siempre que estaba en su apartamento de Central Park, en Nueva York. Naturalmente, le ayudó muchísimo en los acordes, Billy Preston. Por aquellos días , los dos se sentían unidos, porque les embargaba la aventura de salir con travestís. El bajo de Wyman , que había creado Preston a la guitarra, fue decisivo. Fue la canción en que Mick descubrió que tenía un falsete muy comercial. Mick Jagger dice que jamás se pensó como una canción de música disco. Pero nadie se lo cree.


Mick la compuso en los descansos del rodaje en Australia , de la película Ned Kelly, la historia de un Jesse James a la australiana. Fue en la época en que Marianne Faithfull, que viajó con él, se quería suicidar. Brown Sugar no es “heroina” , en el sentido que lo escribió Jagger. El sólo pensaba en la vagina de la cantante negra Marsha Hunt, con la que tuvo una hija , Karis, la primogénita de Jagger. A Marsha le compró no hace mucho una casa a las afueras de París. La canción se grabó finalmente en los famosos estudios Muscle Sound de Alabama. Gran trabajo del “nuevo guitarrista” Mick Taylor.



Mick Jagger estaba obsesionado en hacer una especie de Hey Jude , como los Beatles. Escribió esta melodía pensada para un gran coro final. Y la idea de la canción fue creciendo. Al Kooper , que había logrado enorme fama con los discos de de Bob Dylan, se le ocurrió la idea hacer un gran arreglo coral para el principio. También hizo el arreglo de la canción y tocó piano y órgano. El gran productor Jimmy Miller tocó la batería en lugar de Charlie , porque se necesitaba ese maravilloso “loop” de percusión. Keith Richards encontró los acordes para que recordara a una canción de rock y, finalmente, todo cuadró. Es una obra maestra de los Stones.



Los Stones tomaban mucho ácido por aquella época. La canción llega precisamente cuando, en casa de Keith y en pleno “viaje” , a Jagger se le aparece algo mágico : un tío saltando por el jardín de la casa. Keith le dijo que no se preocupara . Solo se trataba de “Jack jumpin” por el jardín. Marianne Faithfull le había dejado a Mick para que leyera a Williams Blake y el poema “El viajero mental” , con todo ello, Mick hizo el resto. Las guitarras son cortesía del truco “country” que le enseñó a Keith, el guitarrista vaquero de Jack Jones . Se le llama también “afinación Nashville” y fue también el sistema que utilizó para grabar las guitarras con el truco del cassette Philips y sus asombrosa compresión.


El “break” inicial de Charlie estaba mal ,pero se dejó como un gran truco. Fue el primer disco que tocó Mick Taylor-guitarra fenomenal- recién expulsado Brian Jones de la banda,aunque todavía no era un “stone” oficialmente. Casi fue una prueba para Taylor.. La canción la habían compuesto inicialmente Mick y Keith , durante unas vaciones a Brasil . La compusieron en un rancho en Matao , cerca de Sao Paulo.Era una canción country, que la incluyeron en Let it bleed. Pero en la primavera , al expulsar a Brian, la cambiaran totalmente para reconvertirla en una solución de rock. Decía Keith que de esta manera , no “cantaba” mucho que la hubieran birlado de una vieja canción “country” de Hank Williams y Jimmie Rodgers de los años treinta o cuarenta.


Una vez nos dijo Mick Jagger que hay canciones mágicas que son casi imposibles de componer, pero que marcan para siempre. Hablaba de “I want to hold your hand” de los Beatles, “Like a rolling stone” de Bob Dylan, e incluso de “Every breath you take de Police y,desde luego, esta de Keith Richards. Y como no es suya, Mick siempre la ha odiado en silencio. Sabía perfectamente que Keith la había “copiado”, en el “riff” y los acordes del Dancing in the streets de Martha Reeves and the Vandellas. Finalmente, Mick tuvo la desfachatez de “grabar” Satisfaction, a su manera, con David Bowie y la versión que hicieron los dos de Dancing in the streets. Keith dice que la compuso una noche en un motel de Florida, siempre con la mente de que los “riffs” de metal eran perfectos para la guitarra, como los que hacía la Motown. Primero la grabaron en Chicago, en los estudios Chess, pero era absurdo porque llegaron a los estudios RCA de Los Angeles, los de Elvis, con todo el lujo y la volvieron a grabar. Suena diferente gracias al “nuevo “Gibson Maestro Fuzzbox” que le dejaron a Keith para su guitarra. Es una canción muy especial.


Toda una extraña película de Jean Luc Godard (“One Plus One”, ahora llamada ‘Sympaty for the Devil’) se pone como ojo de testigo de como nació y se grabó esta canción impresionante , escrita fundamentalmente por Mick Jagger, que estaba muy motivado al poder ser Lucifer en el tema. En principio se llamó The Devil is my name, pero Jagger lo cambió por el más sugestivo titulo actual, tras haber leído “El maestro y la Margarita” del escritor ruso Mikhail Bulgakov, libro que naturalmente le había dejado Marianne Faithfull. Godard tuvo la suerte y la predicción que el estudio Olympic se incendió durante la grabación. La letra tiene muchas ideas y siempre con Dylan en la mente. Charlie Watts me contó que cuando Mick le enseñó la canción , se le ocurrió algo muy parecido al ritmo de A night in Tunisia de Kenny Clarke. A Mick le encantó y siempre quiso un ritmo de jazz latino o exótico. con congas y mucha percusión. Al final, se simplificó mucho y como dice el propio Charlie , es tan buena canción que ,aunque la hubieran hecho al estilo flamenco, hubiera funcionado igualmente.

40º aniversario de ‘Animals’: El significado oculto del disco más agresivo y cínico de Pink Floyd


‘Animals’, lanzado entre dos discos colosales como son ‘Wish You Were Here’ (1975) y ‘The Wall’ (1979), a menudo ha sido relegado a un segundo plano dentro del legado de Pink Floyd. Yorgos Goumas reivindica este interesantísimo LP que cumple 40 años de vida.

El contexto

A mediados de los 70 corrían tiempos turbulentos en Albión: la crisis energética y la importación de bienes asiáticos de bajo coste hicieron que el sector industrial estuviera en un punto crítico, que el desempleo y la inflación subieran sin control y que los sindicatos convocaran grandes huelgas que paralizaron el país, con el consiguiente descontento y agitación social, sin que el gobierno Laborista pudiera afrontar los problemas de manera adecuada (algo que llevó al Partido Conservador de Margaret Thatcher a ganar las elecciones en 1979).

i hate pink floyd

Paul Cook y Johnny Rotten de Sex Pistols usaron a Pink Floyd como punching bag a la hora de transmitir su discurso de ruptura con lo establecido

A nivel musical, dicha agitación social y la falta de perspectiva por parte de los jóvenes, a la par que el descontento con la música rock imperante del momento (considerada como una entidad que se miraba a su propio ombligo, sin conexión con la realidad social y transformada en un dinosaurio burgués, anquilosado en el pasado y perdido en las pajas mentales del rock progresivo, muy de moda por entonces), condujo al nacimiento del punk. De repente, todas las vacas sagradas del rock se encontraron bajo el escrutinio y el desprecio de los jóvenes; todo lo que sonaba a rock sinfónico y/o progresivo automáticamente era tachado de anticuado y pretencioso. Son notorias las camisetas de Pink Floyd que llevaban los miembros de Sex Pistols en las que añadieron de manera casera la frase “I Hate” (odio).

La banda de Waters, Gilmour, Wright y Mason no pasaba por su mejor momento: su contrato con EMI (curiosamente el mismo sello que iba a fichar de manera muy breve a los Sex Pistols poco después) había expirado, así que en 1975 decidieron construir su propio estudio (Britannia Row Studios). Una de las condiciones sine qua non para la banda a la hora de grabar era contar con acceso a un estudio sin limitaciones de horario, lo cual no solamente afectó la situación financiera de la banda, sino que contribuyó al sonido más crudo del ‘Animals’, debido al equipo barato con el que equiparon el estudio para ahorrar costes.

Por otra parte, el estratosférico éxito del ‘Dark Side of the Moon’ (1973) y ‘Wish You Were Here’ (1975) llevó a la banda, sobre todo a Roger Waters, a cuestionar su propia existencia: giras interminables por grandes estadios, la inevitable intervención de los ejecutivos de la discográfica pidiendo que hicieran música más comercial para engordar así sus propias cuentas bancarias (un rencor que ya se reflejaba en temas como “Welcome to the Machine” y “Have a Cigar”) y el cambio de la actitud de los fans tuvieron un profundo impacto en la psique de la banda. Rogers y Gilmour empezaron a contemplar la posibilidad de, incluso, disolverla: opinaban que el grupo había conseguido su metas y no tenía nada más que ofrecer a nivel artístico. Se sentían presos de su propio éxito y de los apetitos de un público cada vez más amplio; más desconectado de la esencia de la banda.


Si antes en sus conciertos se observaba un silencio reverencial por parte de unos fans que entendían que sus shows no eran una mera ejecución de temas, sino de un concierto conceptual que incluía proyecciones y la transmisión de un determinado mensaje, ahora veían como la gente sólo les conocía por sus éxitos en la radio y sólo acudían a sus conciertos para escucharlos mientras se emborrachaban. Por si eso fuera poco, ellos mismos se estaban transformando lentamente en aquello que ellos mismos repudiaban: unos burgueses acomodados por obra y gracia del dinero inyectado por las ventas millonarias. Waters se aficionó al golf, David Gilmour a pilotar aviones, Rick Wright a navegar su propio velero y Nick Mason a coleccionar coches vintage de carreras. Entre tanto, se convertían en propietarios de bienes inmobiliarios tanto en Inglaterra como en extranjero. Todas esas contradicciones abonarían lo que iba a suceder a continuación.

