Nueva aportación a mi escasa colección de álbumes clásicos de Kraftwerk.
En este caso presento esta copia francesa de Radio-Activity. Portada clásica en su línea de fotos retro, incluso para los 70s, que ocultaba la extrema vanguardia que contenía la música estampada en sus surcos.
Incluido encarte funda original.
Faltan algunos imprescindibles en la colección, desde luego, ya que, de momento, sólo consta de esta copia y una española de TEE.
Las copias alemanas de estas obras en buen estado no se encuentran fácilmente.
[Proyecto especial para el 45 aniversario de la primera visita a Japón] Un patrimonio musical de talla mundial hecho en Japón.
Bob de ese día está aquí.
La historia finalmente se revela. Primera actuación de Bob Dylan en Japón, 28 de febrero y 1 de marzo de 1978.
Una grabación completa de unos 270 minutos de los dos días legendarios en el Nippon Budokan. Contiene un total de 58 pistas, incluidas 36 pistas inéditas.
¡Se ha realizado el mayor proyecto de reimpresión en la historia de la música occidental japonesa!
Bob Dylan
«Budokan completo»
BOB DYLAN
EL BUDOKAN COMPLETO 1978
Prelanzamiento en Japón el 15 de noviembre de 2023 [Edición limitada]
Edición de 4 CD (juego CAJA de lujo tamaño LP)
Número de producto: SICP6540-4 Precio: 22.000 yenes con impuestos incluidos (20.000 yenes sin impuestos)
Bono incluido: Recuerdos de la primera visita a Japón
(entradas, folletos de la gira, carteles, folletos, etc.) /
Folleto en color lleno de fotografías inéditas (60 páginas) /
Folleto en versión japonesa con traducción completa al inglés, comentarios recién escritos, letras y traducción bilingüe
Edición 8LP (juego CAJA de lujo tamaño LP)
Número de producto: SIJP1100-8 Precio: 44.000 yenes con impuestos incluidos (40.000 yenes sin impuestos)
Bono incluido: Recuerdos de la primera visita a Japón
(entradas, folletos de la gira, carteles, folletos, etc.) /
Folleto en color lleno de fotografías inéditas (60 páginas) /
Folleto en versión japonesa con traducción completa al inglés, comentarios recién escritos, letras y traducción bilingüe
[Lanzamiento simultáneo]
«Another Budokan» contiene sólo canciones inéditas que no se incluyeron en el «Budokan» original de 1978 .
Bob Dylan “Otro Budokan”
BOB DYLAN
OTRO BUDOKAN 1978
Publicado el 15 de noviembre de 2023
Edición 2LP (sobrecubierta)
Número de producto: SIJP1109-10 / Precio: 6380 yenes con impuestos incluidos (5800 yenes sin impuestos)
La actuación de Bob Dylan en el Budokan de 1978, ¡2 días de cintas múltiples descubiertas!
¡Se ha realizado una grabación completa de aproximadamente 270 minutos de dos actuaciones el 28 de febrero de 1978 y el 1 de marzo de 1978 ! !
Grabado en Japón, masterizado y con arte, una nueva obra de Bob Dylan, premio Nobel de literatura y uno de los artistas más importantes del mundo del rock, todo producido por manos japonesas .
¡Un lanzamiento mundial innovador aprobado por Dylan! ¡Por fin ha llegado el momento de que este gran proyecto sin precedentes planeado en Japón, el proyecto de mayor reproducción en la historia de la música occidental japonesa, extienda sus alas por todo el mundo!
~El largo camino para realizar el “Budokan Completo”~
★La primera actuación de Bob Dylan en Japón en 1978 (Show 53) fue lanzada oficialmente en todo el mundo como un álbum en vivo de dos discos llamado «Budokan».
★En 2007, descubrí la multicinta analógica original de 24 canales grabada durante dos días, el 28 de febrero y el 1 de marzo de 1978.
★Después de eso, intentamos publicarlo muchas veces, pero fue rechazado una y otra vez… Después de unos 15 años, fue aprobado por la gerencia en 2022.
★La fecha de lanzamiento del «Budokan» original fue el 21 de noviembre de 1978 y finalmente se lanzará el 15 de noviembre de 2023, ¡casi 45 años desde entonces!
★La obra de Bob Dylan, premio Nobel de Literatura y uno de los artistas más importantes del mundo del rock, se materializa en un proyecto exclusivamente japonés liderado por Japón.
★Este es un proyecto que ha estado en marcha durante 15 años y creo que será el mejor proyecto de reedición en la historia de la música occidental japonesa.
★ También se decidió el lanzamiento mundial (lanzado el 17 de noviembre) (Actualmente, la CAJA de 4CD se exporta desde Japón. El 2LP se imprime en el extranjero. El 8LP solo está disponible en Japón)
– Supervisión general de Kanno Haeckel, que planeó el Budokan en 1978, reuniendo a ingenieros y diseñadores de la época.
●La edición de 4CD y 8LP incluye un total de 58 pistas, incluidas 36 pistas inéditas grabadas en Budokan en 1978.
-La fuente de sonido maestra de este proyecto es una multicinta de 24 canales de 1978 que ha sido remezclada en 2023.
– La caja posterior de tres lados tamaño LP almacena ① disco, ② folleto en color, ③ recuerdos y ④ manual en versión japonesa
●El folleto en color incluido en la edición de 4CD y 8LP contiene valiosas fotografías y materiales de artistas inéditos.
-Los recuerdos incluidos en la edición 4CD y 8LP almacenan recuerdos relacionados con su primera visita a Japón en 1978.
●8LP está alojado en una funda que utiliza fotografías inéditas para cada disco y se produce con una superficie de etiqueta diseñada.
-Con explicaciones detalladas de Kanno Haeckel, Edna Gundersen, Tetsuya Shiraki, Yasufumi Tentatsu, Eiji Ogura, etc.
Reunámonos nuevamente y creemos un proyecto especial para celebrar el 45 aniversario de nuestra primera visita a Japón.
Después de 15 años desde el milagroso descubrimiento, ¡por fin se ha comercializado!
El personal de 1978 se reunió para RE-CREATE, el mayor proyecto de reimpresión en la historia de la música occidental japonesa, creado íntegramente por manos japonesas.
UN PROYECTO ESPECIAL QUE CELEBRA EL 45º ANIVERSARIO DE LA PRIMERA VISITA DE JAPÓN A JAPÓN Y QUE PRESENTA EL PATRIMONIO MUSICAL DE TALLA MUNDIAL DE JAPÓN.
La primera actuación de Bob Dylan en Japón tuvo lugar de febrero a marzo de 1978, y el álbum lanzado en noviembre con el título «Budokan» fue lanzado oficialmente más tarde en todo el mundo.
Se grabó durante dos días, el 28 de febrero y el 1 de marzo, pero la cinta maestra fue descubierta en 2007. Después de un largo período de negociaciones para el lanzamiento, las personas involucradas en ese momento se reunieron 45 años después de la primera visita del álbum a Japón.
El Sr. Haeckel Kanno, quien planeó «Budokan» en 1978, fue designado supervisor general, y el ingeniero que grabó en ese momento (el Sr. Tomoo Suzuki) hizo el REMIX 2023 a partir de una cinta múltiple de 24 canales, y también se creó la obra de arte.
Por el mismo diseñador en ese momento (Sr. Teruhisa Tajima), la comercialización de «Complete Budokan» finalmente se ha realizado como un proyecto liderado por japoneses y exclusivo de Japón. Una colección completa de dos días de grabaciones en vivo con 36 temas en 4 CD y 8 LP inéditos. Recuerdos como entradas para la primera actuación en Japón, folletos, carteles, volantes, etc. Un folleto en color de 60 páginas que contiene fotografías en vivo, tomas secundarias, transatlánticos, etc. de aeropuertos, conferencias de prensa y actuaciones en Japón. Un folleto en versión japonesa que contiene explicaciones, testimonios e historias secretas de los involucrados, así como letras y traducciones. Se lanzará como una edición de producción limitada con una lujosa especificación que los alberga en una caja de tamaño LP.
“Another Budokan” es un proyecto derivado de «Complete Budokan», que se lanzó al mismo tiempo, y es un conjunto de 2 LP que recopila interpretaciones inéditas que no se incluyeron en el álbum de 1978 «Budokan » LP1 está grabado por fecha, 28 de febrero de 1978, LP2 es 1 de marzo de 1978, y contiene 11 canciones inéditas y 5 versiones inéditas reproducidas en una fecha diferente a la fecha de grabación original. Las 16 canciones se lanzarán por primera vez en el mundo y serán ediciones de producción completamente limitada. De la cantidad de canciones seleccionadas con un concepto diferente al «Budokan» original, es «otro Budokan» el que una vez más transmite la satisfactoria actuación de Bob Dylan en esta presentación en vivo.
También se ha decidido lanzar en todo el mundo este proyecto de reimpresión poco común en la historia de la música occidental japonesa.
●Supervisión general: Sr. Haeckel Kanno, quien planeó el álbum en vivo “Budokan” de 1978.
«Este es el sonido que Bob quería que sus fans japoneses escucharan en el escenario ese día».
●Mezcla… 2023 REMIX de una cinta múltiple analógica de 24 canales de Tomoo Suzuki, quien grabó y mezcló en el sitio en 1978.
«Para crear una mezcla que estuviera en línea con el «calor», creamos una mezcla con un tono más agudo en el que cada instrumento y la voz de Bob Dylan se podían escuchar más claramente que la mezcla original lanzada en 1978. »
●Diseñador: El Sr. Teruhisa Tajima, quien diseñó la obra de arte de «Budokan» en 1978, asumirá la nueva dirección artística.
«Bob Dylan parado entre las flores de cerezo por la noche y una caja como una caja de laca. Un collage de grabados ukiyo-e de Hokusai, Hiroshige, Jakuchu, etc. y cosas japonesas antiguas se encuentran dispersos en varias partes, y la cultura del diseño de la antigua Japón y Bob Dylan. Busqué un punto de fusión entre las obras”.
●Productor: Sr. Tetsuya Shiraki (Sony Music Labels), quien organizó este proyecto del 45 aniversario.
«Debe haber algo de música en algún lugar que no se incluyó en el álbum de 1978. Mi interés como fan fue el comienzo de este proyecto».
●Un juego de 4 discos CD y un juego de 8 discos LP, completo con grabaciones en vivo del 28 de febrero de 1978 y el 1 de marzo de 1978. ¡Contiene 58 pistas, incluidas 36 pistas inéditas!
Folleto en versión japonesa.
¡Un folleto extremadamente completo que contiene valiosos testimonios e historias secretas de los involucrados!
Explicación
«Bob está aquí ese día».
— Kanno Haeckel (Planificación y producción de «Budokan»/Productor de «Complete Budokan»)
«El Budokan completo 1978»
— Edna Gundersen (crítica musical estadounidense)
«El camino hacia el Budokan completo»
— Tetsuya Shiraki (Productor completo de Budokan/Sony Music Labels/Bob Dylan)
«Budokan completo: comentarios de todas las canciones»
— Yasufumi Tentatsu (crítico musical)
testimonio
«Bob, Hank y yo».
–Hiroshi Kanai (Jefe de crédito del departamento de música occidental de CBS Sony en ese momento. Negoció el lanzamiento de «Budokan»)
«Mezclar según el calor».
–Tomoo Suzuki (a cargo de la grabación y mezcla en ese momento/a cargo del remix de «Complete Budokan» 2023)
«Acerca de este maestro».
— Akihito Yoshikawa (Studio Dede) (a cargo de la remasterización de “Complete Budokan” 2023)
«¿Qué opinas? ¿Qué opinas de los ritmos sonoros del LP?»
— Katsutoshi Kitamura (Mixer’s Lab) (Encargado del corte de vinilo de «Complete Budokan»)
«Buscar obras de arte que unan la antigua cultura del diseño japonés y el trabajo de Bob Dylan».
— Teruhisa Tajima (G’s Days) (A cargo del arte y el diseño en ese momento/director de arte de «Complete Budokan»)
“En el espacio y ubicación especiales del Budokan.”
— Tatsuo Takahashi (Oficina de Música de Udo/Gerente de Gira en ese momento)
reminiscencia
«Registro de todos los conciertos de Dylan»
— Age Ogura (crítico musical/informe detallado sobre la gira por Japón de 1978)
«Diario de la visita de Bob Dylan a Japón»
— Kanno Haeckel (a cargo de Bob Dylan, CBS/Sony en 1978)
Letras/traducción hablada
— Goro Nakagawa (cantautor)
Folleto de 60 páginas a todo color.
¡Lleno de fotografías inéditas tomadas por Taisuke Katsuyama, Joel Bernstein e Hiroshi Hasebe que lo acompañaron en la gira por Japón de 1978! Fotografías documentales de la primera visita de Bob Dylan a Japón en el aeropuerto, conferencia de prensa, presentaciones en vivo en Osaka y Tokio, tomas secundarias en Kioto y otras fotografías valiosas, así como información de la época relacionada con las giras, revistas, anuncios y discos. de varios países y cintas maestras descubiertas, transatlánticos en inglés, etc. (almacenados en cajas de 4 CD y 8 LP)
Recuerdos: ¡Llenos de beneficios!
①Póster de la primera gira de espectáculos por Japón de 1978
② Folleto de la primera gira de espectáculos por Japón de 1978
③Entradas para la primera actuación en Japón en 1978 28/02/3/1
④1978 Primer folleto de la gira de espectáculos por Japón
⑤ Póster adjunto del LP “Budokan” lanzado en 1978
⑥Folleto de la campaña de Japón
Contenido del 4CD “Budokan completo”
-La fuente sonora es una grabación completa de las actuaciones del 28 de febrero de 1978 y el 1 de marzo de 1978, desde la aparición hasta el bis, en 4 CD (el LP tuvo que desaparecer al final de cada cara, pero el CD tiene todo conectado) .Total 58 pistas, aproximadamente 270 minutos)
●Caja especial (lujoso procesamiento de PP/procesamiento de seda UV: las secciones de título y pista se elevan al tacto) almacena los siguientes elementos
●Carcasa de tapa dura de doble extensión para guardar 4CD (solo para 4CD)
●Etiqueta personalizada (sólo 4CD)
●60 páginas, folleto a todo color.
*Fuera de rodaje en Kioto
●Bonificación de recuerdos (con estuche de almacenamiento especial) Haga clic aquí para obtener detalles sobre la bonificación ▶
● Folleto en versión japonesa.
