El otro blog de José Luis

Música, cine, geek life



The Complete Studio Album Collection On Vinyl

Vinilos… Más vinilos…


Half Speeed Mastering – Ghost in the Machine – The Police


Half speeding is an elaborate process whereby the source is played back at half its normal speed and the turntable on the disc cutting lathe is running at 16 2/3 R.P.M. Because both the source and the cut were running at half their “normal” speeds everything plays back at the right speed when the record is played at home.

Ghost in the Machine, released in October 1981, is the fourth studio album by The Police and the first to feature a title in English, which was of course provided by Arthur Koestler’s The Ghost in the Machine, the book that inspired much of the material. The songs were recorded between January and September in 1981, in sessions that took place at Air Studios, in Montserrat, and Le Studio, in Quebec, and were co-produced by Hugh Padgham.

The album reached number one in the UK Albums Chart and number two in the US Billboard 200, spawning three successful singles: Every Little Thing She Does Is Magic, Invisible Sun, and Spirits in the Material World. In the US, however, the song Secret Journey was released as an alternative single to Invisible Sun.

As the band was unable to agree on a picture for the sleeve, cover art for Ghost in the Machine features three red pictographs, digital likenesses of the band members in the style of segmented LED displays, each with a distinctive hair style (from left to right, Andy Summers, Sting with spiky hair, and Stewart Copeland with a fringe).

Number one in six countries and top 6 in five others, sonically (in hindsight) it formed a bridge between their more direct early work and their more ambitious latter direction. In 2000 Q magazine placed Ghost in the Machine at No. 76 in its list of the 100 Greatest British Albums Ever. More recently Pitchfork Media ranked it No. 86 in their list of the 100 Greatest Albums of the 1980s. The album’s cover was ranked at number 45 on VH1’s 50 Greatest Album Covers.

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

1.What is ‘Half-Speed Mastering’?

This is an elaborate process whereby the source is played back at half its normal speed and the turntable on the disc cutting lathe is running at 16 2/3 R.P.M. Because both the source and the cut were running at half their “normal” speeds everything plays back at the right speed when the record is played at home.

2.What are the advantages of Half-Speed Mastering?

The vinyl L.P. is an analogue sound carrier. Therefore the size and shape of the groove carrying the music is directly related to whatever the music is doing at any particular point. By reducing the speed by a factor of two the recording stylus has twice as long to carve the intricate groove into the master lacquer. Also, any difficult to cut high-frequency information becomes fairly easy to cut mid-range. The result is a record that is capable of extremely clean and un-forced high-frequency response as well as a detailed and solid stereo image.

3.Are there any disadvantages?

Only two, having to listen to music at half-speed for hour after hour can be a little difficult at least until I get to hear back the resulting cut when it all becomes worthwhile. The other dis-advantage is an inability to do any de-essing. De-essing is a form of processing the signal whereby the “sss” and “t” sounds from the vocalist are controlled in order to avoid sibilance and distortion on playback. None of the tools I would ordinarily employ on a real-time cut work at half speed as the frequencies are wrong so the offending “sss” does not trigger the limiter and everything is moving so slowly there is no acceleration as such for the de-esser to look out for. This has always been the Achilles heel of half-speed cutting until now (see 6 below).

4.What was the source for this record?

This album was cut from a high-resolution digital transfer from the best known ¼ analogue tape in existence. The tapes were re-played on an Ampex ATR-102 fitted with custom extended bass response playback heads. Only minimal sympathetic equalisation was applied to the transfer to keep everything as pure as possible. Also, as this was an analogue, vinyl only high quality release, I did not apply any digital limiting. This is added to almost all digital releases to make them appear to be loud and is responsible for “the loudness war” and in almost every case is anything but natural and pure sounding.

5.Why could it not be cut ‘all analogue’?