Gestación y concepto del disco

La banda entró en el estudio en abril de 1976 con casi la mitad del material. Dos temas que se habían quedado fuera de las sesiones del ‘Wish You Were Here’ y que ya habían sido tocados en directo, “Raving and Drooling” y “You’ve Got to be Crazy”, fueron reconstruidos para convertirse en “Sheep” y “Dogs”, respectivamente. Dicho sea de paso, Waters aprovechó las distracciones del resto de la banda (Gilmour siendo padre y Wright envuelto a un divorcio) para tomar las riendas creativas, ya que con la excepción de una parte de “Dogs”, toda la música y las letras llevan su firma. Los padres de Waters eran de ideología socialista (la muerte de su padre, un objetor de conciencia, que aún así se alistó y pereció en la batalla de Anzio en 1944, le marcó para siempre) así que, por primera vez en la historia de la banda, pudo expresar de manera abierta sus puntos de vista progresistas. Tomó como referencia la novela de George Orwell, ‘Rebelión en la Granja’ (1945) y, aunque la novela era una crítica del régimen estalinista en la Unión Soviética, Waters se explayó a gusto en contra del sistema sociopolítico occidental capitalista (o neo-liberal, como se dice actualmente) usando a los tres animales. Los perros, los cerdos y las ovejas serían los representantes de las tres clases sociales prominentes.

Curiosamente, el único tono discordante con la agresividad y crudeza del disco viene con las dos partes del tema “Pigs on the Wing”, con el que se abre y se cierra el disco. No solamente es un tema breve y acústico, sino que además es el primer tema de amor en la discografía de la banda: aparentemente, Waters se inspiró en su entonces esposa Carolyne Christie, una de las muy pocas personas que podían no solamente penetrar en su cerrado y oscuro universo, sino retarle a nivel intelectual, tal como afirman los allegados de Waters, Nick Mason incluido, quien además añade que fue ella la que domó por primera vez la fiera que llevaba dentro el multiinstrumentista. El tema sirve como un faro de esperanza y ternura ante tanto cinismo y oscuridad, señalando al amor como el refugio del hombre moderno ante la inhumana sociedad, en la que el hombre es el lobo para el hombre, tal y como dijo Plauto.

El tema “Dogs”, de 17 minutos de duración, es el más cínico del disco, valga la redundancia ya que “cínico” proviene del griego antiguo kynos (perro). En él, los canes representan a la gente despiadada, sobre todo en el ámbito de los negocios, quienes hacen todo lo que está dentro de sus posibilidades lícitas e ilícitas para alcanzar el éxito. Son los depredadores de la época moderna y han transformado la sociedad para que en ella rija la ley del más fuerte y la desconfianza en nombre del poderoso caballero de Quevedo: Don Dinero. Sin embargo, toda esa lucha encarnizada para obtener el éxito materialista no llevará a ninguna parte, ya que algunos de ellos serán devorados por otros perros más fieros o acabaran muriendo solos, ya que en su ascenso feroz y despiadado hacia la cumbre se han quedado sin amigos.

Aunque en apariencia tuvieron una vida exitosa, en realidad ha sido miserable, teniendo que joder la vida a sus competidores en la disputa (carrera de ratas, como la llaman los anglosajones). Básicamente, vivieron su vida siguiendo los caminos dictados por los cerdos, la clase dominante, y no siguieron sus propios sueños y aspiraciones; consiguieron el éxito material a cambio de su alma: sembraron lo que cosecharon. Musicalmente hablando es el tema más progresivo del disco, con varias secciones que alternan entre lo místico y lo visceral. Contiene algunos de los mejores riffs de Gilmour y, en cierto modo, el duelo vocal de Waters-Gilmour representa la inminente fricción entre los dos músicos.

Los cerdos del tercer tema, “Pigs (Three Differente Ones)” representan la clase dominante. En el disco se dividen en 3 categorías, aunque solo la tercera acaba teniendo nombre y apellido: Mary Whitehouse, activista ultraconservadora que condujo varias campañas en contra de los cambios morales durante los años 60, cambios que percibía como una degradación de los valores tradicionales británicos; previamente, atacó a la banda como uno de los agentes de dicha “degradación”. Además, abogó por la censura de la violencia y del sexo en los medios de comunicación, y fue precursora del Parents Music Resource Center de Tipper Gore en los años 80.

Contexto marcado, se cree que la primera categoría son las grandes corporaciones, la segunda, sus lacayos los políticos; y la tercera, los adalides de la superioridad moral reflejados en las autoridades religiosas y los ultra-conservadores laicos. El lazo común entre las tres categorías es la hipocresía: muestran de cara a la sociedad una fachada amable y respetable, pero en realidad usan los perros como instrumentos para alcanzar sus fines.

Por otra parte, los adalides morales proyectan su disposición hacia los cambios que llegan con los nuevos tiempos, precisamente para ocultar su propio miedo ante ellos, ya que saben que pronto sus monsergas conservadoras acabarán en el cubo del reciclaje de la historia. Los cerdos son hipócritas y cobardes porque no se atreven manchar sus manos con el trabajo sucio que hacen los perros aunque, en lo más profundo de su alma, disfrutan de manera morbosa con la violencia y la impiedad de la sociedad hacia el prójimo más débil: las ovejas. A nivel musical, aparte del ritmo pseudofunky (con reminiscencias del “Have a Cigar”) y el uso del vocoder, lo que más destaca es el solo de Gilmour, posiblemente el más feroz de su discografía: sencillamente explosivo.

Las ovejas, “Sheep”, son el proletariado: la gente simple y trabajadora que vive en un mundo creado por los cerdos, donde se les oculta, a través de la manipulación y las distracciones mediáticas y religiosas, el hecho de que todo lo que hacen sólo sirve para que sus amos se enriquezcan a su costa, mientras que ellos sólo pueden contar con lo justo para sobrevivir mientras malgastan su vida en los medios de producción. Están encantados con lo que tienen y, además, no dudan en obedecer a sus amos, incluso hasta involucrarse en contiendas bélicas sin sentido para poder preservar las migas que les echan sus amos y que ellos, dentro de su ignorancia voluntaria o inducida, perciben como privilegios.

Sin embargo, de vez en cuando, las ovejas se sublevan (en este caso usando artes marciales) para derribar a sus opresores, los perros, y se ocupan de los medios de la producción, que al fin y al cabo son suyos… aunque todo es un circulo y los oprimidos llegan a ser los nuevos opresores, paradoja que se acentúa en el disco con la segunda parte del “Pigs on the Wing”, dejándonos con la impresión de que la verdadera revolución yace en el amor, que es la única manera para sobrevivir el yugo capitalista.

La ausencia de una conclusión contundente, de una explicación acerca de cómo hacer la sociedad más humana y justa, hacen de este tema el más marxista y a la vez el más nihilista y cínico de Waters. Básicamente, lo que nos dice es que sólo se puede sobrevivir a este mundo capitalista aguantando y aceptando lo que se nos viene encima, aprovechando las migajas que los cerdos nos echan desde arriba y comportándonos como unas ovejas obedientes: no hay salvación para los proletarios y las cadenas sólo cambian de propietario. Muy poderoso resulta ser también el simbolismo de recitar a través del vocoder y la manipulación de la letra del salmo 23 del Antiguo Testamento para que se adaptara al contexto de la canción, mientras que a nivel musical contamos con más riffs incendiarios por parte de Gilmour, la discreta similitud de la línea de bajo con la del tema “One of These Days” y la ingeniosa mezcla de la voz de Waters con el sintetizador.

La portada

pink-floyd-animals-portadaDesde luego, se trata de una de las portadas más icónicas y reconocibles de la historia del rock. Waters, su ideólogo, quiso ilustrar el desolado paisaje industrial, resultado del uso desaforado capitalista de los medios de producción (merecen una versión aparte las connotaciones fálicas de las cuatro chimeneas). Como modelo, le sirvió la central termoeléctrica del Battersea en Londres, el edificio de ladrillos más grande de Europa, que ya había aparecido en la película ‘Help’ (1965) de los Beatles. La idea de Waters también incluía la aparición de un cerdo volando por encima de la central, cuyo simbolismo era precisamente que habría una solución a todos los problemas que acarea el sistema capitalista “cuando vuelen los cerdos”, una expresión anglosajona usada para denotar la imposibilidad de que algo ocurra (una muestra más del nihilismo de Waters).

Waters insistió que la foto debería ser real sin nada de montajes, así que los encargados de dar forma a la visión de Waters serían una vez más Storm Thorgerson y su equipo de diseño gráfico, Hipgnosis, autores de varias portadas icónicas de discos de rock y Jeffrey Shaw, diseñador de Algie, tal como se llamaba cariñosamente el cerdo volador que tenía 12 metros de largo cuando se inflaba con helio y que fue construido por la misma empresa alemana que en pasado construyó los famosos dirigibles.

Es muy famosa la simpática historia de cómo el cerdo se libró de sus ataduras el segundo día de las sesiones fotográficas por culpa del viento y puso en alarma a los controladores del aeropuerto de Heathrow, ya que entró en las rutas de aterrizaje de los aviones comerciales. Los pilotos, quienes informaron acerca del avistamiento de un cerdo volador a 20,000 pies, fueron sometidos pocas horas después a diferentes pruebas de alcoholemia. Cabe añadir que el primer día de la sesión habían contratado a un tirador experto para que desinflara al cerdo una vez acabada la sesión, pero debido al poco satisfactorio resultado de las fotos, decidieron repetir la sesión el día siguiente, pero esta vez sin el tirador, para mantener los costes bajos… justo cuando más le necesitaban. Finalmente, una vez recuperado Algie de un campo en Kent, a unos 40 kilómetros de Londres, se hizo una tercera sesión de fotos pero, irónicamente, la portada acabo saliendo un montaje (tal como había sugerido Thorgeson) con la foto de la estación de la primera sesión y una foto de Algie de la tercera. Aún así, es infinitamente mejor que las dos ideas originales: una iba a mostrar a un niño sorprendiendo a sus padres en su habitación mientras copulaban como animales; la otra mostraba a tres patos clavados en una pared como muestra de la naturaleza animal humana. También hay que decir que la megalomanía de Waters ya empezaba a hacer estragos entre sus colaboradores, ya que hubo una discusión acerca de los créditos del diseño, algo que hizo que Storm no volviera a colaborar con la banda (que por otra parte eran amigos desde los tiempos de colegio) hasta el disco ‘Momentary Lapse of Reason’ de 1987.


poster-pink-floyd-in-the-fleshEste disco es considerado como la respuesta de Waters al movimiento punk, como un intento de mostrar que él también sabía reflejar y cargar en contra del zeitgeist de entonces… y solo menciono a Waters porque el resto de la banda, o no veía con buenos ojos sus letras cargadas ideológicamente (Gilmour), o simplemente no tenía la mente como para involucrarse en el proceso creativo (Wright). Aún así, están de acuerdo de que aquel fue el último disco que se forjó con el esfuerzo colectivo de la banda, tocando e improvisando en el local de ensayo antes de que Waters empezara a comportarse como un dictador, irónicamente con el mismo comportamiento totalitario que él mismo tanto odiaba. Aquellas sesiones también supusieron el principio del fin de Wright como miembro oficial de la banda (a partir de allí y hasta el ‘The Division Bell’ de 1994 aparecería en los créditos como músico adicional).