<Lanzamiento mundial: las piezas extranjeras se exportan desde Japón>
Songs from the 4CD edition «Complete Budokan»
Live at Nippon Budokan Hall, Tokyo, Japan – February 28, 1978
CD1
01. Heavy rain falls *
02.Recovery Blues*
03. Mr. Tambourine *
04.I overcame everything *
05. A place to hide from the storm
06.Love minus zero
07.Girl from the North Country *
08. Skinny ballad *
09.Maggie’s Farm *
10. To Ramona *
11. Like a rolling stone *
12. I will be released *
13. Is your love in vain? *
14.Going, going, gone *
CD2
01.Sooner or later *
02.Blown by the wind*
03.Like a woman *
04. Oh, sister *
05. A twist of fate
06.You are a big problem*
07. From the watchtower *
08.I love you *
09.Everything I really want *
10. Tomorrow is very far away *
11. Don’t stop at it
12.Band introduction *
13. It’s okay mom
14.Always young
15. Times are changing
Live at Nippon Budokan Hall, Tokyo, Japan – March 1, 1978
CD3
01. Heavy rain falls *
02. Love her with a feeling *
03. Mr. Tambourine
04.I overcame everything *
05.Love Minus Zero *
06. A place to hide from the storm *
07.Girl from the North Country *
08. Thin ballad
09.Maggie’s Farm
10. Another cup of coffee
11. Like a rolling stone
12. I will be released
13. Is your love in vain?
14. Go, go, go
CD4
01.Sooner or later *
02.Blown by the wind
03.Like a woman
04. Oh, sister
05.I don’t believe you *
06.You are a big problem*
07. From the watchtower
08.I love you
09. Everything I really want
10. Door to heaven
11. The man in me *
12.Band introduction *
13. It’s okay mom *
14.Forever young*
15. Times are changing
* =Unreleased songs/unreleased takes
Contenido 8LP “Budokan completo”
-La fuente de sonido es una grabación completa de las actuaciones del 28 de febrero de 1978 y el 1 de marzo de 1978 desde la aparición hasta el bis en 8 LP (de 17 a 19 minutos por cara, considerando la calidad del sonido, en total 58 canciones, aproximadamente 270 minutos)
●Caja especial (lujoso procesamiento de PP/procesamiento de seda UV: las secciones de título y pista se elevan al tacto) almacena los siguientes elementos
●8 LP se almacenan en 8 sobrecubiertas individuales (tipo E) (La Tabla 1 es una foto inédita, la Tabla 4 está diseñada con un solo trazo de Hokusai = vinculado a la superficie de la etiqueta)
●8 LP se almacenan en 8 sobrecubiertas individuales (tipo E) (La Tabla 1 es una foto inédita, la Tabla 4 está diseñada con un solo trazo de Hokusai = vinculado a la superficie de la etiqueta)
●Etiqueta personalizada (8 tipos de diseños vinculados a los 4 diseños de la chaqueta)
●Funda interior especial (bolsa interior) azul
●60 páginas, folleto a todo color.
*Esta es una foto del Sr. Kanno Haeckel conociendo a Bob Dylan en 1978 cuando voló a Los Ángeles para obtener permiso para el sonido y el arte de Budokan. La chaqueta del «Budokan» también se muestra a continuación
(una valiosa foto recientemente descubierta).
songs from the 8LP «Complete Budokan» edition
Live at Nippon Budokan Hall, Tokyo, Japan – February 28, 1978
LP1
side by side
1.It is raining a lot *
2. Recovery Blues*
3. Mr. Tambourine *
4. I overcame everything *
B side
1. A place to hide from the storm
2. Love minus zero
3.North Country Girl*
4.The ballad of the thin one *
LP2
side by side
1.Maggie’s Farm *
2. To Ramona *
3. Like a rolling stone *
B side
1. I will be released *
2. Is your love in vain?*
3.Go Go Go *
LP3
side by side
1.Sooner or later *
2.Blown by wind*
3.Like a woman *
4. Oh, sister *
B side
1. A twist of fate
2. You’re a big deal*
3. All the way from the watchtower *
4.I love you *
LP4
side by side
1. Everything I really want *
2. Tomorrow is very far away *
3. Don’t dwell on it.
4 band introduction*
B side
1. It’s okay mom
2. Stay young forever
3. Times are changing
Live at Nippon Budokan Hall, Tokyo, Japan – March 1, 1978
LP5
side by side
1.It is raining a lot *
2. Love her with a feeling *
3. Mr. Tambourine
4. I overcame everything *
B side
1.Love minus zero *
2. A place to hide from the storm *
3.North Country Girl*
4. Ballad of a skinny man
LP6
side by side
1.Maggie’s Farm
2. Another cup of coffee
3. Like a rolling stone
B side
1. I will be released
2. Is your love in vain?
3. Go, go, go
LP7
side by side
1.Sooner or later *
2.Blown by the wind
3.Like a woman
4. Oh, sister
B side
1. I don’t believe you *
2. You’re a big deal*
3. From the watchtower
4.I love you
LP8
side by side
1. Everything I really want
2. Door to heaven
3.The man in me *
4.Band introduction *
B side
1. It’s okay mom *
2.Always young *
3. Times are changing*
* =Unreleased songs/unreleased takes
Contenido del 2LP “Otro Budokan”
-La fuente de sonido son canciones inéditas que no se incluyeron en el «Budokan» original de las presentaciones del 28 de febrero de 1978 y el 1 de marzo de 1978, y las tomas inéditas están incluidas en 2 LP (el LP 1 incluye las presentaciones del 28 de febrero de 1978). ), LP2 utiliza la fuente de sonido del 1 de marzo)
– Contiene 11 canciones que no fueron incluidas en el «Budokan» original + 5 canciones representativas en versiones inéditas (diferentes días al día en que fueron grabadas en el original) (17 minutos a 19 minutos por cara, considerando la calidad del sonido, total 16 canciones ) canción)
●Chaqueta plegable (chaqueta plegable)
●Procesamiento de PP de lujo/seda UV (los títulos y las canciones destacan al tacto)
●Etiqueta personalizada (4 tipos de diseños a todo color exclusivamente para 2LP)
●Funda interior especial (bolsa interior) roja
● Folleto 4P extendido a todo color (foto en vivo exclusiva 2LP + forro en inglés)
Notas con comentarios, letras y traducción
: Kanno Haeckel/Edna Gundersen/Tetsuya Shiraki
Comentario de la pista 2LP: Yasufumi Tentatsu
<Lanzamiento mundial: para piezas extranjeras, las piezas se suministran desde Japón y se prensan en el extranjero>
Songs from the 2LP edition «Another Budokan»
Live at Nippon Budokan Hall, Tokyo, Japan
– February 28, 1978
LP1
Cara A
1.It rains a lot
2. Recovery Depression
3. Ballad of a skinny man
4. To Ramona
Cara B
1. Like a rolling stone
2.Blown by the wind
3. From the watchtower
4.Tomorrow is very far away
Live at Nippon Budokan Hall, Tokyo, Japan
– March 1, 1978
LP1
Cara A
1. Love her with a feeling
2. I overcame everything
3. North Country Girl
4. Sooner or later
Cara B
1. I don’t believe you
2. You are a big deal
3. The man in me
4. Stay young forever
SOBRE EL PROCESO TÉCNICO
¡Se ha creado un máster de la más alta calidad con gran cuidado y atención al detalle!
Remezclado y remasterizado utilizando la última tecnología de cintas múltiples analógicas de 24 canales de hace 45 años. Lo analógico está cortado del máster puro de la más alta resolución. ¡La frescura de las voces y las actuaciones! ¡Se siente como si estuvieras cantando allí mismo!
[ACERCA DE ESTE MÁSTER]
Después de importarlo digitalmente desde una multicinta analógica de 2 pulgadas usando multipista, Tomoo Suzuki instaló una consola analógica y lo localizó. En el momento del trackdown, llevamos el equipo de masterización al estudio de trackdown y lo importamos directamente desde la salida de la consola en formato DSD11.2. Esta capacidad de 11,2 Mhz es 256 veces mayor que la de un CD y 4 veces mayor que la de un SACD, lo que lo convierte en el formato de mayor tamaño imaginable a partir de 2023 en términos de resolución.
Este maestro analógico está cortado directamente de ese 11,2M, por lo que es una rutina que no se podía realizar en el pasado y la calidad es incomparable con lo que estaba a la venta.
“Abendrot The Everest 701” se utiliza como reloj maestro desde la masterización hasta el corte. Esto también era algo que no se podría haber logrado hace 10 años, y aunque han pasado muchos años desde que la tecnología digital se generalizó, hemos logrado el mejor dominio posible utilizando el mejor enfoque que sólo se puede lograr con la tecnología actual.
«Esta es una grabación completa de los dos días de la gira histórica, y no se ha eliminado ni tocado nada. El álbum completo registra el legendario concierto del Budokan que ha quedado grabado en la historia con un gran sonido. Intentamos reproducir fielmente el sonido que Los fans japoneses lo habrían escuchado en el lugar ese día.»
Sugano Haeckel
«Mezclamos con la palabra clave ‘pasión’ en mente. El resultado fue una mezcla que superó la versión original de 1978, con cada instrumento y la voz de Bob Dylan claramente audibles, más nítidos y claros. Ahora podemos ofrecer sonido».
Tomoo Suzuki
● REMIX 2023: Tomoo Suzuki
●2023 REMASTER: Akihito Yoshikawa (Studio Dede)
●CORTE: Katsutoshi Kitamura (LABORATORIO DEL MEZCLADOR)
SOBRE EL ARTE
Obras de arte que tejen pasado y futuro
Una fusión de Japón y Occidente. Flores de cerezo, trazos de un solo trazo de Hokusai, ukiyo-e… sensibilidades japonesas, ilustraciones modernas y collages: una identidad japonesa única y sin precedentes que mezcla el período Edo de Japón, el Budokan de hace 45 años y las técnicas artísticas actuales. Se ha completado la obra de arte que encarna esto. La portada presenta flores de cerezo. Nuestro deseo es albergar la memorable primera actuación de Bob Dylan en Japón en cuencos, pesas y utensilios de té tradicionales japoneses lacados que aprovechen su brillo brillante. Una lujosa caja que contenga.
Los folletos y etiquetas son un collage de varios artistas de Ukiyo-e del período Edo, desde Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige, Ito Jakuchu, hasta artistas desconocidos (se incluyen las imágenes de famosos Ukiyo-e que todos conocen). utilizó materiales que no se habían utilizado mucho antes, como los trazos de un solo trazo de Hokusai y pinturas naturales de pájaros, peces, árboles, etc.) Los gráficos creados para la portada del folleto y el interior de la cubierta del 2LP son un collage de más de 20 pinturas de artistas del período Edo sobre el fondo de Dylan caminando por Kioto en 1978, que representa golondrinas volando y el océano. Peces voladores de colores brillantes saltan y un Shinkansen de los años 70 corre hacia Kioto frente al Fuji Rojo… Un rollo de imágenes que combina el paisaje del período Edo hace 300 años con la imagen de Bob Dylan en Japón en 1978. . Se ha convertido en un nuevo tipo de arte de collage que utiliza técnicas de grabado tradicionales y al mismo tiempo hace pleno uso de la tecnología digital que no estaba disponible en el pasado. Teruhisa Tajima, quien diseñó el «Budokan» en 1978 y fue director de arte del «Complete Budokan» de este año, dice:
«La toma que fue seleccionada como candidata para la portada entre muchas fotos fue una en la que el traje blanco de Dylan estaba iluminado con una fuerte iluminación magenta, haciéndolo parecer rosado. El fondo era negro azabache. El color rosa fue atenuado un poco. . Cuando lo miré, me recordó el color de las flores de cerezo. Así que trabajé en el primer diseño, imaginando a Bob Dylan parado entre las flores de cerezo por la noche, pero el resultado fue sorprendentemente similar al maki-e japonés… «Traté de no enfatizar demasiado a Japón. Evité los materiales famosos de Ukiyo-e y elegí aquellos que encajaran bien con esta época. Y, sobre todo, quería poder responder a la presencia de Bob Dylan. Todo lo que puedo Lo que pienso como diseño es la naturaleza que ha tenido Japón desde la antigüedad y mi propia dirección de arte basada en creaciones históricas. Para decirlo de manera exagerada, se basa en la antigua cultura del diseño de Japón y las obras de Bob Dylan. .«The Complete Budokan 1978» es el resultado de mi búsqueda de la fusión de la sexualidad.» (Extracto del folleto japonés)
●Diseño de arte: Teruhisa Tajima
Director de arte, diseñador gráfico, fotógrafo, presidente de THESEDAYS. Trabaja como fotógrafo y director de arte para muchos músicos, incluidos Shogo Hamada y Yutaka Ozaki. Tiene muchos diseños relacionados con la animación, incluidos «Ghost in the Shell» y «Mobile Police Patlabor», y ha estado involucrado en el proyecto desde sus inicios. Sus publicaciones incluyen libros de fotografías CG, libros de fotografías analógicas, libros de diseño y novelas.
PERFIL
Soplando en el viento, como una piedra rodante durante aproximadamente medio siglo… Bob, el artista más importante del mundo del rock, creó y transformó la era del rock, continúa influyendo en las vidas de varias personas y continúa evolucionando.・Dylan. Nacido el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota. Actualmente tiene 82 años. Nombre real: Robert Allen Zimmerman. Debutó en 1962 con el álbum «Bob Dylan». Al año siguiente, lanzó «Freewheelin’ Bob Dylan», que incluía la histórica canción de protesta «Blowin’ in the Wind». Posteriormente, su cambio del folk al rock fue controvertido y lanzaron obras maestras históricas que representan la década de 1960, como «Bringing It All Back Home», «Highway 61» y «Blonde on Blonde». Ha sido incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, ganó un premio Grammy, un Globo de Oro, un Premio de la Academia (Mejor Canción Original) y muchos otros premios.
Las ventas totales de álbumes en todo el mundo superan los 125 millones de copias, 39 obras originales, más de 60 títulos que incluyen presentaciones en vivo y compilaciones, más de 600 canciones escritas por él mismo y más de 2000 presentaciones en vivo en todo el mundo. Es el único artista que ha estado constantemente activo en el vanguardia durante más de medio siglo.
Ha ganado 11 premios Grammy (incluido el premio Grammy Lifetime Achievement Award en 1991), fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1982 y en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. «Like a Rolling Stone» fue seleccionado por la revista ROLLING STONE como el mejor sencillo de la historia del rock. En abril de 2008, se convirtió en la primera persona en el mundo de la música en ganar el Premio Pulitzer (premio especial). Recibió la Orden de las Artes y las Letras de Francia en 1990 y el Premio de Música Polar de Suecia en 2000, y posee doctorados de varias universidades, entre ellas la Universidad de St. Andrews (Escocia) y la Universidad de Princeton (Nueva Jersey, EE.UU.). premios como. En 2012, el presidente Obama le otorgó la Medalla Presidencial de la Libertad, el máximo galardón civil. Ganador del Premio Nobel de Literatura en 2016.
Nuevamente Paco Perales nos presenta un nuevo «unboxing» y su crítica particular. MOONAGE DAYDREAM: el sonido y la visión del gran DAVID BOWIE.
El nuevo documental de Brett Morgen sobre el cantante utiliza material de archivo, no bustos parlantes. Pero la película es más una sesión de espiritismo que una biografía.
La forma habitual de hacer un documental sobre un músico popular famoso que ya no vive es entretejiendo entrevistas con la “cabeza parlante” (con colegas, periodistas y celebridades al azar que no tienen nada mejor que hacer), alrededor de videoclips de la estrella sobre el escenario y en el estudio.
La historia tiende a seguir un guión estándar: luchas tempranas seguidas de triunfo, desastre y redención. Películas como ésta obstruyen las plataformas de transmisión, atendiendo a fanáticos entusiastas y padres nostálgicos.