The biggest variable when cutting from tape is the replay machine. Every individual roller in the tape’s path will have a direct effect on the quality of the audio emanating from the machine. In addition to this, there is the issue of the sub 30Hz low-frequency roll off on an advance head disc-cutting tape machine which in effect will come into play at 60 Hz when running at half speed. In addition to this, there are also some unpredictable frequency anomalies in the 35-38 Hz region with analogue tape that will double up at half speed. These are all problems if you want to hear as originally intended the lowest register of the bass end on a recording. There is also the lesser potential problem of tape weave that effectively increases at lower speeds and leads to less high frequency stability and the possibility of minor azimuth errors. Even if these problems could be overcome, the source tapes for this album were encoded with Dolby A noise reduction. Dolby only ever made a very small quantity of half-speed enabled Dolby A cards none of which are available to me. Although the technical team at Abbey Road are more than capable of modifying some spare Dolby A cards for half-speed use, to do so would require an intimate knowledge of the expansion circuit in the card which has never been made available outside of the Dolby Company. Finally, analogue tape becomes degraded with each pass over the replay heads. These tapes are getting old and it is no longer considered good practise to play and play and play precious old original masters for fear of damage and general wear and tear. Far better, then, to eliminate the variable of the reply machine, to decode the Dolby noise reduction correctly and to minimise wear of the master by capturing the music digitally at very high resolution using professional converters locked down with stable external word-clocks. I can completely understand the reasons for the concerns that some people have when cutting classic albums from digital sources. Historically, there have been some horrible digital transfers used as a vinyl cutting source. This has absolutely not been the case with this series. Micro-management of the audio and attention to detail has been the order of the day. Abbey Road has striven to eliminate any digital weaknesses from the signal path in all the rooms in the building. Therefore to capture to high resolution digital from a well maintained Ampex ATR-102 with extended bass heads is a far superior working method in my opinion.

6.Are there any advantages to this working method?

Yes, any problems with the tape can be treated far more accurately digitally than they could be by using traditional analogue techniques. For example de-essing. I can, by clever editing, target just the offending “sss” and leave intact the rest of the audio. Therefore high-hats, bright guitars and snare drums are not affected or reduced in impact. Using an analogue scatter-gun de-esser approach would also trigger the limiter in many parts of the audio that do not need to be worked on. The de-esser cannot tell a bright guitar from bright vocal and will smooth everything out leading to dull guitars or soft snare drums and weak hi-hats. Targeting the “sss” sounds in the vocal as I have done in this series is time consuming but is worthwhile in the pursuit of the very best possible sounding record. Also if there was any damage to the analogue tape (drop-outs and clicks for example) this can by and large be restored using modern digital methods in a way that is unobtrusive and this would be impossible using analogue methods. For the record, none of the albums in this series have been de-noised. Only clicks and drop-outs have been repaired.

Miles Showell – Mastering Engineer, Abbey Road

Otras ediciones en Half Speed mastering en Abbey Road:

New Gold Dream is the fifth album by the celebrated Caledonian rockers. Released in 1982, it is widely considered to be a turning point for the band, a bridge between their post punk roots and stadium-filling destiny, and gathered enormous critical acclaim as well as impressive sales. Listed in the estimable tome ‘1001 Albums You Must Hear Before You Die’ New Gold Dream was a discernible move toward a more a commercial sound and it entered the UK chart at number 3, yielding the hit singles Promised You a Miracle and Glittering Prize.

The latter track and the synth-heavy Someone Somewhere in Summertime in particular represented a shift towards undisguised pop and it’s also worth noting that Hunter and Hunted features a solo by Jazz keyboardist Herbie Hancock, a rare distinction for any rock/pop album.

“Every band or artist with a history has an album that’s their holy grail,” remarked lead singer Jim Kerr. “I suppose New Gold Dream was ours. It was a special time because we were really beginning to break through with that record, both commercially and critically. The people that liked that record connected with it in a special way. There was a depth to it: it created its own mythology. It stood out.”

The artwork caused quite stir due to its religious imagery, so much so that on the version released in Yugoslavia, the cross was removed. Jim Kerr reflected “[During the writing of the album] we often went for walks. Around Perth you find a lot of Celtic crosses, crosses that seem to spring up from the earth. We thought it was a very powerful symbol. They were in the ground which produced the water we drank, so why not?”