El disco, con solo 3 temas de más de 10 minutos (“Pigs on the Wing” sirve como intro y outro), fue concebido como una manera de hacer la peineta a los ejecutivos, que les pedían temas apropiados para la radio. Aún así, el disco llegó a vender más de 4 millones de copias sólo en EE.UU.. Algie también pasó a formar parte de la iconografía de la banda a nivel de directos, ya que aparecería en varias formas flotando por encima del público. Cuando Waters dejó la banda en 1985 y empezó a usar a un cerdo inflable en sus directos como solista, Gilmour y compañía decidieron usar un cerdo con genitales como respuesta.

Sin embargo, la consecuencia más importante a nivel artístico surgió durante la siguiente gira. Waters se dio cuenta de que no solamente la banda se había convertido irónicamente en una generadora de dinero para promotores, agentes, managers y ejecutivos, sino que también se sentía cada vez más desconectado de los fans. Ahora sólo tocaban en grandes estadios donde era imposible generar una comunión con el público; posteriormente, descubrieron que los promotores metían mucha más gente de la pactada.

Además, era imposible ofrecer un directo en condiciones, es decir, transmitir su mensaje, ya que cualquier cosa que tenían que decir se perdía entre petardos y gente borracha que sólo acudía allí porque un concierto de Pink Floyd era un evento social: algo para presumir con los colegas. En otras palabras, se habían convertido justo en lo que el mismísimo Waters aborrecía: unos perros al servicio de los cerdos que entretenían a las ovejas, acusación esgrimida por el movimiento punk.

Waters empezó a despotricar en contra del público ruidoso a lo largo de aquella gira que se hizo llamar “In The Flesh”. El colmo llegó en el último concierto de la gira, el 6 de julio de 1977 (minuto 33:30) en el estadio olímpico de Montreal: un Waters harto de todos y de todo acabó escupiendo a un fan borracho que intentaba subir al escenario. Aquel incidente le hizo reflexionar acerca de su actitud frente al estrellato y los fans, y empezó a hacer bocetos de un muro que se levantaría entre la banda y el público, enfatizando así el sentimiento de alienación que imperaba en la mente de Waters. Un concepto que dos años más tarde se transformaría en otro disco monumental de la banda… pero eso es otra historia.

Blade Runner y el misterio Vangelis

Esta es la verdadera historia de la banda sonora de la película de Ridley Scott , posiblemente una de la más influyentes y decisivas de la historia del cine.

En noviembre del año 1979, Ridley Scott está impactado por una serie de “jingles” para anuncios de todo tipo, que siempre llevaban la firma de Producciones Nemo. Ridley descubre que el músico que estás detrás de esos extractos de temas no es otro que un tal Vangelis, que en los años sesenta había tenido cierto éxito con un grupo griego llamado Aphrodite´s Child, creado con su primo carnal Demis Roussos.

Scott localizó a Vangelis y le pidió música para un “spot”, un anuncio que rodaba en aquellos días para Channel º 5, el famoso “Share the fantasy” y que es tan recordado en estos días, porque al final del anuncio se oye la voz de Leonard Nimoy, que dice la famosa frase “Share the fantasy”. Así fue como Ridley Scott y Vangelis se conocieron para crear más tarde el fenómeno indescifrable llamado “Blade Runner”.

Cuatro años antes, Vangelis había podido reunir el suficiente dinero para crear un estudio ultramoderno en el último piso, en el tejado de los Hampden Gurney Studios, muy cerca de Marble Arch, en Londres. Vangelis había invertido más de millón de libras esterlinas en el estudio, gracias a su nuevo contrato con la discográfica RCA. Vangelis hubiera preferido comprar los Command Studios, donde Roxy Music habían grabado su primer disco, pero los dueños no le dieron opción para el local, pero sí que compró muy barato mucha tecnología que estaba en el estudio desaparecido.


Vangelis tuvo la suerte de que compró el estudio justo cuando aparecieron los primeros sintetizadores polifónicos. El músico griego, poco a poco, pudo hacerse con el sintetizador Oberheim de cuatro voces, el Roland SH3A y su favorito, el Yamaha CS80. Todos ellos aparecen en sus muy interesantes álbumes de los años setenta, como “Heaven and Hell”(1975), “Albedo o.39” (1976), “Spiral” (1977), Beaubourg (1978) y “China” (1979), Todos ellos grabados en Nemo Studios (Marble Arch) y antes de empezar con “Blade Runner” .


Escucho ahora , sobre todo, “Heaven and Hell”(1975). Es una obra maestra de música clásica con sintetizadores. Todo está en ese álbum fantástico de hace cuarenta años. Allí se sugiere, se escucha, casi el tema central de “Carros de Fuego” y, desde luego, el preludio del tema de amor de “Blade Runner” , que en “Heaven and Hell” es una canción maravillosa, cantada por Jon Anderson, el cantante de Yes y que marcó sus colaboraciones posteriores.

Esa canción trascendental es solemne y mágica . Se llama “So long ago, so clear”, un tema futurista. Recordar también que otro de los temas de “Heaven and Hells”, el etéreo “Movement 3” fue utilizado como la sintonía del programa de televisión “Cosmos” de Carl Sagan.ç

Vangelis vivía sin duda sus mejores días creativos. Poseía toda la fuerza imaginativa por crear algo diferente, como una manera de volar y recuperar la fortuna que se había gastado en su recién inaugurado estudio llamado Nemo.

Cuando Ridley Scott volvió a llamar a Vangelis en el mes de noviembre de 1979, el músico griego acababa de terminar una de sus obras tan queridas , “Opera Sauvage”. Un documental de Frederick Rossif. Una banda sonora importantísima, porque por primera vez Vangelis se había atrevido a ponerle música  a un film con las imágenes puestas en el monitor. Su primera experiencia con la horrorosa película”Sex Power” de Henry Chapier,con Jane Birkin de protagonista,   siempre le había noqueado con el cine. y no a un simple anuncio.

Vangelis era muy quisquilloso .Pertenecía al club de los que creían que la imagen “ sin un buen ruido” no era nada, como decía Hitchcock. Y esa misma técnica la desarrolló hasta grados superlativos, inspirándose en tiempo real y acostumbrándose a un “time code” en el monitor que tenía enfrente de su teclado “master”.

Así pudo hacer la banda sonora de “Carros de Fuego”. Casi artesanal, casi compás por compás, Con mucho sacrificio, porque en aquellos días no había sincronía, un “midi” entre el video de la película que veía en el monitor de su estudio y su modesto magnetófono de 24 pistas Lyrec, más barato que el Studer. Así que para inspirarse en el famoso tema central de “Carros de fuego” quizá no se sepa demasiado que Vangelis grabó a tiempo real, al piano, mientras veía el maravilloso tema “L´Enfant” de la “Opera Sauvage”. En aquellos días, el talento de Vangelis era incontenible. Todo ello con una técnica instintiva. Vangelis nunca estudió música ni sabía leerla ni escribirla.



“Chariots of Fire” fue la primera banda sonora en ganar un Oscar con música realizada exclusivamente por sintetizadores. Ridley Scott, animado por el éxito de Vangelis y porque sabía que las máquinas eran las perfectas para hacer música para su siguiente película de ciencia-ficción , tras haber acabado “Alien”, decidió reunirse con Vangelis. El tenía que ser el creador del sonido “Blade Runner”.

El editor Terry Rawlings ya había montado “Carros de Fuego” y cuando se le nombro editor también de “Blade Runner”, Vangelis pasó a ser el número uno en la lista de candidatos elegibles por la Warner. Aunque lo cierto es que el estudio, tras el éxito de Jerry Goldsmith con “Alien” para la Fox, se había pensado en el veterano músico como el compositor ideal de “Blade Runner”.

Cuando Ridley Scott le contó la película a Vangelis no le costó ningún trabajo convencerle de que hiciera la música de su nuevo gran proyecto. Era octubre del año 1981. Vangelis tuvo que pasar por algunas pruebas adicionales. Por ejemplo, certificar que en Nemo podía grabar o ser aceptado para Dolby Stereo para el cine. Otros ingenieros de Warner viajaron a Londres para ponerle Dolby , reducción de ruido , a su magnetófono de 4 pistas para las mezclas que se habían en aquella época para el cine. Luego, más tarde, firmaría un contrato infame con la Warner, del que se arrepentiría toda su vida.

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Un crudo día de frío del mes de diciembre londinense del año 1981, en la pomposa sala de proyección de los estudios Pinewood, Vangelis vió “un copión” más o menos recurrente de “Blade Runner”. Vangelis se impresionó de la imágenes que vio. Al mismo tiempo se asustó de la responsabilidad. Quedó cautivo de la violencia, de la desesperación por sobrevivir de los “replicantes”. La cinta que vio Vangelis se proyectaba sin diálogos ni sonido. Pero Vangelis quedó atrapado emocionalmente por las imágenes. Justo desde el primitivo inicio de ese Los Angeles de lluvia ácida hasta el final del vuelo de la paloma,cuando muere el jefe replicante Roy Batty.

Vangelis sonrió de alguna manera a Scott y le dijo que empezaría a trabajar con un loco. A cambio de la sonrisa, Ridley le dio una cinta de VHS, la vieja cinta de video de aquellos días, con parte del copión de lo que habían visto. Vangelis aún conserva la cinta ,en su casa no muy lejana del Parlamento Helénico.

Y Vangelis empezó a trabajar en su pequeña sala de los estudios Nemo. Sin horarios. Normalmente, prefería la soledad nocturna, el silencio sepulcral de las ánimas de la oscuridad, sólo alterado por las imágenes del videocasete que le entregaban poco a poco , a medida que Scott editaba “Blade Runner”.

Musicalmente, Vangelis no tardo mucho en buscar la tonalidades menores y el estilo de una belleza triste que inunda la música de la película. La belleza intangible de los nuevos sintetizadores.