La nueva película de Brett Morgen sobre David Bowie es algo diferente. Titulado «MOONAGE DAYDREAM» después de un corte semiprofundo de «The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars» de Bowie, y que se muestra en IMAX y en otros formatos, es menos una biografía que una sesión de espiritismo. En lugar de recorrer la cronología de la vida y la carrera de Bowie, Morgen evoca la presencia del cantante a través de un ingenioso collage de imágenes de conciertos y otro material de archivo, incluidos largometrajes y videos musicales. Hay muchas canciones geniales, y gracias a la hábil edición de Morgen, el mismo Bowie parece proporcionar a la narración un efecto fantasmal (murió en 2016), y que resuena con algunas de sus ideas sobre el tiempo, la conciencia y el universo. Él no es tanto el tema de la película como lo es su espíritu animador.
«¿Importa?… ¿Me molesto?” pregunta al principio, reflexionando sobre la fugacidad de la existencia. Para cualquiera que haya crecido siguiendo las iteraciones de su personalidad y la evolución de su música, la respuesta, al menos en lo que se refiere a la película, es rotundamente “SÍ”.
Morgen, que ha realizado documentales sobre los diez de Chicago, Kurt Cobain, Jane Goodall y el productor de Hollywood Robert Evans, subordina los hechos secos de la historia a los misterios de la personalidad. “MOONAGE DAYDREAM” está centrada en ver cómo se sentía “ser” David Bowie y también, como corolario, cómo se sentía especialmente en las décadas de 1970 y 1980, “estar interesado en él”, en su contexto y evaluación, las fuentes e influencias de su música; su relación con lo que estaba sucediendo en el mundo más amplio, se dejan al espectador para proporcionar o inferir. El trabajo y la presencia del artista son pues primordiales.
En su mayor parte, este enfoque funciona. Aunque Morgen dobla y tuerce la línea del tiempo cuando le conviene, traza un arco desde principios de los 70 hasta los 90, comenzando en los años de Ziggy Stardust y sumergiendo a la audiencia en el carisma de otro mundo de Bowie en ese momento. Su cabello anaranjado brillante, su sentido de la moda increíblemente inventivo, su franca bisexualidad y su dominio casi casual de los lenguajes musicales divergentes lo convirtieron en un rompecabezas irresistible para los medios y un ídolo para los jóvenes inquietos y curiosos.
Apareciendo en el escenario con vestidos, trajes fluidos y equipo espacial brillante, deshizo las convenciones de género con despreocupada facilidad. Cambió su aspecto y su sonido de un álbum a otro, lo que llevó a los críticos a cuestionar su autenticidad, y a los entrevistadores a preguntarse sobre su verdadero yo.
Ese misterio parece más fácil de resolver ahora que en aquel entonces, y «MOONAGE DAYDREAM» explica parte del proceso de Bowie y mucho de su pensamiento. El efecto combinado de la “voz en off” en tiempo presente y las entrevistas anteriores enfatizan la cordura esencial de Bowie. Quizás más que la mayoría de sus compañeros, parece haber abordado incluso los excesos y las transgresiones con cierto desapego intelectual, adoptando una perspectiva apolínea en una forma esencialmente dionisíaca.
Su infancia de posguerra se trata rápidamente. Señala la frialdad del matrimonio de sus padres y la influencia de su medio hermano mayor, Terry Burns, quien introdujo al joven David en el jazz, la literatura “fuera de la ley” y el arte moderno. Sin embargo, «MOONAGE DAYDREAM» se aleja de la vida personal de Bowie, eliminando el sexo y las drogas de su versión de rock ‘n’ roll.
Su primer matrimonio, con Angie Barnett, no se menciona en absoluto. Su segundo, con Iman, marca una transición de la soledad inquieta a la mediana edad satisfecha. El énfasis, tanto en la narración como en las imágenes, está en la obra de Bowie. Sus explicaciones de los cambios de estilo y género son esclarecedoras e ilustradas por astutas selecciones musicales. No escuchas todos los éxitos obvios: ¿dónde estaba «Young Americans»? – pero obtienes una idea de su rango e inventiva, y una muestra de algunas canciones menos recordadas. Uno se alegra recordar el himno «Rock ‘n’ Roll With Me».
Al ver a Bowie moverse a través de las fases de su carrera, desde la vanguardia hasta el pop sin disculpas, está claro, al menos en retrospectiva, que su vida creativa fue una serie de experimentos en una impresionante variedad de medios. Morgen dedica algún tiempo a la pintura y la escultura de Bowie, y a su actuación, en películas como «El hombre que cayó a la tierra» y «Feliz Navidad, Sr. Lawrence» y en una producción de Broadway de «El hombre elefante».
Bowie era un actor bastante bueno y también (esto se muestra más que se dice) un bailarín excepcionalmente bueno. Su devoción por su trabajo y el placer que sentía por él son los temas de “MOONAGE DAYDREAM”. Es un retrato del artista que lo muestra como un hombre reflexivo y afortunado. Y quizás sorprendentemente, dada la mitología que rodea a tantos de sus contemporáneos, un hombre feliz.
La banda sonora de MOONAGE DAYDREAM de David Bowie pasa de lo sublime a lo ridículamente sublime.
HABLEMOS AHORA DE LOS TESOROS SONOROS Y VISUALES DE LA BANDA SONORA “MOONAGE DAYDREAM”: LA MÚSICA DE LA PELÍCULA.
Si es axiomático que las grandes carreras artísticas se construyen en forma de crescendo, entonces este DOBLE CD, la banda sonora oficial del documental de Brett Morgen sobre la odisea musical de David Bowie, cumple con ese criterio. El trabajo de Morgen en “Crossfire Hurricane”, para los Rolling Stones, y Kurt Cobain: “Montage Of Heck”, persuadió a los herederos de Bowie para que le dieran carta blanca sobre más de cincuenta años de material, utilizando mejoras sónicas, mezclas que van de lo sublime a lo ridículamente sublime, y una especie de narrativa de palabra hablada que enhebra el significado del tiempo, la muerte y la fe.
Desde el momento en que la pregunta filosóficamente enmarcada de Bowie “Todo es transitorio. ¿Importa? ¿Me molesto?” comienza el viaje, el oyente está obligado a buscar significado en cada letra, no más que durante una versión temprana de “Quicksand” de “Hunky Dory”, una canción que solía parecer juvenilmente morbosa pero que ahora tiene un gran orden lateral de entropía en la línea «No soy un profeta ni un hombre de la edad de piedra. Solo un mortal con potencial para ser un superhombre”.
Aquí es donde “el hombre que vendió el mundo” tiene que cobrar sus deudas. Y para aquellos que han seguido, hay mucho que perseguir, ya sea el hippie que cuestiona en “Wild Eyed Boy from Freecloud” y “Cygnet Committee”, o el vanguardista futurista que elevó su juego en “Warszawa”, “V-2 Schneider” y el beatífico japonés inspirado “Moss Garden”.
Los fanáticos de Bowie de todas las edades se encontrarán ocupados. Los elegidos que juraron lealtad a la era Ziggy, una vez caracterizada por el fotógrafo Mick Rock como «sangre y brillo», pueden volver a desmayarse en el concierto del Hammersmith Odeon en 1973, cuando Bowie se suicidó con el rock and roll, mientras los Spiders From Mars enloquecían en el lejano Moonage Daydream antes de que Jeff Beck se enfrentara a Mick Ronson y compañía en el bis de “Jean Genie/Love Me Do”, que resultó ser una calma antes de la tormenta de “Aladdin Sane” y “Diamond Dogs”, cada vez más adictos a las drogas, donde Bowie canalizó su Lou Reed interior e hizo que pareciera un nihilismo total.
Algunos pueden sentir que la manipulación vocal en “Life On Mars” es innecesaria, ¿y dos versiones de “Hallo Spaceboy”? Termina con Bowie absteniéndose de Goodbye-ee de Peter Cook y Dudley Moore. Las estrellas se ven muy diferentes hoy.
«Todo es transitorio. ¿Debo preocuparme? ¿Importa?»
La banda sonora del aclamado documental de David Bowie, MOONAGE DAYDREAM, se acaba de lanzar también como TRIPLE VINILO de 180 gramos, 3 LPs, y yo tenía que hacerme con ella, sí o sí, en fastuosa triple carpeta gatefold con sensacional libreto, editada través de Parlophone Records el pasado 31 de marzo.
MOONAGE DAYDREAM ilumina la vida y el genio de David Bowie, uno de los artistas más prolíficos e influyentes de nuestro tiempo, porque está contada a través de imágenes, actuaciones y música sublimes, caleidoscópicas y nunca antes vistas, una odisea cinematográfica experimental de este largometraje de Brett Morgen, explorando el viaje creativo, musical y espiritual de David Bowie. De hecho, la película está guiada por la propia narración de David Bowie y es la PRIMERA PELICULA APROBADA oficialmente sobre el artista.
No puedo por menos que recomendaros, tanto en formato digital como en vinilo, el álbum de la banda sonora de MOONAGE DAYDREAM, ya que presenta canciones que abarcan la carrera de Bowie e incluye material nunca antes escuchado, mezclas únicas creadas para la película y para este lanzamiento, junto con diálogos del propio Bowie.
A mí me encanta el popurrí en vivo inédito de “The Jean Genie / Love Me Do” grabado en vivo en el concierto final de Ziggy Stardust en el inolvidable concierto del Hammersmith Odeon en 1973, con la participación del difunto Jeff Beck en la guitarra. O esas rarezas con la versión anterior de Quicksand, el favorito de Hunky Dory, y una versión en vivo inédita del “Rock ‘n’ Roll With Me” del legendario ‘Soul Tour’ de 1974.
Os presento a continuación el tracklist del triple álbum:
LP1
Side One
“Time… one of the most complex expressions…”
Ian Fish U.K. Heir (Moonage Daydream mix 1)
Hallo Spaceboy (remix Moonage Daydream edit)
Medley: Wild Eyed Boy From Freecloud
All The Young Dudes
Oh! You Pretty Things (live)
Life On Mars? (2016 mix – Moonage Daydream edit)
Moonage Daydream (live)
Side Two
Medley: The Jean Genie / Love Me Do / The Jean Genie (live) (featuring Jeff Beck)
The Light (excerpt) *
Warszawa (live Moonage Daydream edit)
Quicksand (2021 mix – early version)
Medley: Future Legend / Diamonds Dogs intro / Cracked Actor
LP2
Side One
Rock ‘n’ Roll With Me (live)
Aladdin Sane (Moonage Daydream edit)
Subterraneans
Space Oddity (Moonage Daydream mix)
V-2 Schneider
Side Two
Sound And Vision (Moonage Daydream mix)
A New Career In A New Town (Moonage Daydream mix)
Word On A Wing (Moonage Daydream excerpt)
“Heroes” (live Moonage Daydream edit)
D.J. (Moonage Daydream mix)
Ashes To Ashes (Moonage Daydream mix)
Move On (Moonage Daydream a cappella mix edit)
Moss Garden (Moonage Daydream edit)
LP3
Side One
Cygnet Committee/Lazarus (Moonage Daydream mix)
Memory Of A Free Festival (harmonium edit)
Modern Love (Moonage Daydream mix)
Let’s Dance (live Moonage Daydream edit)
The Mysteries (Moonage Daydream mix)
Rock ‘n’ Roll Suicide (live Moonage Daydream edit)
Ian Fish U.K. Heir (Moonage Daydream mix 2)
Side Two
Word On A Wing (Moonage Daydream mix)
Hallo Spaceboy (live Moonage Daydream mix)
I Have Not Been To Oxford Town (Moonage Daydream a cappella mix edit)
“Heroes”: IV. Sons Of The Silent Age (excerpt)
★ (Moonage Daydream mix edit)
Ian Fish U.K. Heir (Moonage Daydream mix excerpt)
Memory Of A Free Festival (Moonage Daydream mix edit)
Starman
“You’re aware of a deeper existence…”
Changes
“Let me tell you one thing…”
“Well you know what this has been an incredible pleasure…”
Escuchando Dire Straits LOG de la caja de vinilos remastered Studio Albums recién comprada y comparandolo con la edición española de la época.
Se oyen diferente. Parece un máster diferente o incluso una remezcla diferente!!! Los 2 tienen un sonido muy bueno aunque para mí el original me transmite más emoción, porque me lo sé casi de memoria y soy un poco alérgico a los cambios, debo reconocerlo.
En Telegraph Road que es un buen tema para comprobar la dinámica de la grabación se aprecian bien las diferencias.
Sobre la foto de la portada pues nos encontramos con una fotocopia de la original bastante regular. Impresa en cartón muy mate. Me quedo con la original de la época. Sólo se salva la funda interior que en la original española era de papelillo y en la nueva es cartón. Aunque obligado añadir una funda interior antiestática para conservar mejor el vinilo.
Sobre el prensaje me quedo con el original. Aunque no es de 180 gr (será de 150 gr que era el estándar entonces) resulta que como ruido de fondo y clics las dos copias están casi igual. Aún con 40 años casi de diferencia.
He visto alguna crítica por ahí que se quejan que siendo vinilos nuevos no deberían tener esos clics. Puede ser simplemente que le falta limpieza o eliminar la estática. El prensaje es correcto pero mejorable. Esto es muy importante en el mundo analógico. No es lo mismo prensar una galleta de vinilo con una matriz nueva que con una usada cientos de veces. Es un proceso realizado a altísimas temperaturas y la matriz se va degradando. Es como ese cuchillo nuevo que corta de manera hasta peligrosa comparado con el que tenemos todos con muchos años encima que corta fatal pero a prueba de accidentes.
Resumiendo, en el caso de LOG el sonido es muy bueno y comparable al original, aunque hay diferencias apreciables.
La funda muy mal. Da una desagradable sensación de fotocopia. Seguiremos comparando los diferentes álbumes.
Aquí un vídeo hecho por un ruso con la edición Mobile Fidelity Sound Lab – MFSL 2-469 Original Master Recording – , Gain 2™ Ultra Analog 45RPM 180g Series – 2 × Vinyl, 12″, 45 RPM, Album, Numbered, Reissue, Remastered, Special Edition, Gatefold 180g
Esta parece la edición definitiva, alto precio, transporte desde los USA caro pero debe ser la leche.
Alan Parsons made his initial mark in the music world by engineering or producing successful late 1960s and ‘70s releases by The Beatles, Pink Floyd, Paul McCartney & Wings, Al Stewart, Ambrosia and others.
After forming The Alan Parsons Project with Eric Woolfson and a releasing a run of bestselling albums, they emerged with the mesmerizing Eye in the Sky in 1982. It became the studio group’s highest charting work, while the lush title track reached #3 on the Billboard Hot 100.
Last December, a lavish four-disc box set was released to mark the 35th anniversary of Eye in the Sky. The exceptional collection includes bonus tracks, songwriting demos from Woolfson (who passed away in 2009), unreleased material, the 2007 original CD remaster, double gatefold LP half-speed mastered at 45 rpm, 5.1 Surround Sound and Stereo HD Eye mixes on Blu-ray, promo flexi-disc replica, poster, postcard and a 60-page hardback book with essays, rare photos, new musician interviews, credits and other interesting ephemera. All told, it’s a must-buy for dedicated fans.
“Sirius,” the instrumental opening track on Eye, has soundtracked the Chicago Bulls’ opening lineup introduction since the ‘90s and heard in conjunction with countless sporting events and programs. Other examples of The Alan Parsons Project’s enduring influence can be felt via sampling by Daft Punk, Jay-Z, Kendrick Lamar and P. Diddy. APP was mentioned in “Austin Powers: The Spy Who Shagged Me” and a cartoon version of Parsons will appear in an episode of “Family Guy” in 2019.