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

180gm double LP, replica VERY LIMITED first pressing packaging with additional ‘obi strip’. Includes 12 original postcards photographed by Norman Seeff.

Album photography and concept by Robert Frank. Original colour printed inner sleeves.

Exile On Main Street was released in 1972 and was The Rolling Stones’ 10th studio album. While some tracks dated from the sessions for their previous long player, ‘Sticky Fingers’, the rest were recorded in the basement of Nellcôte, a mansion leased by Keith Richards in the south of France after the band had found it expedient to leave Britain for tax reasons.

Although first received with mixed, hesitant reviews, ‘Exile…’ reached number one in the UK and the US, where it has also achieved platinum status and is now widely regarded as one of the group’s very best records. With Jagger’s vocals low in the mix and the sessions notorious for many participants’ prodigious use of narcotics and booze, the album should have been set-up for failure. Even Bill Wyman struggled amongst the chaos and therefore only featured on backing vocals on eight of its 18 tracks. Instead, the results were so powerful and enduring that the album eventually ended up at Number 7 on Rolling Stones Magazine’s Top 500 albums of all time.

The sleeve is famous for the collage of images taken from Robert Frank’s 1958 book ‘The Americans’. Characters used in the artwork include Joe Allen, “The Human Corkscrew”, a renowned contortionist from the 1950s and, perhaps most famous of all, Three Ball Charlie. Three Ball Charlie was a man able to fit a tennis ball, a golf ball, and a “5” billiard ball simultaneously in his mouth – a remarkable feat – and his image is the one that many people associate most readily with this unimpeachable rock classic.

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

Released in 1967, Disraeli Gears is the second studio album by the first rock ‘supergroup’ Cream (Eric Clapton, Jack Bruce and Ginger Baker) and the name of the album famously came from a malapropism. During a conversation about racing bikes, one of their roadies, a certain Mick Turner, made reference to Disraeli gears instead of Derailleur gears, which was greeted with hilarity and the group decided to use that as the title of the album.

Something of a departure from their blues roots, Disraeli Gears perfectly captured the mood of the period with a powerful array of psychedelic rockers, reached number 5 in the UK Charts and was Cream’s breakthrough release in the US, hitting number 4 in the Billboard 200. It was all recorded in three and a half days at Atlantic Studios, New York, in the presence of Atlantic Records (to whom they were signed in the US) boss Ahmet Ertegun, following nine shows as part of the Music in the 5th Dimension concert series. Their work visas expired on the last day of recording.

The sleeve was designed by Australian artist Martin Sharp, who lived in the same building as Eric Clapton, The Pheasantry in Chelsea. Sharp also co-wrote the lysergic tour-de-force Tales Of Brave Ulysses with Clapton and described the music on the album as a “warm fluorescent sound”. His artwork was an attempt to represent this visually and is acknowledged to be one of the finest ‘acid rock’ designs of the era.

The original cut for this record was half speed mastered at Abbey Road Studios.

Pink Floyd The Early Years 1965 – 1972. Todos los detalles de la edición.


Nota de Prensa Oficial:


Detalle de lo que contendrá esta mastodóntica edición. Os recomiendo consultar este .pdf con el listado completo de los contenidos. En el archivo en .pdf se lee mucho mejor que en el propio post, en el cual sólo he reproducido la información sin maquetar.


La caja cubre un período interesantísimo en la historia de Pink Floyd ya que va desde los comienzos hasta justo antes la publicación de “Dark Side of the Moon”. Un período que no había estado suficientemente cuidado ya que las cajas de IMMERSE dieron un tratamiento de lujo para DSOTM, WYWH y The Wall pero no para este período.

Es de agradecer esta edición, que contiene verdaderas joyas sonoras y visuales.

Supongo que después del “shock inicial” todos estamos pensando lo mismo. Para cuando este tratamiento de lujo para “Animals”.