Vangelis tomó varios referentes de música en películas de ciencia ficción. Quizá la más empírica fue la música de “Clockwork Orange”, el maravilloso trabajo de Walter Carlos en la pre-historia de los sintetizadores. Aquellos increíbles sintetizadores analógicos, los de síntesis de tanto aprecio y técnica de Walter Carlos. La banda sonora de “Cloclkwork Orange” con Stanley Kubrick era del año 1971 y había tenido un éxito descomunal. Walter era un genio con la atomización y maravillosos prodigios de los sintetizadores iniciales de Robert Moog, o después con los increíbles Synergy. Walter Carlos, con el éxito del disco como banda sonora, utilizó parte del dinero para una operación de cambio de sexo. Fue en mayo de 1972. Desde ese momento pasó a llamarse Wendy Carlos.




“Clockwork Orange fue una enorme referencia para “Blade Runner”, aunque no tan decisiva. Desde luego, Vangelis también se fijó del trabajo de Wendy Carlos en “El resplandor” , que no hacía mucho había visto con absoluta envidia por el trabajo de Wendy Carlos , aunque sólo habían sido dos temas de la banda sonora.

De vez en cuando, Ridley Scott aparecía por el estudio de Marble Arch. Vangelis se desesperaba. Todas las visitas estaban casi siempre relacionadas con los cambios de la edición y por tanto, de la música de la película. Vangelis en el mes de febrero de 1982 estuvo a punto de dimitir. Le hizo entrar en razón su ingeniero Raine Shine, advirtiéndole de que iban a perder mucho dinero y quizá una demanda por parte de la Warner.

Como en el caso de “Carros de Fuego”, Vangelis compuso la música y “sus ruidos” escena a escena. Un trabajo meticuloso que en estos días apenas se hace. Porque para una banda sonora “nunca hay tiempo”, como decía Vangelis.

Para los que somos profundos amantes de los “sintetizadors analógicos” y toda clase de aparatos musicales con tecnología de sintetizador de síntesis, especificaremos sin que sea muy aburrido , los aparatos y sintetizadores que mayoritariamente utilizó Vangelis en su trabajo en “Blade Runner.”.

El famoso Yamaha CS-80 fue siempre la señal de identidad de Vangelis. Sobre todo, por ese sonido imponente de “brass”, un sonido apabullante de algo que se parecía a los metales en una orquesta sinfónica. El otro instrumento mágico en la película fue el Roland VP-330 Vocoder Plus. Vangelis, normalmente, sólo lo utilizaba para cuando tenía que insertar una sección cuerda. La cuerda del Vocoder de Roland era mágica,diferente. Luego, para esa profundidad, utilizaba el Prophet 10, el de los dos teclados. Esos eran fundamentales. Como por aquella época Vangelis era un loco de la percusión también trabajaba con la Linn 1 , como batería electrónica y con el Emulator para toda clase de “samplings” de efectos o percusión, al igual que el Yamaha Gs-1 para los sorprendentes golpes de percusión, aquellos tan impresionantes del inicio de la película.

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Como colaboradores humanos utilizó a su primo Demis Roussos para cantar en “Tales of the Future”, al impresionante Dick Morrisey para el saxo en el “Love Theme” y a su amigo Don Percival para la canción “One more kiss, Dear, al estilo de los años veinte. Y se me olvidaba la English Chamber Choir en “La muerte del Dr. Tyrell”.

Nunca sabremos si fue decisión de Vangelis o de Ridley Scott incluir al tema japonés “Ogi No Mato” del grupo nipón Ensemble Nipponia. Pero creo que la idea fue Ridley, como se demostró años después, cuando filmó la película policíaca, “Black Rain” con Michael Douglas , en Osaka. Ridley también había incluido “Quran” de Brian Eno & David Byrne , pero en los sucesivos problemas de edición , ese tema desapareció de la película.

A Vangelis le volvieron loco con tantos cambios, tantas dudas de Ridley Scott, pero necesito remarcar un detalle de su excepcional sentido musical en la banda sonora . Cuando la replicante Rachel toca el piano el “Nocturno 13” de Chopin, en el apartamento de Rick Decorad (Harrison Ford) y ,a continuación, se oye a través de la radio del apartamento, esa versión de “One more Kiss, Dear”. Los dos temas está en la mismísima tonalidad.

Vangelis terminó su trabajo en abril de 1982. Incluías las mezclas en Dolby 4 pistas como exigía Hollywood en aquella época. Ahora, normalmente, se realizan en un diez punto dos. Es decir, una mezcla para doces altavoces diferentes. El músico griego incluso supervisó las mezclas de sus cuatro pistas al formato de sonido-cine en los estudios CTS de Wembley, donde normalmente trabajaba John Barry. Hasta fue muchas veces a los estudios Pinewood donde montaban el sonido definitivo en la película. Pero ni Vangelis ni Scott estuvieron contentos de lo se hacía en Pinewood, Acabaron el trabajo en los más baratos ,pero más eficaces estudios para sonido ,los estudios Twickenham.

blade-runner_55553La guerra por la banda sonora sólo acababa de empezar. Warner Records se puso en contacto con Vangelis para que el mismo eligiera los temas que aparecerían en el famoso “Soundtrack” del film, que sólo es un simplificación del trabajo de un músico. Vangelis se negó en rotundo. Se agarro al hecho de que no hacía mucho había firmado un nuevo contrato discográfico que le obligaba a publicar todos sus trabajos en el sello Polydor. Pero es que además, Vangelis quería darle un escarmiento a Ridley Scott, que le había torturado durante cuatro meses.



Los derechos discográficos los tenía Warner, pero si Vangelis o, en su particular guerra contractual, Polydor, no querían o se negaban en ceder al artista, entonces no había nada que hacer.

A comienzos del mes de junio de 1982, unas pocas semanas antes del estreno del film, circulaba por Hollywood una copia pirata de los temas que Warner tenía preparados para una hipotética aparición discográfica. El rumor era que un ingeniero del estudio de la Warner, había hecho una copia y como Vangelis estaba de moda por su Oscar con “Carros de Fuego”, el disco pirata pasó de mano en mano. En realidad, era una cassette de aquellos tiempos, para ser más exactos. El CD todavía no había desarrollado la técnica para poder crearse en privado. Aquella copia primitiva es difícil de encontrar, aunque algunos fanáticos de Vangelis la tienen. En la actualidad, si circulan copias en CD de aquel primitivo asalto pirata.

Como había que sacar una banda sonora , el estudio de la Warner decidió que se hiciera una versión lo más exacta posible de los temas de Vangelis y así apareció “Blade Runner: The New American Orchestra”. El disco era un timo para los grandes “hoolligans” del film, pero si se escucha en la actualidad, no estaba tan mal hecho.

Siete años despés, Vangelis le dio a su discográfica Polydor tres temas, los que consideran Vangelis como los mejores de “Blade Runner” para una recopilación de sus mejores obras que llevaba el título de “Themes”. Es decir, “Love Theme”, “End Titles” del final de la versión de la Warner y “Memories of Green”.

Más adelante, en el año 1994, Vangelis, que ya no estaba preso por su contrato con Polydor, accede a que Warner, a través de su sello East/West publique una especie de “banda sonora”, con muchos temas de la película y con algunos otros inéditos, como venganza a Ridley Scott. Justos eran los que el cineasta se había cargado en la película.

En el año 2000, circulaba un nuevo disco pirata de la banda sonora de “Blade Runner” en el que se incluía el tema inicial de John Williams para el logo de la Ladd Company, que había producido el film.

Finalmente, en el año 2007, coincidiendo con el 25 Aniversario de “Blade Runner” cuando la música de Vangelis ya se había convertido en objeto de culto, se publica la versión definitiva de “Blade Runner”, con 3 CDS. Por fín, Warner, había doblegado a Vangelis. En su rendición entrega todos los “masters” originales , todo lo que grabó para la película. Warner Records también contó con el apoyo de Ridley Scott, que se atrevió incluso a escribir y recordar sus funestas visitas a a los estudios Nemo , en Marble Arch, en las notas del disco . Del triple CD, el primero es impecable. Pero el segundo y el tercer disco son un poco pesados . Es lo que tiene estas ediciones tan estrictas.


Para decir la verdad, para mí la versión con la que más disfruto es una joya de las catacumbas de la piratería discográfica. Un ingeniero rumano, probablemente un loco de Blade Runner, tuvo la paciencia de separar del celuloide la música que va por su parte en las cuatro pistas del film. Directamente. Así que nada más que se trata de una versión completa de toda la música que estrictamente suena en la película. Son setenta dos minutos de música para decirlo con precisión. Como se trata de un disco pirata rumano, tenía los sugestivos títulos de “Titlurile și Prologurile Principale”, Fiul Multiubit Aduce Moartea, etc . Un documento impagable.

“Blade Runner”, en definitiva, es una fascinante historia de principio a fin. Todavía posee el misterio de como se equilibró esa intrigante magia entre la imagen y el sonido, en una sincronización perfecta. Imposible de repetir. Todo encaja con las imágenes, la música, los replicantes, etc.. Vangelis , que no da ni un puñetera entrevista, salvo de vez en cuando, asegura que siempre escribió la música de “Blade Runner” , pensando en que Deckard (Harrison Ford) era también un pobre replicante más.

Aunque “Carros de Fuego” ganara el Oscar, el trabajo más exquisito y espectacular de Vangelis es la banda sonora de la película de Scott. ¿Por qué?. Porque nadie ha sentido tanto con ruidos y música el futuro más cercano. Y sin aspavientos, con simples sintetizadores analógicos. La imágenes son una pura invitación a la música de Vangelis. Encajan como si una cosa hubiera estado pensado para la otra.

Vangelis recibió la noticia de la muerte de su primo Demis Roussos en Londres. El propio Vangelis se declara un viajero en la vida. Normalmente, desde que cumplió 60 años-en la actualidad, tiene 71 años- pasa más tiempo en Atenas y no es difícil verlo pasear por su calle favorita, la que es ahora peatonal, Dionisio Areopagita . Para Vangelis la “calle más bella del universo” .Aunque jamás se queda quieto en Atenas. Siempre se escapa a su casa de París o Londres.