Now, a standalone Blu-ray audio version of Eye in the Sky is available from Real Gone Music. Parsons is currently working on his first new studio album in more than a decade – tentatively titled The Secret – slated for release next spring on Frontiers Records.
We caught up with the Grammy nominated Englishman for a quick chat from his organic avocado ranch home in Goleta, Calif. (near Santa Barbara), which contains the just-opened ParSonics Studio and a Neve Shelford 5088 analog console.
Rock Cellar: Was the new Blu-ray edition of Eye in the Sky always planned as a separate release, or did online fan demand provide an incentive?
Alan Parsons: I certainly had in mind for it to be a separate release. It did take a few conversations with the label to convince them that it was a good idea because there are a lot of surround sound enthusiasts out there that didn’t want to buy the full-blown box set. If they were adamant that they had to have it [right away], then they had to buy the box set. I think some people had a bit of patience and either borrowed a friend’s [copy] or waited until this Blu-ray release.
Rock Cellar: What kind of feedback have you received about the box set?
Alan Parsons: I’ve heard some very good reviews and some very bad reviews.
Rock Cellar: Bad ones? Really? I’m shocked.
Alan Parsons: Well, I am too. I think it was from people who didn’t know how to set up their stereo systems and stuff. I almost wish that I’d done a test section on the disc so that people could make sure that their speakers are in the right place. DTS, the company behind one of the surround sound encoding systems – they used to put a little test on the front of all their stuff. In hindsight, I wish I’d done the same.
Rock Cellar: What were some of the main challenges in creating the 5.1 surround sound mix? Was it locating all the original multi-track masters?
Alan Parsons: That was a challenge in itself. But we managed to lay our hands on everything that was necessary to perform the surround mix. The only one that I had a bit of trouble with was “You’re Gonna Get Your Fingers Burned.” I had to compromise slightly on that because one of the tapes was missing. We managed to make a good job of it. Nobody noticed that it was compromised in any way.
Rock Cellar: For the average music listener who’s not an audiophile, would you describe the difference between stereo to 5.1 as a dramatic sonic leap?
Alan Parsons: I’ve always maintained that it’s same dramatic leap that mono to stereo is. It’s really tough. If you’ve spent a day mixing in 5.1 and you have to go back to stereo, it’s quite an anti-climax. I’ve supported 5.1 surround for a number of years. I just wish it would take off in earnest. It just seems to generally be considered – wrongly in my opinion – a home theater format. Not enough people have accepted it as a music one.
Rock Cellar: Do you think people are too content listening to compressed downloads and inferior streaming on their devices instead of getting a full immersive musical experience?
Alan Parsons: Sadly, the average quality that the average consumer is hearing now is appalling. It really is. The nice thing about doing a surround mix is it means that you must have a proper home setup of some sort, presumably with speakers. There are headphone systems – even with a sheepish Costco system, it’s still a good experience. Of course, I didn’t conceive either Tales of Mystery and Imagination or Eye in the Sky as being surround sound releases at the time. So, it was a challenge to find new placements between the five speakers for content on the 24-track.
Rock Cellar: One element of the Blu-ray that I found impressive was the visuals. There are archival photos of you and Eric and changing graphics as each track progresses. They’re simple, but effective.
Alan Parsons: Yeah, I think the authors did a very nice job on that. I didn’t want it just to be a static image with no graphics at all.
Rock Cellar: Turning to the box set, it really gives fans the full picture of how Eye in the Sky came to fruition. When did the whole process of gathering everything start?
Alan Parsons: You got me there. Probably at least six months before. [Eric’s daughter] Sally Woolfson did all the work on unearthing those demos. I didn’t really have much to do with that because she had all the tapes at her place. She’s the one who went through them all and logged everything. Then had them transferred to hard discs so they could be compiled for the album.
Rock Cellar: Did you and Sally have all the old album review clips, record company memoranda and photos that are included in the box stored somewhere?
Alan Parsons: We both had stuff and there’s a collector in Atlanta, Kirk Keister. He’s been a memorabilia collector right from the beginning. He had a load of stuff.
Rock Cellar: In the process of gathering all the audio and visual material, were you surprised about anything you found?
Alan Parsons: Of course, the bonus tracks, rough mixes and so on were sort of long forgotten because they weren’t on the original release. Yeah, it was quite an ear-opener hearing those again.
Rock Cellar: While making the original Eye in the Sky album, you utilized a couple of instruments which were either new or relatively new at the time: the LinnDrum machine and the Fairlight CMI digital synthesizer, sampler and audio workstation. Were you the type of producer and musician who always wanted to use the latest technology?
Alan Parsons: I tried to. There’s an incredible amount of technology released every minute these days. We have plug-ins…if you’re a studio engineer, it’s kind of your job to keep up with new developments. There’s so much stuff out there now. It’s really hard to stay abreast of it all. I’m not really a computer guy. I’m an old school analog mixing kind of guy. I have an excellent [house] engineer, Noah Bruskin. He’s quite a guru on ProTools. He’s been a big asset to the new studio operation.
Rock Cellar: Listening to Eye in the Sky now, it doesn’t sound dated compared to other albums that came out at the same time in 1982.
Alan Parsons: I’m glad to hear you say that. P.J. Olsson, who is also the singer in my live band, was the computer engineer on both ‘Tales’ and ‘Eye in the Sky’ [reissues].
Rock Cellar: At the time of Eye in the Sky’s original release, The Alan Parsons Project had been on a hot streak after The Turn of a Friendly Card went top 10 in eight countries. Do you think it resonated so strongly because of that previous success?
Alan Parsons: It certainly helped. We had two hits on ‘Turn’ – “Time” and “Games People Play.” I think ‘Eye in the Sky’ was much anticipated and of course the title track was a pretty big hit.
Rock Cellar: If you were forced to choose your favorite Alan Parsons Project albums, would Eye in the Sky be among them?
Alan Parsons: Yes, for sure. But only when played with “Sirius” as its intro.
Rock Cellar: Are you amazed by how many licensing and sample inquiries you’ve had for that track?
Alan Parsons: It’s almost unbelievable. Literally one every couple of weeks comes in.
Rock Cellar: When exactly was your first gig with the Alan Parsons Live Project? I’ve seen different time frames.
Alan Parsons: 1994. That coincided with my first album without the word “project” in it – [1993’s] ‘Try Anything Once.’
Rock Cellar: After you’d finally played a series of shows, did you think, ‘I should’ve done this years ago?’
Alan Parsons: I did, actually. Eric Woolfson never really showed much interest in doing live shows. We did form the live band essentially to promote Try Anything Once. The vast majority of material that we played then, and we continue to play to this day, is Alan Parsons Project material.
Rock Cellar: Last year, you performed the entire I Robot album in concert overseas.
Alan Parsons: That’s right. It’s been going great. The 40th anniversary was a good excuse, I thought.
Rock Cellar: Any plans to do any of those full album shows here in the U.S.?
Alan Parsons:I Robot is still very much on the cards for our future shows this year. Probably by the time we get to next year, we’ll be replacing a lot of the stuff with material from the new album.
Rock Cellar: Is it true you have some top name guests on it?
Alan Parsons: If I told you who they were, it wouldn’t be a surprise.
Rock Cellar: Looking back on your early days as an asst. engineer at Abbey Road Studios in London while working on the final Beatles albums, did you learn anything from George Martin that you later applied to your own producing methods?
Alan Parsons: Just his mild manner and his ability to talk the same language as any musician, from classical to hard rock. He had this respect that people really enjoyed. I tried to be a similar character. To be someone who was always ready to listen to an idea and somebody who could equally inject ideas.
He was always a team player and that’s how I felt I was as well … and continue to be to this day.
JULIAN RUIZ ha tardado . Ha sopesado durante semanas una vez más entre calidad y popularidad y , por fín, ha alegido las 15 mejores canciones de los ROLLING STONES.
Estas son las quince mejores canciones:
Nº15.- ‘THE LAST TIME’ (SINGLE / 1965)
El sensacional “riff “de guitarra lo toca Jimmy Page. Se ha sabido con el tiempo. Grabado , naturalemnte, en el estudio milagro de RCA , en Los Angeles. Fue uno de los primeros temas mezclados realmente en estéreo. Ultimamente, Keith Richards ha confesado que el tema está basado en un tema gospel que interpretaban los Staple Singers. El tema se llamaba This may be the last time. Data del año 1955. La canción se hizo todavía más famosa , porque a Andrew Loog Oldham , productor de los Stones , se le ocurrió grabarla un par de años después, , en plan instrumental y con un arreglo orquestal . Ese arreglo orquestal lo utilizaron The Verve como “sampling” en su éxito Bitter sweet Symphony. Los Stones siguen cobrando de la canción.
Indiscutiblemente, la canción más política en toda la carrera de los Stones. En principio se iba a llamar “¿Realmente todo el mundo paga sus faltas?”. Mick Jagger había asistido a la marcha de protesta por la guerra de Vietnam frente a la embajada americana en Londres y se hizo fotos como “luchador de las calles”. Más intelectualmente, se dice que hablaba de los protestantes del Left Bank de París , el precursor del mayo del 68. La guitarra acústica de Richards , con esa maravillosa compresión , está pasada a través de una cassette , que acababan de salir. Brian Jones toca el sítar y la tamboura india. Y para hacerle aún más exótica , Dave Mason , de los Traffic, toca el shehnai.
Nº13.- ‘PAINT IT BLACK’ (SINGLE / 1966)
Mick Jagger escribió la letra y Keith Richards , la música. Aunque Bill Wyman ha reiterado en muchas ocasiones gran parte de la autoría de esta canción. Brian Jones tocó el “riff” de sitar y Jagger se empeña siempre en decir que la canción narra del funeral de una chica al que acudió. El truco de Bill Wyman de doblar su bajo, con los pedales del Hammond B3 fue definitiva para crear ese extraño clima “funky” de la canción. El gran Jack Niztche toca el piano.
Nº12.- ‘IT´S ONLY ROCK AND ROLL (BUT I LIKE IT)’ (“IT´S ONLY ROCK AND ROLL” / 1974)
Ronnie Wood también debería firmar esta canción , porque ayudó muchísimo en crear el estribillo, aunque todavía no se había convertido en un Rolling Stone. Y es que la canción se grabó una noche en el estudio de Ronnie, llamado The Wick. Todo el estribillo lo cantó Mick con David Bowie, que en la primavera del año 1974 se decía que eran amantes. En el disco no hay un sólo “stone” , más que Jagger. Willie Weeks está al bajo y Kenny Jones, de los Faces, en la batería. Fue el tema primerizo que se utilizó para filmar un histórico video con los Stones vestidos de marineritos, dirigido por Lindsay-Hogg , que había sido el director de Let it be de los Beatles.
Nº11.- ‘RUBY TUESDAY’ (SINGLE / 1967)
Keith Richards escribió esta canción en Los Angeles, dos años antes de grabarla, dedicada a una “groupie” que quería mucho. Parece ser que se trataba de Linda Keith, su amante a mitad de los sesenta, que acabó en brazos de Jimi Hendrix. Mick Jagger ha dicho que junto con Angie son las dos mejores melodías que ha escrito Richards. Wyman, que intervino definitivamente en el tema con su bajo de doble mástil , ha utilizado el nombre del tema para inagurar una cadena de restaurantes . Se está haciendo una película de dibujos animados sobre los Stones, con el nombre de esta canción.
Existe un cuadro de Pamela Des Barres, una de las más famosas “groupies” de todos lo tiempos,sobrina de Captain Beefheart y apadrinada de Frank Zappa, acerca de los genitales de Mick Jagger. Pamela es la chica que llegó con los colores y la protagonista de la mejor canción jamás escrita sobre la psicodelia. Fantástica letra y una gran melodía, con arreglos de cuerda de John Paul Jones, dos años antes de que se convirtiera en el bajista de Led Zeppelin. El excepcional piano es de Nicky Hopkins. Los Beatles no están en los coros , aunque siempre se ha dicho. Una de las frases claves de la melodía, Mick Jagger la obtuvo del fantástico “She comes in colour” de los Love, de Arthur Lee.
Nº9.- ‘GIMME SHELTER’ (“LET IT BLEED” / 1969)
Mick Jagger siempre dijo que este era el mejor ejemplo del gran esfuerzo entré Keith y él mismo en componer mejor juntos. .También decía que es una canción “violenta” , porque vivían la guerra de Vietnam. Jagger siempre la ha recordado como una canción “apocalíptica”. Tiempos cruentos. Al maravilloso productor Jimmy Miller se le ocurrió de que Mick cantara con gran voz negra de Merry Clayton. Se grabó básicamente en los estudios Olympic, pero la versión definitiva se grabó en los estudios Elektra de Los Angeles. Es un clásico absolutamente imprescindible en todas las giras de los Stones.
Nº8.- ‘START ME UP’ (“TATTOO YOU” / 1981)
Extraña historia de una canción que los Stones nunca la llegaron considerar. Realmente, se grabó la primera vez en 1975, seis años antes de su publicación, en las sesiones del album Black and Blue. Se grabó como un “reggae”. Tres años después se volvió a retomar la canción para las sesiones de Some Girls. Pero tampoco les gustó. Entonces, para las sesiones de Emotional rescue se empezó a llamar Never stop o Start it up. El productor Chris Kimsey volvió a descubrir la canción en la sesiones de Tattoo You . Y se lo dijo a Richards . La volvieron a grabar en seis horas . Bob Clearmountain , el mago, la mezcló y se convirtió en el último gran numero uno de los Stones.
Nº7.- ‘MISS YOU’ (“SOME GIRLS” / 1978)
La canción más representativa de Mick Jagger y sus gustos repetitivos de escuchar las emisoras de música negra , siempre que estaba en su apartamento de Central Park, en Nueva York. Naturalmente, le ayudó muchísimo en los acordes, Billy Preston. Por aquellos días , los dos se sentían unidos, porque les embargaba la aventura de salir con travestís. El bajo de Wyman , que había creado Preston a la guitarra, fue decisivo. Fue la canción en que Mick descubrió que tenía un falsete muy comercial. Mick Jagger dice que jamás se pensó como una canción de música disco. Pero nadie se lo cree.
Nº6.- ‘BROWN SUGAR’ (“STICKY FINGERS” / 1971)
Mick la compuso en los descansos del rodaje en Australia , de la película Ned Kelly, la historia de un Jesse James a la australiana. Fue en la época en que Marianne Faithfull, que viajó con él, se quería suicidar. Brown Sugar no es “heroina” , en el sentido que lo escribió Jagger. El sólo pensaba en la vagina de la cantante negra Marsha Hunt, con la que tuvo una hija , Karis, la primogénita de Jagger. A Marsha le compró no hace mucho una casa a las afueras de París. La canción se grabó finalmente en los famosos estudios Muscle Sound de Alabama. Gran trabajo del “nuevo guitarrista” Mick Taylor.
Nº5.- ‘YOU CAN´T ALWAYS GET WHAT YOU WANT’ (“LET IT BLEED” / 1969)
Mick Jagger estaba obsesionado en hacer una especie de Hey Jude , como los Beatles. Escribió esta melodía pensada para un gran coro final. Y la idea de la canción fue creciendo. Al Kooper , que había logrado enorme fama con los discos de de Bob Dylan, se le ocurrió la idea hacer un gran arreglo coral para el principio. También hizo el arreglo de la canción y tocó piano y órgano. El gran productor Jimmy Miller tocó la batería en lugar de Charlie , porque se necesitaba ese maravilloso “loop” de percusión. Keith Richards encontró los acordes para que recordara a una canción de rock y, finalmente, todo cuadró. Es una obra maestra de los Stones.