Hay una página en FB que lo reivindica…

We want: Pink Floyd “Animals” Immersion Box Set

‘THE EARLY YEARS 1965-1972’
†previously unreleased

CD 1:
1965 Recordings*: 1. Lucy Leave* 2.57
2. Double O Bo* 2.57
3. Remember Me* 2.46
4. Walk With Me Sydney* 3.11
5. Butterfly* 3.00
6. I’m A King Bee* 3.13
7. Arnold Layne 2.57
8. See Emily Play 8.57
9. Apples And Oranges 3.05
10. Candy And A Currant Bun 2.45
11. Paintbox 3.48
12. Matilda Mother (2010 mix) 4.01
13. Jugband Blues (2010 mix)† 3.01
14. In The Beechwoods (2010 mix)† 4.43
15. Vegetable Man (2010 mix)† 2.32
16. Scream Thy Last Scream (2010 mix)† 4.43
Total: 50 mins, 32 secs approx.
Tracks 1-11 mono.
Tracks 12-16 stereo
*including Rado Klose on guitar and Juliette Gale on vocals on ‘Walk With Me Sydney’
CD 2:
Live in Stockholm 1967: 1. Introduction† 0.25
2. Reaction in G† 7.18
3. Matilda Mother† 5.34
4. Pow R. Toc H.† 11.56
5. Scream Thy Last Scream† 4.00
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 7.17
7. See Emily Play† 3.16
8. Interstellar Overdrive† 8.57
Please note: the above tracks feature vocals recorded at a less than optimum level
John Latham (studio recordings 1967)
9. John Latham Version 1† 4.32
10. John Latham Version 2† 5.06
11. John Latham Version 3† 3.45
12. John Latham Version 4† 2.59
13. John Latham Version 5† 2.48
14. John Latham Version 6† 3.17
15. John Latham Version 7† 2.36
16. John Latham Version 8† 2.49
17. John Latham Version 9† 2.38
Total: 79 mins, 13 secs approx.
Tracks 1-8 recorded live Sept 10, 1967 at Gyllene Cirkeln, Stockholm, Sweden
Tracks 9-17 recorded at De Lane Lea Studios, London, 20 October 1967
All tracks stereo
1. Chapter 24: Syd Barrett in the Gog Magog Hills, Cambridgeshire, UK 1966 / Pink Floyd at EMI Studios, London, April 1967 3.40
2. Nick’s Boogie†: recording Interstellar Overdrive and Nick’s Boogie at Sound Techniques Studio, Chelsea, January 11, 1967 / 6.36
Live at UFO, The Blarney Club, London, January 13, 1967
3. Interstellar Overdrive: ‘Scene – Underground’ UFO at The Blarney Club, London, January 27, 1967 4.15
4. Arnold Layne: promo video. Wittering Beach, UK, early 1967 2.54
5. Pow R. Toc H. / Astronomy Domine: plus Syd Barrett and Roger Waters interview: BBC ‘The Look Of The Week’ – BBC Studios, 9.22
London, May 14, 1967
6. The Scarecrow: ‘Pathé Pictorial’, UK, July 1967 2.05
7. Jugband Blues: ‘London Line’ promo video, 1967, London 2.58
8. Apples And Oranges: plus Dick Clark interview: ‘American Bandstand’, Los Angeles, USA, November 7, 1967 4.51
9. Instrumental Improvisation†: BBC ‘Tomorrow’s World’, London, December 12, 1967 2.11
10. Instrumental Improvisation†: ‘Die Jungen Nachtwandler’, UFO, The Blarney Club, London, February 24, 1967 4.32
11. See Emily Play: BBC ‘Top Of The Pops’ – partially restored BBC Studios, London, July 6, 1967 2.55
12. The Scarecrow (outtakes): ‘Pathé Pictorial’, UK, July 1967 2.07
13. Interstellar Overdrive: ‘Science Fiction – Das Universum Des Ichs’, The Roundhouse, London, 1967 9.33
Total: 57 mins, 59 secs approx.