Hace poco le pusieron el nombre de una calle en Volos, donde nació, pero no quiere vivir allí. Últimamente se ha atrevido con la pintura, como en el caso de Bob Dylan. Incluso expuso sus cuadros en Valencia, hace ya diez años. , gracias a la amistad de Consuelo Ciscar con el genio griego. Su último trabajo es la banda sonora del film argelino “Crescule des Ombres” del cineasta argelino Mohamed Lakhdar-Hamina, estrenada hace un par de meses.. Pero todavía no ha aparecido discográficamente.
Es muy posible que su tema favorito de “Blade Runner” sea “Memories of Green”. Vangelis dice que que con las destrucción de este planeta , algún día sólo nos queden memorias de nuestra vegetación , recuerdos de un mundo verde con aquella maravillosa vida de plantas y árboles. Serán “nuestras memorias sobre lo verde”.

Pero como decía Roy Batty, el líder de los replicantes:

“No haré nada por lo que el dios de la biomecánica no te deje entrar en su cielo.”

De Plásticos y Decibelios de Julián Ruíz

Interstellar: ¿ciencia o ficción?


Interstellar, la película de Christopher Nolan, imagina un futuro en el que la Humanidad se ve obligada a buscar un planeta alternativo para sobrevivir, debido al imparable deterioro del ecosistema terrestre. Para hallar este nuevo hogar en el Cosmos, un grupo de astronautas se embarca en una odisea espacial en la que viajan a través de un agujero de gusano y acaban ante las fauces de un agujero negro. El héroe de esta aventura vive en carne propia la relatividad del tiempo y se adentra en una quinta dimension que le permite viajar al pasado. Interstellar es una ficción, pero en su guión y diseño artístico ha participado el gran astrofísico Kip Thorne, quien logró nuevos descubrimientos gracias al trabajo que realizó para el filme.

En busca de una nueva tierra

“La exploración del espacio es vital porque en el futuro podría evitar la desaparición de la Humanidad, gracias a la colonización de otros planetas”. Hace tres meses, poco antes del estreno de Interstellar, Stephen Hawking defendía con estas palabras la necesidad de seguir desarrollando tecnologías cada vez más potentes para viajar al Cosmos, en una entrevista exclusiva que concedió a EL MUNDO. No cabe duda de que el profesor Hawking suscribiría la visión del astronauta Cooper, el personaje que interpreta Matthew McConaughey en la película, cuando le dice a su hija que “nuestro destino está en las estrellas”.

El punto de partida de la prodigiosa fábula cinematográfica dirigida por Christopher Nolan es que nuestra especie se encuentra al borde de la extinción debido al deterioro del ecosistema terrestre, hasta el punto de que prácticamente ya no quedan tierras cultivables. Ante esta amenaza extrema, a la Humanidad sólo le queda una última esperanza para sobrevivir: encontrar un hogar alternativo en el Cosmos, un planeta B habitable. A muchos espectadores todo esto quizás les suene a pura ciencia ficción, pero lo que plantea la película de Nolan -cuyo guión ha contado con el asesoramiento del gran astrofísico estadounidense Kip Thorne- no es ninguna tontería.

El actual director científico de la NASA, John Grunsfeld, en un documental del Discovery Channel basado en un libro firmado por el propio Kip Thorne-, también resalta un hecho incontestable: nuestro Sol tiene fecha de caducidad y eventualmente se apagará como todas las estrellas. Así que, antes o después, como dice el científico de la NASA que interpreta Michael Caine en la película, tendremos que diseñar una misión «no para salvar el mundo, sino para abandonarlo», si queremos evitar nuestra extinción.

Pero, ¿hasta qué punto es realista pensar que existen otras tierras habitables ahí fuera? Si tenemos en cuenta que, tan sólo en nuestra galaxia, hay entre 100.000 y 400.000 millones de estrellas, y que -según ha demostrado en los últimos años el telescopio espacial Kepler– la inmensa mayoría de las estrellas van acompañadas de un sistema planetario, parece más que razonable pensar que en muchos de estos mundos debe existir vida. De hecho, según el director del Observatorio Astronómico Nacional, Rafael Bachiller, se calcula que hay “al menos 8.800 millones de Tierras potencialmente habitables” (es decir, ni demasiado lejos ni demasiado cerca de sus estrellas, y por lo tanto con una temperatura que puede permitir la presencia de agua líquida y quizás organismos vivos).

Pero además, como explica Bachiller, si más allá de nuestra galaxia sabemos que hay unos 100.000 millones de galaxias observables, y asumiendo que la Vía Láctea tiene una cantidad de planetas dentro de la media, “obtenemos un número de 100.000 billones de planetas potencialmente habitables en el universo observable”. Por lo tanto, el planteamiento inicial de Interstellar tiene un sólido fundamento científico. Aunque todavía estemos lejos de poder conseguirlo, antes o después no tendremos más remedio que buscar un planeta B en el Cosmos para garantizar la futura supervivencia de nuestra especie, una vez que la Tierra se vuelva inhabitable.

Un atajo cósmico: el agujero de un gusano

A pesar de que hay muchísimas posibles tierras alternativas en el inmenso océano del Universo, el problema es que están demasiado lejos para que podamos convertirlas en nuestro nuevo hogar. Todos los posibles planetas B que se han identificado se encuentran “a distancias insalvables”, explica el astrónomo Javier Armentia, director del Planetario de Pamplona. A su velocidad actual, Voyager 1 -la sonda de la NASA que más lejos ha llegado en la historia de la exploración espacial, traspasando incluso los confines del Sistema Solar- necesitaría centenares de siglos para llegar a Alfa Centauri, el sistema estelar más cercano a la Tierra. Por eso, como admite Rafael Bachiller, “aunque se desarrollen tecnologías para aumentar la velocidad de los viajes espaciales, es difícil imaginar que se llegue a ganar un factor 100, por lo que los viajes interestelares son sólo un sueño“.

Para superar este desafío, los guionistas de la película de Nolan -muy bien asesorados por al astrofísico Thorne- recurren a un agujero de gusano, una especie de atajo cósmico que teóricamente podría existir, según la Teoría de la Relatividad General de Einstein. La imagen que se usa habitualmente para explicar este hipotético túnel en el espacio-tiempo es que si el Universo fuera una manzana, una hormiga podría llegar en poco tiempo desde un extremo a otro a través del agujero formado por un gusano, sin tener que rodearla. Esto es justo lo que hacen los astronautas de Interstellar: logran llegar a otra galaxia casi en un abrir y cerrar de ojos gracias a uno de estos pasadizos. Sin embargo, a pesar de que el diseño del agujero de gusano está basado en cálculos matemáticos reales elaborados por Thorne, la realidad es que a día de hoy, no hay absolutamente ninguna evidencia experimental que haya demostrado la existencia de este fenómeno.

Gargantúa: el agujero negro más realista

El aspecto científico de Interstellar que más han elogiado y aplaudido los astrónomos de todo el mundo ha sido Gargantúa, el agujero negro al que llegan los astronautas de la película en su búsqueda de un nuevo hogar planetario. De hecho, Kip Thorne ha explicado que la representación de este sumidero cósmico supermasivo fue el resultado de un año entero de cálculos y simulaciones informáticas realizadas por un equipo de 30 personas y miles de ordenadores. Este trabajo científico fue tan exhaustivo que los expertos ya consideran a Gargantúa la recreación más realista jamás lograda de un agujero negro hasta la fecha. Thorne incluso asegura que las ecuaciones que elaboró durante meses para asesorar a los guionistas de la película son tan novedosas que le van a permitir publicar al menos dos trabajos científicos en las revistas especializadas de Astrofísica. Interstellar, por lo tanto, no sólo es una ficción bien fundamentada desde el punto de vista técnico, sino que ha aportado nuevos hallazgos sobre la estructura de los agujeros negros a los propios científicos que ayudaron a elaborar el guión.

Gargantúa, el agujero negro al que llegan los astronautas de la película en la búsqueda de su nuevo hogar planetario.

“Gargantúa es precioso. Simplemente magnífico. La física subyacente es impecable”, asegura el astrónomo Javier Armentia. Al mismo tiempo, sin embargo, los expertos consideran totalmente inverosímil el hecho de que los astronautas de la película se aproximen tan peligrosamente a las fauces de un agujero negro sin acabar devorados y desintegrados. “La película olvida la potente radiación que se origina en el disco de acreción de un agujero negro. Tal y como han detectado nuestros telescopios, esos discos son fuentes de rayos gamma y X muy energéticos que tendrían un efecto muy nocivo sobre cualquier objeto que circule por su entorno”, explica Rafael Bachiller.

El paso del tiempo es muy relativo

Los héroes de Interstellar viven en carne propia uno de los principios más revolucionarios descubiertos hace más de un siglo por Einstein: la medida del tiempo es relativa, y depende (entre otros factores) del campo gravitatorio en el que se realiza la medida. Por ese motivo, para los astronautas sometidos a la intensa fuerza del agujero negro al que se aproximan, el tiempo se dilata muchísmo con respecto al que transcurre para los seres queridos que han dejado atrás en la Tierra. En uno de los planetas que exploran, una hora sobre su superficie equivale a siete años en el nuestro. De nuevo en este terreno, la película ha contado con el asesoramiento de Thorne, un gran experto en la materia, y todo lo que les ocurre a los protagonistas tiene una sólida base científica. De hecho, la dilatación gravitacional del tiempo es algo que ya se observa hoy de manera rutinaria en los relojes atómicos que van acoplados en los satélites a diferentes altitudes sobre la Tierra. “Al estar emplazados en diferentes potenciales gravitatorios, esos relojes muestran tiempos diferentes: el tiempo transcurre más rápidamente para los de mayor altitud”, explica Rafael Bachiller. Hasta tal punto es así, que los satélites del sistema GPS se programan para corregir ese desfase.

Un mundo exótico con olas gigantes

Una de las imágenes más hipnóticas y apabullantes de la película es el planeta que orbita en torno a Gargantúa, donde los astronautas se ven acorralados por unas colosales olas del tamaño de un rascacielos. Según ha explicado el propio Kip Thorne, un mundo que se encuentra en las profundidades del llamado “pozo gravitatorio” de un agujero negro, y por lo tanto sometido a fuerzas intensísimas, podría hipotéticamente generar este impresionante fenómeno. Sin embargo, algunos expertos, como el astrónomo y divulgador Neil De Grasse Tyson -conocido por presentar la nueva versión de la famosa serie televisiva Cosmos- han señalado que aún en el caso de que existieran olas gigantes por la fuerza de un agujero negro, jamás tendrían la forma tan vertical que se ve en la película.