Nº4.- ‘JUMPIN JACK FLASH (SINGLE / 1968)
Los Stones tomaban mucho ácido por aquella época. La canción llega precisamente cuando, en casa de Keith y en pleno “viaje” , a Jagger se le aparece algo mágico : un tío saltando por el jardín de la casa. Keith le dijo que no se preocupara . Solo se trataba de “Jack jumpin” por el jardín. Marianne Faithfull le había dejado a Mick para que leyera a Williams Blake y el poema “El viajero mental” , con todo ello, Mick hizo el resto. Las guitarras son cortesía del truco “country” que le enseñó a Keith, el guitarrista vaquero de Jack Jones . Se le llama también “afinación Nashville” y fue también el sistema que utilizó para grabar las guitarras con el truco del cassette Philips y sus asombrosa compresión.
Nº3.- ‘HONKY TONK WOMEN’ (SINGLE / 1969)
El “break” inicial de Charlie estaba mal ,pero se dejó como un gran truco. Fue el primer disco que tocó Mick Taylor-guitarra fenomenal- recién expulsado Brian Jones de la banda,aunque todavía no era un “stone” oficialmente. Casi fue una prueba para Taylor.. La canción la habían compuesto inicialmente Mick y Keith , durante unas vaciones a Brasil . La compusieron en un rancho en Matao , cerca de Sao Paulo.Era una canción country, que la incluyeron en Let it bleed. Pero en la primavera , al expulsar a Brian, la cambiaran totalmente para reconvertirla en una solución de rock. Decía Keith que de esta manera , no “cantaba” mucho que la hubieran birlado de una vieja canción “country” de Hank Williams y Jimmie Rodgers de los años treinta o cuarenta.
Nº 2.- ‘(I CAN´T GET NO) SATISFACTION’ (SINGLE / 1965)
Una vez nos dijo Mick Jagger que hay canciones mágicas que son casi imposibles de componer, pero que marcan para siempre. Hablaba de “I want to hold your hand” de los Beatles, “Like a rolling stone” de Bob Dylan, e incluso de “Every breath you take de Police y,desde luego, esta de Keith Richards. Y como no es suya, Mick siempre la ha odiado en silencio. Sabía perfectamente que Keith la había “copiado”, en el “riff” y los acordes del Dancing in the streets de Martha Reeves and the Vandellas. Finalmente, Mick tuvo la desfachatez de “grabar” Satisfaction, a su manera, con David Bowie y la versión que hicieron los dos de Dancing in the streets. Keith dice que la compuso una noche en un motel de Florida, siempre con la mente de que los “riffs” de metal eran perfectos para la guitarra, como los que hacía la Motown. Primero la grabaron en Chicago, en los estudios Chess, pero era absurdo porque llegaron a los estudios RCA de Los Angeles, los de Elvis, con todo el lujo y la volvieron a grabar. Suena diferente gracias al “nuevo “Gibson Maestro Fuzzbox” que le dejaron a Keith para su guitarra. Es una canción muy especial.
Nº1.- ‘SYMPATHY FOR THE DEVIL’ (“BEGGARS BANQUET” / 1968)
Toda una extraña película de Jean Luc Godard (“One Plus One”, ahora llamada ‘Sympaty for the Devil’) se pone como ojo de testigo de como nació y se grabó esta canción impresionante , escrita fundamentalmente por Mick Jagger, que estaba muy motivado al poder ser Lucifer en el tema. En principio se llamó The Devil is my name, pero Jagger lo cambió por el más sugestivo titulo actual, tras haber leído “El maestro y la Margarita” del escritor ruso Mikhail Bulgakov, libro que naturalmente le había dejado Marianne Faithfull. Godard tuvo la suerte y la predicción que el estudio Olympic se incendió durante la grabación. La letra tiene muchas ideas y siempre con Dylan en la mente. Charlie Watts me contó que cuando Mick le enseñó la canción , se le ocurrió algo muy parecido al ritmo de A night in Tunisia de Kenny Clarke. A Mick le encantó y siempre quiso un ritmo de jazz latino o exótico. con congas y mucha percusión. Al final, se simplificó mucho y como dice el propio Charlie , es tan buena canción que ,aunque la hubieran hecho al estilo flamenco, hubiera funcionado igualmente.
Detalle de lo que contendrá esta mastodóntica edición. Os recomiendo consultar este .pdf con el listado completo de los contenidos. En el archivo en .pdf se lee mucho mejor que en el propio post, en el cual sólo he reproducido la información sin maquetar.
La caja cubre un período interesantísimo en la historia de Pink Floyd ya que va desde los comienzos hasta justo antes la publicación de «Dark Side of the Moon». Un período que no había estado suficientemente cuidado ya que las cajas de IMMERSE dieron un tratamiento de lujo para DSOTM, WYWH y The Wall pero no para este período.
Es de agradecer esta edición, que contiene verdaderas joyas sonoras y visuales.
Supongo que después del «shock inicial» todos estamos pensando lo mismo. Para cuando este tratamiento de lujo para «Animals».
PINK FLOYD ‘THE EARLY YEARS 1965-1972’
†previously unreleased
1965-67 CAMBRIDGE ST/ATION CD 1:
1965 Recordings*: 1. Lucy Leave* 2.57
2. Double O Bo* 2.57
3. Remember Me* 2.46
4. Walk With Me Sydney* 3.11
5. Butterfly* 3.00
6. I’m A King Bee* 3.13
7. Arnold Layne 2.57
8. See Emily Play 8.57
9. Apples And Oranges 3.05
10. Candy And A Currant Bun 2.45
11. Paintbox 3.48
12. Matilda Mother (2010 mix) 4.01
13. Jugband Blues (2010 mix)† 3.01
14. In The Beechwoods (2010 mix)† 4.43
15. Vegetable Man (2010 mix)† 2.32
16. Scream Thy Last Scream (2010 mix)† 4.43
Total: 50 mins, 32 secs approx.
Tracks 1-11 mono.
Tracks 12-16 stereo
*including Rado Klose on guitar and Juliette Gale on vocals on ‘Walk With Me Sydney’ CD 2:
Live in Stockholm 1967: 1. Introduction† 0.25
2. Reaction in G† 7.18
3. Matilda Mother† 5.34
4. Pow R. Toc H.† 11.56
5. Scream Thy Last Scream† 4.00
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 7.17
7. See Emily Play† 3.16
8. Interstellar Overdrive† 8.57
Please note: the above tracks feature vocals recorded at a less than optimum level
John Latham (studio recordings 1967)
9. John Latham Version 1† 4.32
10. John Latham Version 2† 5.06
11. John Latham Version 3† 3.45
12. John Latham Version 4† 2.59
13. John Latham Version 5† 2.48
14. John Latham Version 6† 3.17
15. John Latham Version 7† 2.36
16. John Latham Version 8† 2.49
17. John Latham Version 9† 2.38
Total: 79 mins, 13 secs approx.
Tracks 1-8 recorded live Sept 10, 1967 at Gyllene Cirkeln, Stockholm, Sweden
Tracks 9-17 recorded at De Lane Lea Studios, London, 20 October 1967
All tracks stereo DVD/Blu-ray
1. Chapter 24: Syd Barrett in the Gog Magog Hills, Cambridgeshire, UK 1966 / Pink Floyd at EMI Studios, London, April 1967 3.40
2. Nick’s Boogie†: recording Interstellar Overdrive and Nick’s Boogie at Sound Techniques Studio, Chelsea, January 11, 1967 / 6.36
Live at UFO, The Blarney Club, London, January 13, 1967
3. Interstellar Overdrive: ‘Scene – Underground’ UFO at The Blarney Club, London, January 27, 1967 4.15
4. Arnold Layne: promo video. Wittering Beach, UK, early 1967 2.54
5. Pow R. Toc H. / Astronomy Domine: plus Syd Barrett and Roger Waters interview: BBC ‘The Look Of The Week’ – BBC Studios, 9.22
London, May 14, 1967
6. The Scarecrow: ‘Pathé Pictorial’, UK, July 1967 2.05
7. Jugband Blues: ‘London Line’ promo video, 1967, London 2.58
8. Apples And Oranges: plus Dick Clark interview: ‘American Bandstand’, Los Angeles, USA, November 7, 1967 4.51
9. Instrumental Improvisation†: BBC ‘Tomorrow’s World’, London, December 12, 1967 2.11
10. Instrumental Improvisation†: ‘Die Jungen Nachtwandler’, UFO, The Blarney Club, London, February 24, 1967 4.32
11. See Emily Play: BBC ‘Top Of The Pops’ – partially restored BBC Studios, London, July 6, 1967 2.55
12. The Scarecrow (outtakes): ‘Pathé Pictorial’, UK, July 1967 2.07
13. Interstellar Overdrive: ‘Science Fiction – Das Universum Des Ichs’, The Roundhouse, London, 1967 9.33
Total: 57 mins, 59 secs approx.
1968 GERMIN/ATION CD
1. Point Me At The Sky 3.40
2. It Would Be So Nice 3.46
3. Julia Dream 2.34
4. Careful With That Axe, Eugene (single version) 5.46
5. Song 1, Capital Studios, Los Angeles, 22 August 1968† 3.19
6. Roger’s Boogie, Capitol Studios, Los Angeles, 22 August 1968† 4.35
BBC Radio Session, 25 June 1968:
7. Murderotic Woman (Careful With That Axe, Eugene) † 3.38
8. The Massed Gadgets Of Hercules (A Saucerful Of Secrets) † 7.18
9. Let There Be More Light† 4.32
10. Julia Dream† 2.50
BBC Radio Session, 20 December 1968:
11. Point Me At The Sky† 4.25
12. Embryo† 3.13
13. Interstellar Overdrive† 9.37
Total: 59 mins, 14 secs approx. DVD/Blu-ray
‘Tienerklanken’, Brussels, Belgium, 18-19 February 1968: 22.28
1. Astronomy Domine
2. The Scarecrow
3. Corporal Clegg
4. Paintbox
5. Set The Controls For The Heart Of The Sun
6. See Emily Play
7. Bike
8. Apples And Oranges: ‘Vibrato’, Brussels, Belgium, February 1968 3.03
‘Bouton Rouge’, Paris, France, 20 February 1968: 13.35
9. Astronomy Domine
10. Flaming
11. Set The Controls For The Heart Of The Sun
12. Let There Be More Light
13. Paintbox: ‘Discorama’, Paris, France, 21 February 1968 3.40
14. Instrumental Improvisation†: ‘The Sound Of Change’, London, UK, March 1968 2.15
15. Set The Controls For The Heart Of The Sun: ‘All My Loving’, London, UK, 28 March 1968 2.40
16. It Would Be So Nice (excerpt): ‘Release-Rome Goes Pop’, Rome, Italy, April 1968 1.21
17. Interstellar Overdrive: ‘Pop 68’, Rome, Italy, 6 May 1968 6.59
‘Tienerklanken – Kastival’, Kasterlee, Belgiu, 31 August 1968: 3.48
18. Astronomy Domine
19. + Roger Waters interview
‘Samedi et Compagnie’, Paris, France, 6 September 1968: 5.31
20. Let There Be More Light
21. Remember A Day
22. Let There Be More Light: ‘A L’Affiche du Monde’, London, UK, 1968 1.53
‘Tous En Scene’, Paris, France, 21 October 1968: 6.39
23. Let There Be More Light
24. Flaming
25. Let There Be More Light: ‘Surprise Partie’, Paris, France, 1 November 1968 6.35
26. Point Me At The Sky: Restored promo video, UK, 1968 3.19
Total: 84 mins, 18 secs approx..
1969 DRAMATIS/ATION CD 1:
‘More’ album non-album tracks 1. Hollywood (non-album track) † 1.21
2. Theme (Beat version) (Alternative version) † 5.38
3. More Blues (Alternative version) † 3.49
4. Seabirds (non-album track) † 4.20
5. Embryo (from ‘Picnic’, Harvest Records sampler) 4.43
BBC Radio Session, 12 May 1969:
6. Grantchester Meadows† 3.36
7. Cymbaline† 3.38
8. The Narrow Way† 4.48
9. Green Is The Colour† 3.21
10. Careful With That Axe, Eugene† 3.26
Live at the Paradiso, Amsterdam, 9 August 1969:
11. Interstellar Overdrive† 4.20
12. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 12.25
13. Careful With That Axe, Eugene† 10.09
14. A Saucerful Of Secrets† 13.03
Total: 68 mins, 50 secs approx. CD 2:
Part 1: ‘The Man’, Amsterdam, 17 September 1969
1. Daybreak (Grantchester Meadows)† 8.14
2. Work† 4.12
3. Afternoon (Biding My Time)† 6.39
4. Doing It† 3.54
5. Sleeping† 4.38
6. Nightmare (Cymbaline)† 9.15
7. Labyrinth† 1.10
Part 2: ‘The Journey’, Amsterdam, 17 September 1969
8. The Beginning (Green Is The Colour)† 3.25
9. Beset By Creatures Of The Deep (Careful With That Axe, Eugene)† 6.27
10. The Narrow Way, Part 3† 5.11
11. The Pink Jungle (Pow R. Toc H.)† 4.56
12. The Labyrinths Of Auximines† 3.20
13. Footsteps / Doors† 3.12
14. Behold The Temple Of Light† 5.32
15. The End Of The Beginning (A Saucerful of Secrets)† 6.31
Total: 76 mins, 36 secs approx.. DVD/Blu-ray:
‘Forum Musiques’, Paris, France, 22 January 1969: 19.25
1. Set The Controls For The Heart Of The Sun
David Gilmour interview
2. A Saucerful Of Secrets
3. ‘The Man’ and ‘The Journey’: Royal Festival Hall, London, rehearsal, April 14, 1969: 14.05
Afternoon (Biding My Time)
The Beginning (Green Is The Colour)
Cymbaline
Beset By Creatures Of The Deep†
The End Of The Beginning (A Saucerful Of Secrets)
Essencer Pop & Blues Festival, Essen, Germany, October 11 1969: 19.14
4. Careful With That Axe, Eugene
5. A Saucerful Of Secrets
Music Power & European Music Revolution, Festival Actuel, 27.53
Amougies Mont de l’Enclus, Belgium, 25 October 1969:
6. Green Is The Colour
7. Careful With That Axe, Eugene
8. Set The Controls For The Heart Of The Sun 9. Interstellar Overdrive with Frank Zappa 11.26
Total: 71 mins, 14 secs approx.
1970 DEVI/ATION CD 1:
1. Atom Heart Mother live in Montreux, 21 Nov 1970† 17.58
BBC Radio Session, 16 July 1970:
2. Embryo† 11.10
3. Fat Old Sun† 5.52
4. Green Is The Colour† 3.27
5. Careful With That Axe, Eugene† 8.25
6. If† 5.47 7. Atom Heart Mother† with choir, cello & brass ensemble 25.30
Total: 78 mins, 8 secs approx. CD 2:
Unreleased tracks from the ‘Zabriskie Point’ soundtrack recordings:
1. On The Highway† 1.16
2. Auto Scene Version 2† 1.13
3. Auto Scene Version 3† 1.31
4. Aeroplane† 2.18
5. Explosion† 5.47
6. The Riot Scene† 1.40
7. Looking At Map† 1.57
8. Love Scene Version 7† 5.03
9. Love Scene Version 1† 3.26
10. Take Off† 1.20
11. Take Off Version 2† 1.12
12. Love Scene Version 2† 1.56
13. Love Scene (Take 1)† 2.16
14. Unknown Song (Take 1)† 5.56
15. Love Scene (Take 2)† 6.40
16. Crumbling Land (Take 1)† 4.09
17. Atom Heart Mother† Early studio version, band only 19.15
Total: 67 mins, 9 secs approx. DVD 1:
An Hour with Pink Floyd:
KQED, San Francisco, USA, 30 April 1970:
1. Atom Heart Mother 17.37
2. Cymbaline 8.38
3. Grantchester Meadows 7.37
4. Green Is The Colour 3.31
5. Careful With That Axe, Eugene 9.09
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun 12.37
Total: 59 mins, 9 secs approx.
Audio only: Atom Heart Mother album original 4.0 Quad mix 1970:
7. Atom Heart Mother 23.42
8. If 4.31
9. Summer ’68 5.29
10. Fat Old Sun 5.24
11. Alan’s Psychedelic Breakfast 13.01
Total: 52 mins, 7 secs approx. DVD 2:
‘Pop Deux – Festival de St. Tropez’, France, 8 August 1970:
Part 1:
1. Cymbaline (sound check) 3.54
2. Atom Heart Mother 13.46
3. Embryo 11.23
Part 2:
4. Green Is The Colour/
5. Careful With That Axe, Eugene 12.21
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun 12.07
Roland Petit Ballet, Paris, France, 5 December 1970:
7. Instrumental Improvisations 1,2,3† live in the studio 3.28
8. Embryo 2.39
Blackhill’s Garden Party, Hyde Park, London, UK, 18 July 1970:
9. Atom Heart Mother with the Philip Jones Brass Ensemble/John Alldis Choir 21.15
Total: 80 mins, 53 secs approx.
All DVD content is included on one blu-ray.
1971 REVERBER/ATION 1972 OBFUSC/ATION CD:
1. Nothing Part 14 (Echoes work in progress) † 7.01
BBC Radio Session, 30 September 1971:
2. Fat Old Sun† 15.33
3. One Of These Days† 7.19
4. Embryo† 10.43
5. Echoes† 26.25
Total: 67 mins 1 sec approx. DVD/Blu-ray:
‘Aspekte’ feature 9.51
1. Interview + Atom Heart Mother (extracts)
Hamburg, Germany, 25 February 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
2. A Saucerful Of Secrets (extract)
Offenbach, Germany, 26 February 1971
‘Cinq Grands Sur La Deux’ 17.55
Abbaye de Royaumont, Asnierès-sur-Oise, France,
15 June 1971
3. Set The Control For The Heart Of The Sun
4. Cymbaline
5. Atom Heart Mother (extract) 3.12
‘Musikforum Ossiachersee’, Ossiach, Austria,
1 July 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
‘Get To Know’ 6.23
Randwick Race Course, Sydney, Australia,
15 August 1971
6. Careful With That Axe, Eugene
Band interview
’24 hours – Bootleg Records’, London, UK, 1971
7. Documentary including Pink Floyd 2.27
and manager Steve O’Rourke
‘Review’, London, UK, 1971 3.37
8. Storm Thorgerson & Aubrey ‘Po’ Powell
interviewed re: record cover design
9. One of These Days (‘French Windows’) 4.17
Ian Emes animation created July 1972,
Birmingham, UK
10. Atom Heart Mother (extract, in colour): 5.10
‘Musikforum Ossiachersee’, Ossiach, Austria,
1 July 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
11. Atom Heart Mother: ’71 Hakone Aphrodite 15.11
Open Air Festival, Hakone, Japan,
6-7 August 1971
Total: 68 mins 3 secs approx.. Audio-only material: 1. Echoes original 4.0 Quad mix 1971 23.35 CD:
Obscured By Clouds 2016 Remix
1. Obscured By Clouds† 3.03
2 When You’re In† 2.31
3 Burning Bridges† 3.30
4 The Gold It’s In The… † 3.07
5 Wot’s…Uh The Deal† 5.09
6 Mudmen† 4.18
7 Childhood’s End† 4.33
8 Free Four† 4.16
9 Stay† 4.06
10 Absolutely Curtains† 5.52
Total 40 mins 25 secs approx. DVD/Blu-ray:
Recording Obscured by Clouds, Château d’Hérouville,
France, 23-29 February 1972
1. Wot’s…Uh The Deal: with recording session photos 5.04
2. Pop Deux: Documentary recording Obscured By Clouds 7.14
+ David Gilmour and Roger Waters interview
Brighton Dome, UK, 29 June 1972 16.44
3. Set The Controls For The Heart Of The Sun
4. Careful With That Axe, Eugene
Roland Petit Pink Floyd Ballet, France, news reports 1972-73
5. Actualités Méditerranée, Marseille, 22 November 1972 3.29
6. JT Nuit – Les Pink Floyd, Marseille, 26 November 1972 3.04
7. JT 20h – Pink Floyd, Paris, 12 January 1973 3.01
8. Journal de Paris – Les Pink Floyd, Paris, 12 January 1973 5.03
9. Poitiers – Autour Du Passage Des Pink Floyd 4.27
Concert set up news report – France, 29 November 1972 Live At Pompeii (with 2016 5.1 Audio Remix)
10. Careful With That Axe, Eugene 6.40
11. A Saucerful Of Secrets 10.09
12. One Of These Days 5.58
13. Set The Controls For The Heart Of The Sun 10.24
14. Echoes 26.10
Total: 107 mins 27 secs approx..
BONUS CONTINU/ATION CD:
BBC Radio Session, 25 September 1967:
1. Flaming† 2.42
2. The Scarecrow† 1.59
3. The Gnome† 2.08
4. Matilda Mother† 3.20
5. Reaction in G† 0.34
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 3.19
BBC Radio Session, 20 December 1967:
7. Scream Thy Last Scream† 3.35
8. Vegetable Man† 3.07
9. Pow R. Toc H.† 2.45
10. Jugband Blues† 3.50
BBC Radio Session, 2 December 1968:
11. Baby Blue Shuffle In D Major† 3.58
12. Blues† 4.59
13. US Radio ad 0.22
14. Music from The Committee No. 1 1.06
15. Music from The Committee No. 2 3.25
16. Moonhead† 7.16
live on 1969 BBC TV moon landings broadcast
17. Echoes† 24.10
live at Wembley 1974
Total: 72 mins 35 secs approx. DVD/Blu-ray 1:
1. Arnold Layne (Alternative version) 2.56
Hampstead Heath and St. Michael’s Church,
Highgate, London, UK, March 1967
2. ‘P1 – P wie Petersilie’ 16.52
Stuggart, Germany, 22 July 1969
Corporal Clegg
Band interview
A Saucerful of Secrets
3. Atom Heart Mother 3.46
‘Bath Festival of Blues & Progressive Music’,
Shepton Mallet, UK, 27 June 1970
4. ‘Kralingen Music Festival’ 10.16
Rotterdam, The Netherlands, 28 June 1970
Set The Controls For The Heart Of The Sun
A Saucerful Of Secrets
5. ‘The Amsterdam Rock Circus’ 35.41
Amsterdam, The Netherlands, 22 May 1972
Atom Heart Mother
Careful With That Axe, Eugene
A Saucerful Of Secrets
The Committee – (Feature Film) 55.18
Score by Pink Floyd
Total: 124 mins 49 secs approx. DVD/Blu-ray 2:
‘More’ feature film 1.56.00
‘La Vallée’ (Obscured By Clouds) feature film 1.45.00
Total: 3 hours 41 mins approx.
ALSO INCLUDED: 7” VINYL SINGLES IN REPRODUCTION SLEEVES:
— Arnold Layne C/W Candy And A Currant Bun
— See Emily Play C/W The Scarecrow
— Apples And Oranges C/W Paintbox
— It Would Be So Nice C/W Julia Dream
— Point Me At The Sky C/W Careful With That Axe, Eugene
También se editará un CD doble de resumen de la caja que se convertirá en el peor regalo posible para estas Navidades para cualquier fan de Pink Floyd. El «querer y no poder» más recalcitrante y frustrante.
Esta es la verdadera historia de la banda sonora de la película de Ridley Scott , posiblemente una de la más influyentes y decisivas de la historia del cine.
En noviembre del año 1979, Ridley Scott está impactado por una serie de “jingles” para anuncios de todo tipo, que siempre llevaban la firma de Producciones Nemo. Ridley descubre que el músico que estás detrás de esos extractos de temas no es otro que un tal Vangelis, que en los años sesenta había tenido cierto éxito con un grupo griego llamado Aphrodite´s Child, creado con su primo carnal Demis Roussos.
Scott localizó a Vangelis y le pidió música para un “spot”, un anuncio que rodaba en aquellos días para Channel º 5, el famoso “Share the fantasy” y que es tan recordado en estos días, porque al final del anuncio se oye la voz de Leonard Nimoy, que dice la famosa frase “Share the fantasy”. Así fue como Ridley Scott y Vangelis se conocieron para crear más tarde el fenómeno indescifrable llamado “Blade Runner”.
Cuatro años antes, Vangelis había podido reunir el suficiente dinero para crear un estudio ultramoderno en el último piso, en el tejado de los Hampden Gurney Studios, muy cerca de Marble Arch, en Londres. Vangelis había invertido más de millón de libras esterlinas en el estudio, gracias a su nuevo contrato con la discográfica RCA. Vangelis hubiera preferido comprar los Command Studios, donde Roxy Music habían grabado su primer disco, pero los dueños no le dieron opción para el local, pero sí que compró muy barato mucha tecnología que estaba en el estudio desaparecido.
Vangelis tuvo la suerte de que compró el estudio justo cuando aparecieron los primeros sintetizadores polifónicos. El músico griego, poco a poco, pudo hacerse con el sintetizador Oberheim de cuatro voces, el Roland SH3A y su favorito, el Yamaha CS80. Todos ellos aparecen en sus muy interesantes álbumes de los años setenta, como “Heaven and Hell”(1975), “Albedo o.39” (1976), “Spiral” (1977), Beaubourg (1978) y “China” (1979), Todos ellos grabados en Nemo Studios (Marble Arch) y antes de empezar con “Blade Runner” .
EL MARAVILLOSO CIELO E INFIERNO
Escucho ahora , sobre todo, “Heaven and Hell”(1975). Es una obra maestra de música clásica con sintetizadores. Todo está en ese álbum fantástico de hace cuarenta años. Allí se sugiere, se escucha, casi el tema central de “Carros de Fuego” y, desde luego, el preludio del tema de amor de “Blade Runner” , que en “Heaven and Hell” es una canción maravillosa, cantada por Jon Anderson, el cantante de Yes y que marcó sus colaboraciones posteriores.
Esa canción trascendental es solemne y mágica . Se llama “So long ago, so clear”, un tema futurista. Recordar también que otro de los temas de “Heaven and Hells”, el etéreo “Movement 3” fue utilizado como la sintonía del programa de televisión “Cosmos” de Carl Sagan.ç
Vangelis vivía sin duda sus mejores días creativos. Poseía toda la fuerza imaginativa por crear algo diferente, como una manera de volar y recuperar la fortuna que se había gastado en su recién inaugurado estudio llamado Nemo.
Cuando Ridley Scott volvió a llamar a Vangelis en el mes de noviembre de 1979, el músico griego acababa de terminar una de sus obras tan queridas , “Opera Sauvage”. Un documental de Frederick Rossif. Una banda sonora importantísima, porque por primera vez Vangelis se había atrevido a ponerle música a un film con las imágenes puestas en el monitor. Su primera experiencia con la horrorosa película”Sex Power” de Henry Chapier,con Jane Birkin de protagonista, siempre le había noqueado con el cine. y no a un simple anuncio.
Vangelis era muy quisquilloso .Pertenecía al club de los que creían que la imagen “ sin un buen ruido” no era nada, como decía Hitchcock. Y esa misma técnica la desarrolló hasta grados superlativos, inspirándose en tiempo real y acostumbrándose a un “time code” en el monitor que tenía enfrente de su teclado “master”.
Así pudo hacer la banda sonora de “Carros de Fuego”. Casi artesanal, casi compás por compás, Con mucho sacrificio, porque en aquellos días no había sincronía, un “midi” entre el video de la película que veía en el monitor de su estudio y su modesto magnetófono de 24 pistas Lyrec, más barato que el Studer. Así que para inspirarse en el famoso tema central de “Carros de fuego” quizá no se sepa demasiado que Vangelis grabó a tiempo real, al piano, mientras veía el maravilloso tema “L´Enfant” de la “Opera Sauvage”. En aquellos días, el talento de Vangelis era incontenible. Todo ello con una técnica instintiva. Vangelis nunca estudió música ni sabía leerla ni escribirla.
EL PRIMER OSCAR DE SINTETIZADORES
“Chariots of Fire” fue la primera banda sonora en ganar un Oscar con música realizada exclusivamente por sintetizadores. Ridley Scott, animado por el éxito de Vangelis y porque sabía que las máquinas eran las perfectas para hacer música para su siguiente película de ciencia-ficción , tras haber acabado “Alien”, decidió reunirse con Vangelis. El tenía que ser el creador del sonido “Blade Runner”.
El editor Terry Rawlings ya había montado “Carros de Fuego” y cuando se le nombro editor también de “Blade Runner”, Vangelis pasó a ser el número uno en la lista de candidatos elegibles por la Warner. Aunque lo cierto es que el estudio, tras el éxito de Jerry Goldsmith con “Alien” para la Fox, se había pensado en el veterano músico como el compositor ideal de “Blade Runner”.
Cuando Ridley Scott le contó la película a Vangelis no le costó ningún trabajo convencerle de que hiciera la música de su nuevo gran proyecto. Era octubre del año 1981. Vangelis tuvo que pasar por algunas pruebas adicionales. Por ejemplo, certificar que en Nemo podía grabar o ser aceptado para Dolby Stereo para el cine. Otros ingenieros de Warner viajaron a Londres para ponerle Dolby , reducción de ruido , a su magnetófono de 4 pistas para las mezclas que se habían en aquella época para el cine. Luego, más tarde, firmaría un contrato infame con la Warner, del que se arrepentiría toda su vida.
EL “COPION” DE PINEWOOD
Un crudo día de frío del mes de diciembre londinense del año 1981, en la pomposa sala de proyección de los estudios Pinewood, Vangelis vió “un copión” más o menos recurrente de “Blade Runner”. Vangelis se impresionó de la imágenes que vio. Al mismo tiempo se asustó de la responsabilidad. Quedó cautivo de la violencia, de la desesperación por sobrevivir de los “replicantes”. La cinta que vio Vangelis se proyectaba sin diálogos ni sonido. Pero Vangelis quedó atrapado emocionalmente por las imágenes. Justo desde el primitivo inicio de ese Los Angeles de lluvia ácida hasta el final del vuelo de la paloma,cuando muere el jefe replicante Roy Batty.