Otros científicos, como el astrofísico Roberto Trotta, profesor del Imperial College en Londres, directamente descartan que un ser humano pudiera sobrevivir un solo segundo en un planeta con las fuerzas gravitatorias necesarias para generar semejantes olas. “Si intentaras aterrizar sobre su superficie”, señala Trotta en un artículo publicado por The Guardian, “la gravedad sería tan fuerte que te aplastaría de inmediato”.

Viajar al pasado en una quinta dimensión

Desde el punto de vista científico, sin duda el momento más atrevido e inverosímil de Interstellar es la escena en la que el astronauta Cooper, tras adentrarse en las tripas de Gargantúa, acaba penetrando una quinta dimensión en la que puede ir hacia adelante y hacia atrás en el tiempo: un pasillo infinito en el que pasado, presente y futuro se convierten en otra dimensión espacial más, donde se puede avanzar o retroceder, e incluso intervenir para intentar cambiar los acontecimientos del ayer o el mañana. Aunque evidentemente se trata de una mera especulación sin ninguna prueba empírica, el hecho es que algunas teorías actuales de la cosmología han propuesto la hipotética existencia de dimensiones exóticas y universos paralelos.

El astrónomo Neil De Grasse Tyson lo ha explicado así en un vídeo sobre la ciencia de Interstellar: “En nuestra experiencia cotidiana, tenemos acceso a las tres dimensiones espaciales, en las que nos movemos libremente (para adelante, atrás, arriba, abajo…), mientras que en la cuarta dimensión del tiempo somos prisioneros del presente: no podemos avanzar hacia el futuro ni retroceder hacia el pasado. Sin embargo, teóricamente podría existir una quinta dimensión en la que toda nuestra vida se desplegaría ante nosotros de la misma manera que las tres dimensiones del espacio a las que estamos acostumbrados. En esa quinta dimensión, no tiene sentido preguntar ‘¿cuándo nací?’ o ¿cuándo morí?’, porque, de hecho, siempre estás naciendo y siempre te estás muriendo. Toda tu vida está ocurriendo a la vez y puedes tener acceso a cualquier momento e incluso intentar cambiar los acontecimientos”.

Para muchos espectadores, esta escena seguramente sea la más peliculera de toda la trama de Interstellar. Por su parte, el astrónomo Bachiller reconoce a este periódico que “aunque se trate de ideas muy estimulantes que admiten un tratamiento matemático riguroso, no tenemos a día de hoy ninguna prueba experimental de que tales dimensiones y/o universos simultáneos existan realmente”.

Fuente : EL MUNDO

The Top 100 Star Trek Episodes Of All Time!

The Top 100 Star Trek Episodes Of All Time!

Star Trek gave us six TV series, spanning over 700 episodes, because it’s such a rich universe. And a Federation starship is the perfect vehicle to tell unforgettable stories. But which Star Trekstories are the best? To find out, we painstakingly compiled the 100 greatest Trek episodes, from any of the series.

What makes for a great Star Trek episode? Obviously, the fun quotient has to be high, and there need to be awesome character moments. But I’d argue that a really notable Trek story explores some ideas, or some ethical quandaries, in a way that sticks with you after you’re done watching. If one thing has defined Trek throughout its run, it’s that.

So here’s our list of the 100 best Star Trek episodes. Please let us know which episodes we missed, or ranked incorrectly!

Warning: some spoilers below, although we try not to give away all the plot twists.

The Top 100 Star Trek Episodes Of All Time!

100) Bride of Chaotica! (Star Trek: Voyager) – A hilarious pastiche of old-school science fiction serials, this story puts the Voyager crew in the middle of a space-opera fantasy gone very, very wrong.

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99) Day of the Dove (Star Trek) – An alien entity wants the Enterprise crew and some Klingons to slaughter each other, and Kirk has nearly as much trouble with his own crew as with the “enemy.”

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98) Paradise (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko and O’Brien find themselves in a “perfect” society where no technology functions, and the society’s matriarch tests Sisko’s will with some pretty brutal treatment.

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97) Borderland/Cold Station 12/The Augments (Enterprise) – In this three-part episode, we delve into the past of Khan Noonien Singh’s genetically augmented crew, and also meet the ancestor of Data’s creator. And connecting those two dots allows the story to get into some weird questions about the nature of “superior” people.

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96) Lineage (Star Trek: Voyager) – B’Elanna and Tom are expecting a baby… but maybe they can genetically engineer it to be more human and less Klingon? More than any episode about Khan’s people, this episode digs into the thorny ethics of eugenics.

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95) The Most Toys (Star Trek: The Next Generation) – Data is taken prisoner by an unscrupulous collector, and the android finds out just how far he’s willing to go to win his freedom.

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94) Disaster (Star Trek: The Next Generation) – A calamity cuts off the different sections of the ship from each other, leaving Deanna Troi in charge, and Worf having to deliver a baby.

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93) Future’s End (Star Trek: Voyager) – An evil Bill Gates-type in the 1990s has gotten hold of a 29th century ship, and even the Voyager crew might not be able to keep him from changing history.

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92) The Magnificent Ferengi (Star Trek: Deep Space Nine) – Of all DS9‘s “Ferengi comedy” episodes, this is one of the funniest — Quark has to rescue his mother from the Dominion, but everything goes absolutely pear-shaped and Quark has to improvise.

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91) The Killing Game (Star Trek: Voyager) – The Hirogen love to hunt, so what could be better than turning Voyager into a recreation of World War II? (Lots of things. But that’s what they do, anyway.)

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90) Booby Trap (Star Trek: The Next Generation) – The Enterprise is trapped in a weird space trap, and Geordi can’t find a solution until he makes himself a new colleague… who’s the woman of Geordi’s dreams.

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89) Court Martial (Star Trek) – Kirk is put on trial, and along the way he shows what it really takes to command a starship.

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88) Favor the Bold/Sacrifice of Angels (Star Trek: Deep Space Nine) – This episode is a turning point in the “Dominion War” arc. But more to the point, it features a ginormous, amazing space battle, featuring hundreds of starships.

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87) Déjà Q (Star Trek: The Next Generation) – Q has lost his powers, and now he’s learning to cope with being human. If he can survive the wrath of Guinan, that is.

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86) Memorial (Star Trek: Voyager) – Voyager was at its best when coping with strange thought experiments, and here’s a doozy: a memorial forces you to experience a terrible war first-hand. Should it be allowed to remain operational?

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85) Little Green Men (Star Trek: Deep Space Nine) – Quark gets stranded on mid-20th century Earth, and for once even he can’t figure out how to profit from this, in a hilariously weird episode.

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84) Parallels (Star Trek: The Next Generation) – Worf keeps jumping to various (and highly entertaining) alternate realities, showing how different his life could be with just a few changes.

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83) Timeless (Star Trek: Voyager) – One of the many “alternate future crewmembers averting a past tragedy” storylines, this one features the beautiful image of Voyager crashed into an ice planet, and Chakotay going to extremes to save his friends.

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82) Conundrum (Star Trek: The Next Generation) – The entire crew of the Enterprise suffers memory loss, but luckily First Officer MacDuff is here to help. When their identities are stripped away, will the Starfleet officers still do the right thing?

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81) The Enemy Within (Star Trek) – The one where Kirk gets split into good and evil versions by a transporter accident — Richard Matheson’s script manages to get into some thorny questions about the nature of evil.

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80) The Wounded (Star Trek: The Next Generation) – The Federation is trying really hard to have peace with the Cardassians, but some people in Starfleet aren’t quite so ready to forgive and forget… and it’s up to Picard to help out his enemies.

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79) I, Mudd (Star Trek) – The most famous rogue in Star Trek has landed in a great spot — surrounded by beautiful androids who cater to his every whim. Except that he can’t leave.

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78) Remember Me (Star Trek: The Next Generation) – Dr. Crusher is faced with a mystery that gets at her fear of abandonment, but also questions of existence, when people start vanishing around her.

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77) Our Man Bashir (Star Trek: Deep Space Nine) – The goofiest of DS9 episodes (well, one of the goofiest) sees Bashir stuck in a holosuite program where he’s a James Bond-style spy.

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76) Wolf in the Fold (Star Trek) – Mr. Scott is accused of being a serial killer… but the truth is a lot more bizarre.

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75) The Raven (Star Trek: Voyager) – One of the best “Seven of Nine tries to become more human” episodes actually sees her coping with her memories of being part of the Borg.

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74) Living Witness (Star Trek: Voyager) – Hundreds of years after Voyager visit a planet, its crew are remembered as war criminals, as shown in a historical reenactment.

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73) Family (Star Trek: The Next Generation) – This episode is revolutionary, purely because it shows the consequences of a big “event” episode — Picard is still shaken by his experiences with the Borg, when he goes home to visit his family.

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72) Who Mourns For Morn (Star Trek: Deep Space Nine) – The barfly who hangs out in Quark’s bar has apparently died, but will Quark really inherit all his worldly goods?

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71) A Piece of the Action (Star Trek) – One of many “visiting Earth’s past on another planet” episodes, this is the funniest and also the most trenchant. Kirk and friends have to outwit a whole planet of gangsters, while teaching them the arcane game of Fizzbin.

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70) Sarek (Star Trek: The Next Generation) – Peter S. Beagle wrote this episode where Spock’s father reappears, and he’s not the Vulcan he used to be — a bittersweet exploration of aging and loss.

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69) What You Leave Behind (Star Trek: Deep Space Nine) – The DS9 finale packs a lot of punches, including the final showdown with the Dominion, and Sisko embracing his destiny.

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68) Tin Man (Star Trek: The Next Generation) – a powerful Betazoid telepath is obsessed with a giant sentient spaceship, but also develops a friendship with Data, the only person whose thoughts he can’t read.

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67) Errand of Mercy (Star Trek) – The first Klingon episode is also the most daring, as Kirk is portrayed as being nearly as warlike as his foes, in the face of godlike pacifist aliens.

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66) Dark Frontier (Star Trek: Voyager) – Seven of Nine starts to remember her past before she became a Borg drone, as Janeway schemes to steal from the Borg.