Vangelis sonrió de alguna manera a Scott y le dijo que empezaría a trabajar con un loco. A cambio de la sonrisa, Ridley le dio una cinta de VHS, la vieja cinta de video de aquellos días, con parte del copión de lo que habían visto. Vangelis aún conserva la cinta ,en su casa no muy lejana del Parlamento Helénico.
Y Vangelis empezó a trabajar en su pequeña sala de los estudios Nemo. Sin horarios. Normalmente, prefería la soledad nocturna, el silencio sepulcral de las ánimas de la oscuridad, sólo alterado por las imágenes del videocasete que le entregaban poco a poco , a medida que Scott editaba “Blade Runner”.
Musicalmente, Vangelis no tardo mucho en buscar la tonalidades menores y el estilo de una belleza triste que inunda la música de la película. La belleza intangible de los nuevos sintetizadores.
Vangelis tomó varios referentes de música en películas de ciencia ficción. Quizá la más empírica fue la música de “Clockwork Orange”, el maravilloso trabajo de Walter Carlos en la pre-historia de los sintetizadores. Aquellos increíbles sintetizadores analógicos, los de síntesis de tanto aprecio y técnica de Walter Carlos. La banda sonora de “Cloclkwork Orange” con Stanley Kubrick era del año 1971 y había tenido un éxito descomunal. Walter era un genio con la atomización y maravillosos prodigios de los sintetizadores iniciales de Robert Moog, o después con los increíbles Synergy. Walter Carlos, con el éxito del disco como banda sonora, utilizó parte del dinero para una operación de cambio de sexo. Fue en mayo de 1972. Desde ese momento pasó a llamarse Wendy Carlos.
CREAR LA MUSICA DEL FUTURO PROXIMO
“Clockwork Orange fue una enorme referencia para “Blade Runner”, aunque no tan decisiva. Desde luego, Vangelis también se fijó del trabajo de Wendy Carlos en “El resplandor” , que no hacía mucho había visto con absoluta envidia por el trabajo de Wendy Carlos , aunque sólo habían sido dos temas de la banda sonora.
De vez en cuando, Ridley Scott aparecía por el estudio de Marble Arch. Vangelis se desesperaba. Todas las visitas estaban casi siempre relacionadas con los cambios de la edición y por tanto, de la música de la película. Vangelis en el mes de febrero de 1982 estuvo a punto de dimitir. Le hizo entrar en razón su ingeniero Raine Shine, advirtiéndole de que iban a perder mucho dinero y quizá una demanda por parte de la Warner.
Como en el caso de “Carros de Fuego”, Vangelis compuso la música y “sus ruidos” escena a escena. Un trabajo meticuloso que en estos días apenas se hace. Porque para una banda sonora “nunca hay tiempo”, como decía Vangelis.
Para los que somos profundos amantes de los “sintetizadors analógicos” y toda clase de aparatos musicales con tecnología de sintetizador de síntesis, especificaremos sin que sea muy aburrido , los aparatos y sintetizadores que mayoritariamente utilizó Vangelis en su trabajo en “Blade Runner.”.
El famoso Yamaha CS-80 fue siempre la señal de identidad de Vangelis. Sobre todo, por ese sonido imponente de “brass”, un sonido apabullante de algo que se parecía a los metales en una orquesta sinfónica. El otro instrumento mágico en la película fue el Roland VP-330 Vocoder Plus. Vangelis, normalmente, sólo lo utilizaba para cuando tenía que insertar una sección cuerda. La cuerda del Vocoder de Roland era mágica,diferente. Luego, para esa profundidad, utilizaba el Prophet 10, el de los dos teclados. Esos eran fundamentales. Como por aquella época Vangelis era un loco de la percusión también trabajaba con la Linn 1 , como batería electrónica y con el Emulator para toda clase de “samplings” de efectos o percusión, al igual que el Yamaha Gs-1 para los sorprendentes golpes de percusión, aquellos tan impresionantes del inicio de la película.
LOS COLABORADORES HUMANOS
Como colaboradores humanos utilizó a su primo Demis Roussos para cantar en “Tales of the Future”, al impresionante Dick Morrisey para el saxo en el “Love Theme” y a su amigo Don Percival para la canción “One more kiss, Dear, al estilo de los años veinte. Y se me olvidaba la English Chamber Choir en “La muerte del Dr. Tyrell”.
Nunca sabremos si fue decisión de Vangelis o de Ridley Scott incluir al tema japonés “Ogi No Mato” del grupo nipón Ensemble Nipponia. Pero creo que la idea fue Ridley, como se demostró años después, cuando filmó la película policíaca, “Black Rain” con Michael Douglas , en Osaka. Ridley también había incluido “Quran” de Brian Eno & David Byrne , pero en los sucesivos problemas de edición , ese tema desapareció de la película.
A Vangelis le volvieron loco con tantos cambios, tantas dudas de Ridley Scott, pero necesito remarcar un detalle de su excepcional sentido musical en la banda sonora . Cuando la replicante Rachel toca el piano el “Nocturno 13” de Chopin, en el apartamento de Rick Decorad (Harrison Ford) y ,a continuación, se oye a través de la radio del apartamento, esa versión de “One more Kiss, Dear”. Los dos temas está en la mismísima tonalidad.
Vangelis terminó su trabajo en abril de 1982. Incluías las mezclas en Dolby 4 pistas como exigía Hollywood en aquella época. Ahora, normalmente, se realizan en un diez punto dos. Es decir, una mezcla para doces altavoces diferentes. El músico griego incluso supervisó las mezclas de sus cuatro pistas al formato de sonido-cine en los estudios CTS de Wembley, donde normalmente trabajaba John Barry. Hasta fue muchas veces a los estudios Pinewood donde montaban el sonido definitivo en la película. Pero ni Vangelis ni Scott estuvieron contentos de lo se hacía en Pinewood, Acabaron el trabajo en los más baratos ,pero más eficaces estudios para sonido ,los estudios Twickenham.
La guerra por la banda sonora sólo acababa de empezar. Warner Records se puso en contacto con Vangelis para que el mismo eligiera los temas que aparecerían en el famoso “Soundtrack” del film, que sólo es un simplificación del trabajo de un músico. Vangelis se negó en rotundo. Se agarro al hecho de que no hacía mucho había firmado un nuevo contrato discográfico que le obligaba a publicar todos sus trabajos en el sello Polydor. Pero es que además, Vangelis quería darle un escarmiento a Ridley Scott, que le había torturado durante cuatro meses.
COPIA PIRATA
Los derechos discográficos los tenía Warner, pero si Vangelis o, en su particular guerra contractual, Polydor, no querían o se negaban en ceder al artista, entonces no había nada que hacer.
A comienzos del mes de junio de 1982, unas pocas semanas antes del estreno del film, circulaba por Hollywood una copia pirata de los temas que Warner tenía preparados para una hipotética aparición discográfica. El rumor era que un ingeniero del estudio de la Warner, había hecho una copia y como Vangelis estaba de moda por su Oscar con “Carros de Fuego”, el disco pirata pasó de mano en mano. En realidad, era una cassette de aquellos tiempos, para ser más exactos. El CD todavía no había desarrollado la técnica para poder crearse en privado. Aquella copia primitiva es difícil de encontrar, aunque algunos fanáticos de Vangelis la tienen. En la actualidad, si circulan copias en CD de aquel primitivo asalto pirata.
Como había que sacar una banda sonora , el estudio de la Warner decidió que se hiciera una versión lo más exacta posible de los temas de Vangelis y así apareció “Blade Runner: The New American Orchestra”. El disco era un timo para los grandes “hoolligans” del film, pero si se escucha en la actualidad, no estaba tan mal hecho.
Siete años despés, Vangelis le dio a su discográfica Polydor tres temas, los que consideran Vangelis como los mejores de “Blade Runner” para una recopilación de sus mejores obras que llevaba el título de “Themes”. Es decir, “Love Theme”, “End Titles” del final de la versión de la Warner y “Memories of Green”.
Más adelante, en el año 1994, Vangelis, que ya no estaba preso por su contrato con Polydor, accede a que Warner, a través de su sello East/West publique una especie de “banda sonora”, con muchos temas de la película y con algunos otros inéditos, como venganza a Ridley Scott. Justos eran los que el cineasta se había cargado en la película.
En el año 2000, circulaba un nuevo disco pirata de la banda sonora de “Blade Runner” en el que se incluía el tema inicial de John Williams para el logo de la Ladd Company, que había producido el film.
Finalmente, en el año 2007, coincidiendo con el 25 Aniversario de “Blade Runner” cuando la música de Vangelis ya se había convertido en objeto de culto, se publica la versión definitiva de “Blade Runner”, con 3 CDS. Por fín, Warner, había doblegado a Vangelis. En su rendición entrega todos los “masters” originales , todo lo que grabó para la película. Warner Records también contó con el apoyo de Ridley Scott, que se atrevió incluso a escribir y recordar sus funestas visitas a a los estudios Nemo , en Marble Arch, en las notas del disco . Del triple CD, el primero es impecable. Pero el segundo y el tercer disco son un poco pesados . Es lo que tiene estas ediciones tan estrictas.
EL DISCO RUMANO
Para decir la verdad, para mí la versión con la que más disfruto es una joya de las catacumbas de la piratería discográfica. Un ingeniero rumano, probablemente un loco de Blade Runner, tuvo la paciencia de separar del celuloide la música que va por su parte en las cuatro pistas del film. Directamente. Así que nada más que se trata de una versión completa de toda la música que estrictamente suena en la película. Son setenta dos minutos de música para decirlo con precisión. Como se trata de un disco pirata rumano, tenía los sugestivos títulos de “Titlurile și Prologurile Principale”, Fiul Multiubit Aduce Moartea, etc . Un documento impagable.
“Blade Runner”, en definitiva, es una fascinante historia de principio a fin. Todavía posee el misterio de como se equilibró esa intrigante magia entre la imagen y el sonido, en una sincronización perfecta. Imposible de repetir. Todo encaja con las imágenes, la música, los replicantes, etc.. Vangelis , que no da ni un puñetera entrevista, salvo de vez en cuando, asegura que siempre escribió la música de “Blade Runner” , pensando en que Deckard (Harrison Ford) era también un pobre replicante más.
Aunque “Carros de Fuego” ganara el Oscar, el trabajo más exquisito y espectacular de Vangelis es la banda sonora de la película de Scott. ¿Por qué?. Porque nadie ha sentido tanto con ruidos y música el futuro más cercano. Y sin aspavientos, con simples sintetizadores analógicos. La imágenes son una pura invitación a la música de Vangelis. Encajan como si una cosa hubiera estado pensado para la otra.
Vangelis recibió la noticia de la muerte de su primo Demis Roussos en Londres. El propio Vangelis se declara un viajero en la vida. Normalmente, desde que cumplió 60 años-en la actualidad, tiene 71 años- pasa más tiempo en Atenas y no es difícil verlo pasear por su calle favorita, la que es ahora peatonal, Dionisio Areopagita . Para Vangelis la “calle más bella del universo” .Aunque jamás se queda quieto en Atenas. Siempre se escapa a su casa de París o Londres.
Hace poco le pusieron el nombre de una calle en Volos, donde nació, pero no quiere vivir allí. Últimamente se ha atrevido con la pintura, como en el caso de Bob Dylan. Incluso expuso sus cuadros en Valencia, hace ya diez años. , gracias a la amistad de Consuelo Ciscar con el genio griego. Su último trabajo es la banda sonora del film argelino “Crescule des Ombres” del cineasta argelino Mohamed Lakhdar-Hamina, estrenada hace un par de meses.. Pero todavía no ha aparecido discográficamente.
Es muy posible que su tema favorito de “Blade Runner” sea “Memories of Green”. Vangelis dice que que con las destrucción de este planeta , algún día sólo nos queden memorias de nuestra vegetación , recuerdos de un mundo verde con aquella maravillosa vida de plantas y árboles. Serán “nuestras memorias sobre lo verde”.
Pero como decía Roy Batty, el líder de los replicantes:
“No haré nada por lo que el dios de la biomecánica no te deje entrar en su cielo.”
Star Trek gave us six TV series, spanning over 700 episodes, because it’s such a rich universe. And a Federation starship is the perfect vehicle to tell unforgettable stories. But which Star Trekstories are the best? To find out, we painstakingly compiled the 100 greatest Trek episodes, from any of the series.
What makes for a great Star Trek episode? Obviously, the fun quotient has to be high, and there need to be awesome character moments. But I’d argue that a really notable Trek story explores some ideas, or some ethical quandaries, in a way that sticks with you after you’re done watching. If one thing has defined Trek throughout its run, it’s that.
So here’s our list of the 100 best Star Trek episodes. Please let us know which episodes we missed, or ranked incorrectly!
Warning: some spoilers below, although we try not to give away all the plot twists.
100) Bride of Chaotica! (Star Trek: Voyager) – A hilarious pastiche of old-school science fiction serials, this story puts the Voyager crew in the middle of a space-opera fantasy gone very, very wrong.
99) Day of the Dove (Star Trek) – An alien entity wants the Enterprise crew and some Klingons to slaughter each other, and Kirk has nearly as much trouble with his own crew as with the «enemy.»
98) Paradise (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko and O’Brien find themselves in a «perfect» society where no technology functions, and the society’s matriarch tests Sisko’s will with some pretty brutal treatment.
97) Borderland/Cold Station 12/The Augments (Enterprise) – In this three-part episode, we delve into the past of Khan Noonien Singh’s genetically augmented crew, and also meet the ancestor of Data’s creator. And connecting those two dots allows the story to get into some weird questions about the nature of «superior» people.
96) Lineage (Star Trek: Voyager) – B’Elanna and Tom are expecting a baby… but maybe they can genetically engineer it to be more human and less Klingon? More than any episode about Khan’s people, this episode digs into the thorny ethics of eugenics.
95) The Most Toys (Star Trek: The Next Generation) – Data is taken prisoner by an unscrupulous collector, and the android finds out just how far he’s willing to go to win his freedom.
94) Disaster (Star Trek: The Next Generation) – A calamity cuts off the different sections of the ship from each other, leaving Deanna Troi in charge, and Worf having to deliver a baby.
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93) Future’s End (Star Trek: Voyager) – An evil Bill Gates-type in the 1990s has gotten hold of a 29th century ship, and even the Voyager crew might not be able to keep him from changing history.
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92) The Magnificent Ferengi (Star Trek: Deep Space Nine) – Of all DS9‘s «Ferengi comedy» episodes, this is one of the funniest — Quark has to rescue his mother from the Dominion, but everything goes absolutely pear-shaped and Quark has to improvise.
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91) The Killing Game (Star Trek: Voyager) – The Hirogen love to hunt, so what could be better than turning Voyager into a recreation of World War II? (Lots of things. But that’s what they do, anyway.)
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90) Booby Trap (Star Trek: The Next Generation) – The Enterprise is trapped in a weird space trap, and Geordi can’t find a solution until he makes himself a new colleague… who’s the woman of Geordi’s dreams.
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89) Court Martial (Star Trek) – Kirk is put on trial, and along the way he shows what it really takes to command a starship.
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88) Favor the Bold/Sacrifice of Angels (Star Trek: Deep Space Nine) – This episode is a turning point in the «Dominion War» arc. But more to the point, it features a ginormous, amazing space battle, featuring hundreds of starships.