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65) In Purgatory’s Shadow/By Inferno’s Light (Star Trek: Deep Space Nine) – One of the most shocking of the “Dominion War” storylines, this two-parter reveals a terrible secret about Bashir, and changes the balance of power in the Alpha Quadrant.

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64) The Slaver Weapon (Star Trek: The Animated Series) – Written by Larry Niven, this episode sees the Enterprise crew meeting the Kzinti… and dealing with a self-aware ultimate weapon.

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63) Assignment: Earth (Star Trek) – Kirk and Spock go back to the 1960s, but they’re not the only interloper. This was the “backdoor pilot” for a spin-off show that never happened, but it’s still bizarrely entertaining in its own right.

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62) Cause and Effect (Star Trek: The Next Generation) – The one where the Enterprise keeps blowing up over and over. The most explosive, bewildering time loop ever.

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61) Course: Oblivion (Star Trek: Voyager) – These alternate versions of a starship crew aren’t evil — just very, very fragile. This is one of those episodes whose nihilism makes it almost like a weird dream.

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60) Shore Leave (Star Trek) – One of the goofiest original-series episodes also has a major dark side, as the crew arrives on a planet where anything they imagine can become real. Anything.

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59) The Quickening (Star Trek: Deep Space Nine) – Dr. Bashir’s miracle-worker image faces an extra challenge when he faces a genetically-engineered plague.

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58) Dagger of the Mind (Star Trek) – In the Federation’s utopian future, the rehabilitation of criminals is much more humane. Much, much more humane. The psychological cruelty in this one is actually pretty intense.

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57) The Sound of Her Voice (Star Trek: Deep Space Nine) – Everybody falls in love with a stranded Starfleet captain who’s sent out a distress call. But can she be saved?

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56) Tuvix (Star Trek: Voyager) – The Voyager crew face another huge ethical conundrum… and arguably, this time they choose wrong.

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55) The Pegasus (Star Trek: The Next Generation) – Riker’s long-buried secret comes to light, and he’s forced to lie to Captain Picard.

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54) Caretaker (Star Trek: Voyager) – Greg Cox argued (in our comments) this is the best first episode of any Trek, and he has a point: it shows Captain Janeway making two tough choices: stranding her crew, and adopting a crew of rebels.

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53) The Conscience of the King (Star Trek) – This episode about a Shakespearean actor who may be a legendary mass murderer is also our first glimpse of the flaws in Trek‘s perfect future.

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52) Relics (Star Trek: The Next Generation) – Old Starfleet engineers never die — they just come back decades later, eager to tinker with another warp engine.

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51) Necessary Evil (Star Trek: Deep Space Nine) – The best of the episodes about the shapeshifting Odo doing detective work, because his digging turns out to reveal some dark secrets.

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50) I Borg (Star Trek: The Next Generation) – Another episode with a guest star who poses a huge ethical question — the Enterprise finds a disconnected Borg drone, and tries to turn him into a weapon.

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49) The Wire (Star Trek: Deep Space Nine) – The mysterious Garak finally has to reveal a little bit about his past to his friend Dr. Bashir, to save his life — but which stories are lies, and which ones are true? Or is there really any difference?

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48) The Enterprise Incident (Star Trek) – Kirk and Spock pull an elaborate hustle on the Romulans, in an episode that shows just how unethical our heroes are prepared to be.

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47) Perfect Mate (Star Trek: The Next Generation) – Picard falls for a woman (Famke Janssen!) who is destined to marry a warlord in an arranged marriage, and he has to put his feelings aside for the sake of peace.

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46) Blink of an Eye (Star Trek: Voyager) – In yet another high-concept Voyagerouting, the starship appears in the sky over a planet for a relatively brief time, but that’s long enough for it to loom over the life and death of an entire civilization.

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45) Dear Doctor (Enterprise) – Doctor Phlox relates his experience dealing with a plague affecting a relatively primitive planet, which turns out to pose an impossible dilemma.

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44) It’s Only a Paper Moon (Star Trek: Deep Space Nine) – Like “Family,” this is an episode that takes a hard look at the process of recovering from trauma… and doesn’t sugar-coat the truth.

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43) Obsession (Star Trek) – Kirk’s judgment is called into question when he becomes fixated on revenge, showing once again just how dangerous an out-of-control captain can be.

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42) Hard Time (Star Trek: Deep Space Nine) – The best of the many “Let’s torture O’Brien” episodes, in which he receives false memories of 20 years of imprisonment.

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41) Rocks and Shoals (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko’s crew are stranded on a planet with some of the enemy Jem’Hadar… and the Jem’Hadar’s unquestioning drug-induced loyalty is put to the test, horribly.

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40) In A Mirror Darkly, Parts 1 & 2 (Enterprise) – The best of the “Mirror Universe” sequels, this episode shows us a more unscrupulous version of Jonathan Archer… who’s just inherited a Federation ship from the future.

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39) Journey to Babel (Star Trek) – Most notable for introducing us to Spock’s parents, this episode also shows a Federation diplomatic mission gone horribly wrong.

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38) The Way of the Warrior (Star Trek: Deep Space Nine) – With the Federation facing war with the Dominion, it’s a good thing the Klingons are here to help. Except sometimes your allies can be more dangerous than your enemies.

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37) Lower Decks (Star Trek: The Next Generation) – This episode follows four junior officers aboard the Enterprise, and lets us see the command staff through the eyes of their underlings.

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36) Galileo Seven (Star Trek) – A shuttlecraft full of people is stranded on a planet, and it appears that not all of them can survive. Good thing Spock is in charge, and he has zero hesitation about making the tough call… Right?

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35) Inter Arma Silent Leges (Star Trek: Deep Space Nine) – Bashir has always wanted to play at being a spy… so how does he like doing it in real life? One of the episodes that exposes the terrible underbelly of the Federation.

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34) The Drumhead (Star Trek: The Next Generation) – An Admiral subjects the Enterprise to an inquisition, and starts finding conspiracies behind every bulkhead, providing an object lesson in the dangers of paranoia.

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33) Twilight (Enterprise) – In the future, Archer has dementia, and the human race has lost a devastating war. And both things are equally terrible to behold.

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32) Trials and Tribble-ations (Star Trek: Deep Space Nine) – One of several time-travel episodes, this one sends Sisko’s officers back to the original series episode “The Trouble With Tribbles,” and provides a great love letter to Trek‘s history.

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31) Call to Arms (Star Trek: Deep Space Nine) – This is the one where Sisko makes the tough choices, and a highly symbolic baseball is the only hint of Sisko’s endgame.

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30) Yesteryear (Star Trek: The Animated Series) – Spock travels back in time and saves himself as a young boy on Vulcan, in an episode that reveals a lot about Spock’s life.

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29) The Void (Star Trek: Voyager) – When Voyager gets trapped in a pocket space with a bunch of other ships that prey on each other, Janeway has to convince everybody to work together to escape. Janeway’s finest hour.

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28) Homefront/Paradise Lost (Star Trek: Deep Space Nine) – Nowadays, everybody trots out the “security versus freedom” question, but DS9 asked it first, and best, with this story of paranoia about shapeshifters in Starfleet.

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27) Where No Man Has Gone Before (Star Trek) – The second Star Trek pilot is the best, facing Kirk with an impossible choice: condemn his friend to death, or risk his entire ship.

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26) The Year of Hell Parts 1 &2 (Star Trek: Voyager) – The luckiest ship in the Delta Quadrant finally has really, really bad luck.

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25) The Offspring (Star Trek: The Next Generation) – Data creates an android daughter for himself, but some miracles are too great to last.

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24) Duet (Star Trek: Deep Space Nine) – Kira suspects that a visiting Cardassian is actually a notorious war criminal, and she’s willing to go to insane lengths to prove it.

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23) The Equinox (Star Trek: Voyager) – Captain Janeway’s determination to uphold Federation principles far from home looks a lot more impressive when you meet another Starfleet crew that compromised, really badly.

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22) Tapestry (Star Trek: The Next Generation) – Picard is dying of an old wound caused by his recklessness, so Q shows him what his life would be like if he’d played it safe.

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21) Arena (Star Trek) – Kirk faces two impossible challenges: making a weapon from scratch, and upholding his values in the face of a murderous Gorn.

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20) Measure of a Man (Star Trek: The Next Generation) – Putting Data on “trial” to see if he’s a person raises fascinating questions, but the best part is Riker’s total ruthlessness as prosecutor.

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19) Yesterday’s Enterprise (Star Trek: The Next Generation) – The Enterprise finds itself in an alternate universe, and restoring the original timeline will come at a high cost.

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18) The Doomsday Machine (Star Trek) – Kirk faces the ultimate weapon, but his real nightmare is an unhinged superior officer taking command of the Enterprise.

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17) The Siege of AR-558 (Star Trek: Deep Space Nine) – Lots of DS9 episodes explored the notion that war is Hell, but this one made it visceral and unforgettable.

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16) Devil in the Dark (Star Trek) – The classic Star Trek scenario: a story in which the “monster” is misunderstood, and ignorant humans are the real danger.

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15) Space Seed (Star Trek) – The only Trek episode to get a movie sequel, this story introduces a suave former dictator who’s a perfect foil for Kirk.

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14) The Corbomite Maneuver (Star Trek) – This episode isn’t named after the villain or the McGuffin, but after Kirk’s cunning gambit — with good reason. Never play poker with Kirk.

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13) Far Beyond The Stars (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko hallucinates he’s a pulp science fiction author writing about the impossible: a black captain named Ben Sisko.

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12) Amok Time (Star Trek) – Our first visit to Spock’s homeworld also shows how friendship and cunning are more powerful than mating rituals and ancient traditions.

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11) Chain of Command (Star Trek: The Next Generation) – Picard is captured by a ruthless Cardassian torturer — and gets pushed to his limits.

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10) Mirror, Mirror (Star Trek) – Meeting alternate crewmembers, including Bearded Spock, is cool — but the fascinating part is seeing our heroes try to pretend to be barbarians.

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9) All Good Things (Star Trek: The Next Generation) – The best Q story sees Picard tested at three points in his life, with the whole universe in the balance.

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8) The Inner Light (Star Trek: The Next Generation) – Picard lives a whole life on a doomed planet, and becomes a living memorial, with just a flute as souvenir.

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7) In the Pale Moonlight (Star Trek: Deep Space Nine) – How far will Sisko go to get the Romulans to join the war? All the way.

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6) The Trouble with Tribbles (Star Trek) – The funniest Trek, it also faces Kirk with the most insidious threat: an organism that’s born pregnant.

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5) Darmok (Star Trek: The Next Generation) – Quibble about the alien language all you want, this parable of learning to communicate remains powerful.

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4) The Visitor (Star Trek: Deep Space Nine) – Jake Sisko has grown old as a famous writer, but he’s willing to give it all up to save his father in the past. Absolutely beautiful.

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3) City on the Edge of Forever (Star Trek) – Kirk, Spock and McCoy visit the 1930s, and Kirk faces an impossible choice that proves time travel is heart-breaking.

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2) The Best of Both Worlds (Star Trek: The Next Generation) – The Borg turn Picard into their mouthpiece, and our heroes nearly lose.

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1) Balance of Terror (Star Trek) – Kirk’s battle of wits with a Romulan is spellbinding, but so is the exploration of prejudice, and the idea that noble people fight on both sides.

Portions of this list originally appeared in a “top 10” list back in 2011. Thanks to everybody who suggested stuff for this list over at the Observation Deck, especially Pessimippopotamus,Dr Emilio Lizardo, Erodgenator, JurassicBark, omgwtflolbbqbye, Gilese, Ghost in the Machine, Quasi Hatrack, KeithA0000, LizTaylorsEarrings, MasterChef_117, Kegg, Robert James, Poet Desmond, Erinaceus, Onelittledetail, Pie ‘oh’ Pah, Fauxcused, Terror and Love,Buck-Bokai, McGiggins, cohentheboybarian, Maveritchell, hyattch, Mudbud, sbtblab, Siete Ocho, Eesti, WiessCrack, Steven Lyle Jordan, tsalonich, llaalleell, KKGrotto,KiraNerys42,owensa42, Indiebear, tetanusRacing, Max Hansen, Kevin Bradley and everybody else who contributed. Thanks!

Concierto acústico PARTIDO @ Terraza Hotel Pulitzer

Ayer asistimos a la presentación del segundo disco del grupo PARTIDO con su nuevo proyecto, The Ruins.


Fue en la terraza del Hotel PULITZER de Barcelona. Un anticipo acústico para su concierto de presentación eléctrico en la sala MUSIC HALL de Barcelona y Costello de Madrid

Presentación Oficial en Barcelona: https://www.ticketea.com/partido-en-music-hall-bcn/
Presentación Oficial Madrid: https://www.ticketea.com/partido-en-sala-costello-madrid/


Fue un atardecer mágico, rodeados de buena música y buen rollo de los asistentes. En esta ocasión faltaba el guitarra de la banda y las versiones fueron mucho más “light”.

Por eso esperamos con ganas verlos de nuevo en directo con toda la banda.

Os dejamos un par de fotos del concierto.


Brinkmann Balance | Sarte Audio Elite


Brinkmann Balance

La quinta esencia del High End alemán

El origen inequívocamente anglosajón de lo que conocemos como Audio High End no quita que, en los últimos 10 años, se hayan producido cambios en un mercado que ha experimentado como pocos –para bien y para mal- el irresistible empuje de las nuevas tendencias en el consumo de música grabada, hasta el punto de que EE.UU. y el Reino Unido han tenido que compartir su liderazgo con otros países. Por otro lado, existe a escala mundial un núcleo duro de aficionados que sienten auténtica devoción por el vinilo y empresas –como la nuestra- que han creído siempre en el más entrañable y, en muchos aspectos, musical de los formatos de audio. Y también hay países en los que lo clásico, lo tradicional ha salido mejor parado del “tsunami” digital y de Internet que en otros. Es el caso de Alemania, tradicional superpotencia en lo que a pasión por la música culta se refiere y, desde hace ya una década, verdadera caja de sorpresas en cuanto a fabricantes de componentes de audio de muy alto nivel. Fabricantes pequeños en su mayoría, pero muy comprometidos con su trabajo, hiperespecializados en términos de fabricación y sorprendentemente sofisticados en lo que a conceptos y soluciones tecnológicas se refiere.

En suma, lo mejor del rigor industrial y la pasión por las cosas bien hechas que forma parte de Alemania aplicado, en este caso, a la reproducción de la música grabada. Uno de dichos fabricantes es Brinkmann, fundada y dirigida por Helmut Brinkmann y que, sin ninguna duda, se puede considerar un ejemplo icónico de lo que es y representa el High End alemán. El giradiscos Balance, que protagoniza el presente Blog, ejemplifica a su vez una manera muy especial y contundente lo que significa maridar sonido y tecnología en clave de vinilo.

Austeridad formal, sofisticación tecnológica y radicalismo conceptual

Hay que reconocer que los alemanes juegan con ventaja a la hora de buscar lo último en materiales y, sobre todo, ingeniería mecánica gracias a una excelente base industrial que les permite acceder a lo último en maquinaria de control numérico para realizar mecanizados de muy alta precisión y, por tanto, para convertir en realidad los proyectos del más loco y exigente de los fanáticos de la reproducción sonora.

Del Balance gusta su elegante y sofisticada austeridad estética. Siendo un producto elitista, se nota que ha sido concebido por y para realizar una función muy concreta, sin concesiones a la galería ni, por supuesto, el más mínimo “fuego de artificio” que induzca a pensar que se busquen otros objetivos además de la excelencia sonora suprema. Una excelencia que en el ámbito de los giradiscos se condensa en dos conceptos: estabilidad de rotación e inmunidad absoluta frente a interferencias de origen mecánico o acústico.
Construido de forma completamente manual, el Balance impone ya de entrada por su contundente (18 kg de peso y 95 mm de altura) plato de aluminio especial de baja resonancia (a lo que contribuye también el disco de vidrio “incrustado” en su parte superior), un plato que para cumplir su cometido sin imperfecciones debe girar a la velocidad exacta. Y ahí es donde entra en juego esa sofisticación de la que antes hablábamos porque Helmut Brinkmann considera que el elemento clave del sistema de rotación es el conjunto formato por el eje y los rodamientos (cojinete), un conjunto que de ningún modo puede ser afectado por factores externos por insignificantes que parezcan.

Uno de dichos factores, esencial para el fabricante alemán, es la temperatura de los materiales empleados en el citado conjunto, cuya variación en función de las condiciones de trabajo se reduce prácticamente a cero gracias a un esquema de control electrónico basado en un transistor MOSFET de alta calidad que se encarga de mantener la disipación térmica en 15 vatios (lo que se consigue calentando el aceite que baña el eje de rotación) por cuanto se considera que es la cantidad adecuada para garantizar una rotación absolutamente fluida –y, por supuesto, a la velocidad exacta… es importante insistir en ello- del conjunto “plato+rodamientos”.

En este sentido, ayuda mucho la muy elaborada (ubicada en un recinto separado bellamente diseñado e irreprochablemente mecanizado) fuente de alimentación transistorizada que acompaña al Balance, una fuente que puede ser sustituida por una a válvulas (RöNt) disponible opcionalmente y que ha sido ideada para optimizar lo que Helmut Brinkmann llama la “cadena de energía”, formada por las diferentes fuerzas que entran en juego en un giradiscos con el fin de conseguir la perfecta rotación del plato. En suma, espíritu High End aplicado al límite.
En lo que respecta a los elementos mecánicos más “clásicos”, encontramos de nuevo un perfeccionismo controlado, casi comedido, pero perfeccionismo al fin y al cabo y, por lo tanto, excelencia. Es el caso del robusto chasis de 4 centímetros de grosor mecanizado en latón/acero de alta calidad o la base para el brazo de lectura, que puede aceptar diseños de longitud comprendida entre 9 y 10’5 y 12’1 pulgadas. Sobra decir que el Balance se suministra de fábrica con el bloque del brazo debidamente mecanizado para el modelos por el que finalmente se opte.

Una explosión de matices

Escuchamos el Balance equipado con un brazo Tonearm de 10’5 pulgadas de la propia Brinkmann –otro dechado de “perfeccionismo austero”- y una cápsula van den Hul The Condor, a lo que hay que sumar un preamplificador de fono Edison (otra maravilla que merece por sí solo protagonizar un futuro Blog), un previo de línea Audio Research Reference Anniversary, una pareja de etapas de potencia monofónicas Krell Evolution 900e y una pareja de las sublimes Sonus faber The Sonus faber. Todas las conexiones (Balance/Edison incluida) son de Transparent Audio (Opus MM2 en línea y cajas).
Lógicamente, la explosiva combinación que acabamos de describir no puede dar más que alegrías, en especial, teniendo en cuenta que todos los productos que la constituyen están ya suficientemente rodados.


Pero es que la palabra “alegría” casi resulta banal cuando uno se pone a escuchar pieza tras pieza –siempre de música clásica y jazz, que para algo la música verdadera debe ser ejecutada con instrumentos acústicos- y a descubrir un torrente de matices que inunda literalmente el espíritu. Por ejemplo, la incisiva interpretación de las celebérrimas “Cuatro Estaciones” por los impecables músicos de “Il Giardino Armonico” rebosa de riqueza, brío y sensualidad. Y lo mismo sucede con las melancólicas piezas de Schubert magistralmente ejecutadas por el genial y riguroso Alfred Brendel. ¡Y no digamos ya la legendaria banda de Duke Ellington o la siempre seductora voz de Ella Fitzgerald! Se consigue llegar a una especie de catarsis en la que el equipo desaparece virtualmente de la escena para convertirse en un enlace perfecto entre el compositor, los intérpretes y el oyente. En definitiva, seducción en grado sumo -con capacidad para crear adicción, lo que sucede en ocasiones muy contadas- que, con toda seguridad, frustrará a más de uno cuando la desconexión de los aparatos del equipo le haga volver a la realidad. ¿Se puede mejorar tanta excelsitud? Nos “tememos” que sí, “afinando” en materia de cápsula, fuente de alimentación del plato (léase cambiar transistores por válvulas). De hecho, casi no hemos mencionado la palabra Balance en nuestra reseña sobre la calidad sonora… hasta ese punto hace el Brinkmann honor a su nombre. Una espléndida materialización del concepto de “giradiscos para toda la vida” y un monumento a la mejor ingeniería y sabiduría alemanas a la hora de sacar todo el jugo al disco de vinilo. Más info>>

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