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87) Déjà Q (Star Trek: The Next Generation) – Q has lost his powers, and now he’s learning to cope with being human. If he can survive the wrath of Guinan, that is.
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86) Memorial (Star Trek: Voyager) – Voyager was at its best when coping with strange thought experiments, and here’s a doozy: a memorial forces you to experience a terrible war first-hand. Should it be allowed to remain operational?
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85) Little Green Men (Star Trek: Deep Space Nine) – Quark gets stranded on mid-20th century Earth, and for once even he can’t figure out how to profit from this, in a hilariously weird episode.
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84) Parallels (Star Trek: The Next Generation) – Worf keeps jumping to various (and highly entertaining) alternate realities, showing how different his life could be with just a few changes.
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83) Timeless (Star Trek: Voyager) – One of the many «alternate future crewmembers averting a past tragedy» storylines, this one features the beautiful image of Voyager crashed into an ice planet, and Chakotay going to extremes to save his friends.
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82) Conundrum (Star Trek: The Next Generation) – The entire crew of the Enterprise suffers memory loss, but luckily First Officer MacDuff is here to help. When their identities are stripped away, will the Starfleet officers still do the right thing?
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81) The Enemy Within (Star Trek) – The one where Kirk gets split into good and evil versions by a transporter accident — Richard Matheson’s script manages to get into some thorny questions about the nature of evil.
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80) The Wounded (Star Trek: The Next Generation) – The Federation is trying really hard to have peace with the Cardassians, but some people in Starfleet aren’t quite so ready to forgive and forget… and it’s up to Picard to help out his enemies.
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79) I, Mudd (Star Trek) – The most famous rogue in Star Trek has landed in a great spot — surrounded by beautiful androids who cater to his every whim. Except that he can’t leave.
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78) Remember Me (Star Trek: The Next Generation) – Dr. Crusher is faced with a mystery that gets at her fear of abandonment, but also questions of existence, when people start vanishing around her.
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77) Our Man Bashir (Star Trek: Deep Space Nine) – The goofiest of DS9 episodes (well, one of the goofiest) sees Bashir stuck in a holosuite program where he’s a James Bond-style spy.
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76) Wolf in the Fold (Star Trek) – Mr. Scott is accused of being a serial killer… but the truth is a lot more bizarre.
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75) The Raven (Star Trek: Voyager) – One of the best «Seven of Nine tries to become more human» episodes actually sees her coping with her memories of being part of the Borg.
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74) Living Witness (Star Trek: Voyager) – Hundreds of years after Voyager visit a planet, its crew are remembered as war criminals, as shown in a historical reenactment.
EXPAND
73) Family (Star Trek: The Next Generation) – This episode is revolutionary, purely because it shows the consequences of a big «event» episode — Picard is still shaken by his experiences with the Borg, when he goes home to visit his family.
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72) Who Mourns For Morn (Star Trek: Deep Space Nine) – The barfly who hangs out in Quark’s bar has apparently died, but will Quark really inherit all his worldly goods?
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71) A Piece of the Action (Star Trek) – One of many «visiting Earth’s past on another planet» episodes, this is the funniest and also the most trenchant. Kirk and friends have to outwit a whole planet of gangsters, while teaching them the arcane game of Fizzbin.
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70) Sarek (Star Trek: The Next Generation) – Peter S. Beagle wrote this episode where Spock’s father reappears, and he’s not the Vulcan he used to be — a bittersweet exploration of aging and loss.
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69) What You Leave Behind (Star Trek: Deep Space Nine) – The DS9 finale packs a lot of punches, including the final showdown with the Dominion, and Sisko embracing his destiny.
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68) Tin Man (Star Trek: The Next Generation) – a powerful Betazoid telepath is obsessed with a giant sentient spaceship, but also develops a friendship with Data, the only person whose thoughts he can’t read.
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67) Errand of Mercy (Star Trek) – The first Klingon episode is also the most daring, as Kirk is portrayed as being nearly as warlike as his foes, in the face of godlike pacifist aliens.
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66) Dark Frontier (Star Trek: Voyager) – Seven of Nine starts to remember her past before she became a Borg drone, as Janeway schemes to steal from the Borg.
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65) In Purgatory’s Shadow/By Inferno’s Light (Star Trek: Deep Space Nine) – One of the most shocking of the «Dominion War» storylines, this two-parter reveals a terrible secret about Bashir, and changes the balance of power in the Alpha Quadrant.
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64) The Slaver Weapon (Star Trek: The Animated Series) – Written by Larry Niven, this episode sees the Enterprise crew meeting the Kzinti… and dealing with a self-aware ultimate weapon.
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63) Assignment: Earth (Star Trek) – Kirk and Spock go back to the 1960s, but they’re not the only interloper. This was the «backdoor pilot» for a spin-off show that never happened, but it’s still bizarrely entertaining in its own right.
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62) Cause and Effect (Star Trek: The Next Generation) – The one where the Enterprise keeps blowing up over and over. The most explosive, bewildering time loop ever.
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61) Course: Oblivion (Star Trek: Voyager) – These alternate versions of a starship crew aren’t evil — just very, very fragile. This is one of those episodes whose nihilism makes it almost like a weird dream.
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60) Shore Leave (Star Trek) – One of the goofiest original-series episodes also has a major dark side, as the crew arrives on a planet where anything they imagine can become real. Anything.
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59) The Quickening (Star Trek: Deep Space Nine) – Dr. Bashir’s miracle-worker image faces an extra challenge when he faces a genetically-engineered plague.
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58) Dagger of the Mind (Star Trek) – In the Federation’s utopian future, the rehabilitation of criminals is much more humane. Much, much more humane. The psychological cruelty in this one is actually pretty intense.
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57) The Sound of Her Voice (Star Trek: Deep Space Nine) – Everybody falls in love with a stranded Starfleet captain who’s sent out a distress call. But can she be saved?
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56) Tuvix (Star Trek: Voyager) – The Voyager crew face another huge ethical conundrum… and arguably, this time they choose wrong.
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55) The Pegasus (Star Trek: The Next Generation) – Riker’s long-buried secret comes to light, and he’s forced to lie to Captain Picard.
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54) Caretaker (Star Trek: Voyager) – Greg Cox argued (in our comments) this is the best first episode of any Trek, and he has a point: it shows Captain Janeway making two tough choices: stranding her crew, and adopting a crew of rebels.
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53) The Conscience of the King (Star Trek) – This episode about a Shakespearean actor who may be a legendary mass murderer is also our first glimpse of the flaws in Trek‘s perfect future.
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52) Relics (Star Trek: The Next Generation) – Old Starfleet engineers never die — they just come back decades later, eager to tinker with another warp engine.
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51) Necessary Evil (Star Trek: Deep Space Nine) – The best of the episodes about the shapeshifting Odo doing detective work, because his digging turns out to reveal some dark secrets.
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50) I Borg (Star Trek: The Next Generation) – Another episode with a guest star who poses a huge ethical question — the Enterprise finds a disconnected Borg drone, and tries to turn him into a weapon.
49) The Wire (Star Trek: Deep Space Nine) – The mysterious Garak finally has to reveal a little bit about his past to his friend Dr. Bashir, to save his life — but which stories are lies, and which ones are true? Or is there really any difference?
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48) The Enterprise Incident (Star Trek) – Kirk and Spock pull an elaborate hustle on the Romulans, in an episode that shows just how unethical our heroes are prepared to be.
47) Perfect Mate (Star Trek: The Next Generation) – Picard falls for a woman (Famke Janssen!) who is destined to marry a warlord in an arranged marriage, and he has to put his feelings aside for the sake of peace.
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46) Blink of an Eye (Star Trek: Voyager) – In yet another high-concept Voyagerouting, the starship appears in the sky over a planet for a relatively brief time, but that’s long enough for it to loom over the life and death of an entire civilization.
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45) Dear Doctor (Enterprise) – Doctor Phlox relates his experience dealing with a plague affecting a relatively primitive planet, which turns out to pose an impossible dilemma.
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44) It’s Only a Paper Moon (Star Trek: Deep Space Nine) – Like «Family,» this is an episode that takes a hard look at the process of recovering from trauma… and doesn’t sugar-coat the truth.
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43) Obsession (Star Trek) – Kirk’s judgment is called into question when he becomes fixated on revenge, showing once again just how dangerous an out-of-control captain can be.
42) Hard Time (Star Trek: Deep Space Nine) – The best of the many «Let’s torture O’Brien» episodes, in which he receives false memories of 20 years of imprisonment.
41) Rocks and Shoals (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko’s crew are stranded on a planet with some of the enemy Jem’Hadar… and the Jem’Hadar’s unquestioning drug-induced loyalty is put to the test, horribly.
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40) In A Mirror Darkly, Parts 1 & 2 (Enterprise) – The best of the «Mirror Universe» sequels, this episode shows us a more unscrupulous version of Jonathan Archer… who’s just inherited a Federation ship from the future.
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39) Journey to Babel (Star Trek) – Most notable for introducing us to Spock’s parents, this episode also shows a Federation diplomatic mission gone horribly wrong.
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38) The Way of the Warrior (Star Trek: Deep Space Nine) – With the Federation facing war with the Dominion, it’s a good thing the Klingons are here to help. Except sometimes your allies can be more dangerous than your enemies.
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37) Lower Decks (Star Trek: The Next Generation) – This episode follows four junior officers aboard the Enterprise, and lets us see the command staff through the eyes of their underlings.
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36) Galileo Seven (Star Trek) – A shuttlecraft full of people is stranded on a planet, and it appears that not all of them can survive. Good thing Spock is in charge, and he has zero hesitation about making the tough call… Right?
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35) Inter Arma Silent Leges (Star Trek: Deep Space Nine) – Bashir has always wanted to play at being a spy… so how does he like doing it in real life? One of the episodes that exposes the terrible underbelly of the Federation.
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34) The Drumhead (Star Trek: The Next Generation) – An Admiral subjects the Enterprise to an inquisition, and starts finding conspiracies behind every bulkhead, providing an object lesson in the dangers of paranoia.
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33) Twilight (Enterprise) – In the future, Archer has dementia, and the human race has lost a devastating war. And both things are equally terrible to behold.
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32) Trials and Tribble-ations (Star Trek: Deep Space Nine) – One of several time-travel episodes, this one sends Sisko’s officers back to the original series episode «The Trouble With Tribbles,» and provides a great love letter to Trek‘s history.
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31) Call to Arms (Star Trek: Deep Space Nine) – This is the one where Sisko makes the tough choices, and a highly symbolic baseball is the only hint of Sisko’s endgame.
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30) Yesteryear (Star Trek: The Animated Series) – Spock travels back in time and saves himself as a young boy on Vulcan, in an episode that reveals a lot about Spock’s life.
29) The Void (Star Trek: Voyager) – When Voyager gets trapped in a pocket space with a bunch of other ships that prey on each other, Janeway has to convince everybody to work together to escape. Janeway’s finest hour.
28) Homefront/Paradise Lost (Star Trek: Deep Space Nine) – Nowadays, everybody trots out the «security versus freedom» question, but DS9 asked it first, and best, with this story of paranoia about shapeshifters in Starfleet.
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27) Where No Man Has Gone Before (Star Trek) – The second Star Trek pilot is the best, facing Kirk with an impossible choice: condemn his friend to death, or risk his entire ship.
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26) The Year of Hell Parts 1 &2 (Star Trek: Voyager) – The luckiest ship in the Delta Quadrant finally has really, really bad luck.
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25) The Offspring (Star Trek: The Next Generation) – Data creates an android daughter for himself, but some miracles are too great to last.
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24) Duet (Star Trek: Deep Space Nine) – Kira suspects that a visiting Cardassian is actually a notorious war criminal, and she’s willing to go to insane lengths to prove it.
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23) The Equinox (Star Trek: Voyager) – Captain Janeway’s determination to uphold Federation principles far from home looks a lot more impressive when you meet another Starfleet crew that compromised, really badly.
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22) Tapestry (Star Trek: The Next Generation) – Picard is dying of an old wound caused by his recklessness, so Q shows him what his life would be like if he’d played it safe.
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21) Arena (Star Trek) – Kirk faces two impossible challenges: making a weapon from scratch, and upholding his values in the face of a murderous Gorn.
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20) Measure of a Man (Star Trek: The Next Generation) – Putting Data on «trial» to see if he’s a person raises fascinating questions, but the best part is Riker’s total ruthlessness as prosecutor.
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19) Yesterday’s Enterprise (Star Trek: The Next Generation) – The Enterprise finds itself in an alternate universe, and restoring the original timeline will come at a high cost.
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18) The Doomsday Machine (Star Trek) – Kirk faces the ultimate weapon, but his real nightmare is an unhinged superior officer taking command of the Enterprise.
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17) The Siege of AR-558 (Star Trek: Deep Space Nine) – Lots of DS9 episodes explored the notion that war is Hell, but this one made it visceral and unforgettable.
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16) Devil in the Dark (Star Trek) – The classic Star Trek scenario: a story in which the «monster» is misunderstood, and ignorant humans are the real danger.
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15) Space Seed (Star Trek) – The only Trek episode to get a movie sequel, this story introduces a suave former dictator who’s a perfect foil for Kirk.
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14) The Corbomite Maneuver (Star Trek) – This episode isn’t named after the villain or the McGuffin, but after Kirk’s cunning gambit — with good reason. Never play poker with Kirk.
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13) Far Beyond The Stars (Star Trek: Deep Space Nine) – Sisko hallucinates he’s a pulp science fiction author writing about the impossible: a black captain named Ben Sisko.
12) Amok Time (Star Trek) – Our first visit to Spock’s homeworld also shows how friendship and cunning are more powerful than mating rituals and ancient traditions.
11) Chain of Command (Star Trek: The Next Generation) – Picard is captured by a ruthless Cardassian torturer — and gets pushed to his limits.
10) Mirror, Mirror (Star Trek) – Meeting alternate crewmembers, including Bearded Spock, is cool — but the fascinating part is seeing our heroes try to pretend to be barbarians.
9) All Good Things (Star Trek: The Next Generation) – The best Q story sees Picard tested at three points in his life, with the whole universe in the balance.
8) The Inner Light (Star Trek: The Next Generation) – Picard lives a whole life on a doomed planet, and becomes a living memorial, with just a flute as souvenir.
7) In the Pale Moonlight (Star Trek: Deep Space Nine) – How far will Sisko go to get the Romulans to join the war? All the way.
6) The Trouble with Tribbles (Star Trek) – The funniest Trek, it also faces Kirk with the most insidious threat: an organism that’s born pregnant.
5) Darmok (Star Trek: The Next Generation) – Quibble about the alien language all you want, this parable of learning to communicate remains powerful.
4) The Visitor (Star Trek: Deep Space Nine) – Jake Sisko has grown old as a famous writer, but he’s willing to give it all up to save his father in the past. Absolutely beautiful.
3) City on the Edge of Forever (Star Trek) – Kirk, Spock and McCoy visit the 1930s, and Kirk faces an impossible choice that proves time travel is heart-breaking.
2) The Best of Both Worlds (Star Trek: The Next Generation) – The Borg turn Picard into their mouthpiece, and our heroes nearly lose.
1) Balance of Terror (Star Trek) – Kirk’s battle of wits with a Romulan is spellbinding, but so is the exploration of prejudice, and the idea that noble people fight on both sides.
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