1. Point Me At The Sky 3.40
2. It Would Be So Nice 3.46
3. Julia Dream 2.34
4. Careful With That Axe, Eugene (single version) 5.46
5. Song 1, Capital Studios, Los Angeles, 22 August 1968† 3.19
6. Roger’s Boogie, Capitol Studios, Los Angeles, 22 August 1968† 4.35
BBC Radio Session, 25 June 1968:
7. Murderotic Woman (Careful With That Axe, Eugene) † 3.38
8. The Massed Gadgets Of Hercules (A Saucerful Of Secrets) † 7.18
9. Let There Be More Light† 4.32
10. Julia Dream† 2.50
BBC Radio Session, 20 December 1968:
11. Point Me At The Sky† 4.25
12. Embryo† 3.13
13. Interstellar Overdrive† 9.37
Total: 59 mins, 14 secs approx.
‘Tienerklanken’, Brussels, Belgium, 18-19 February 1968: 22.28
1. Astronomy Domine
2. The Scarecrow
3. Corporal Clegg
4. Paintbox
5. Set The Controls For The Heart Of The Sun
6. See Emily Play
7. Bike
8. Apples And Oranges: ‘Vibrato’, Brussels, Belgium, February 1968 3.03
‘Bouton Rouge’, Paris, France, 20 February 1968: 13.35
9. Astronomy Domine
10. Flaming
11. Set The Controls For The Heart Of The Sun
12. Let There Be More Light
13. Paintbox: ‘Discorama’, Paris, France, 21 February 1968 3.40
14. Instrumental Improvisation†: ‘The Sound Of Change’, London, UK, March 1968 2.15
15. Set The Controls For The Heart Of The Sun: ‘All My Loving’, London, UK, 28 March 1968 2.40
16. It Would Be So Nice (excerpt): ‘Release-Rome Goes Pop’, Rome, Italy, April 1968 1.21
17. Interstellar Overdrive: ‘Pop 68’, Rome, Italy, 6 May 1968 6.59
‘Tienerklanken – Kastival’, Kasterlee, Belgiu, 31 August 1968: 3.48
18. Astronomy Domine
19. + Roger Waters interview
‘Samedi et Compagnie’, Paris, France, 6 September 1968: 5.31
20. Let There Be More Light
21. Remember A Day
22. Let There Be More Light: ‘A L’Affiche du Monde’, London, UK, 1968 1.53
‘Tous En Scene’, Paris, France, 21 October 1968: 6.39
23. Let There Be More Light
24. Flaming
25. Let There Be More Light: ‘Surprise Partie’, Paris, France, 1 November 1968 6.35
26. Point Me At The Sky: Restored promo video, UK, 1968 3.19
Total: 84 mins, 18 secs approx..

CD 1:
‘More’ album non-album tracks 1. Hollywood (non-album track) † 1.21
2. Theme (Beat version) (Alternative version) † 5.38
3. More Blues (Alternative version) † 3.49
4. Seabirds (non-album track) † 4.20
5. Embryo (from ‘Picnic’, Harvest Records sampler) 4.43
BBC Radio Session, 12 May 1969:
6. Grantchester Meadows† 3.36
7. Cymbaline† 3.38
8. The Narrow Way† 4.48
9. Green Is The Colour† 3.21
10. Careful With That Axe, Eugene† 3.26
Live at the Paradiso, Amsterdam, 9 August 1969:
11. Interstellar Overdrive† 4.20
12. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 12.25
13. Careful With That Axe, Eugene† 10.09
14. A Saucerful Of Secrets† 13.03
Total: 68 mins, 50 secs approx.
CD 2:
Part 1: ‘The Man’, Amsterdam, 17 September 1969
1. Daybreak (Grantchester Meadows)† 8.14
2. Work† 4.12
3. Afternoon (Biding My Time)† 6.39
4. Doing It† 3.54
5. Sleeping† 4.38
6. Nightmare (Cymbaline)† 9.15
7. Labyrinth† 1.10
Part 2: ‘The Journey’, Amsterdam, 17 September 1969
8. The Beginning (Green Is The Colour)† 3.25
9. Beset By Creatures Of The Deep (Careful With That Axe, Eugene)† 6.27
10. The Narrow Way, Part 3† 5.11
11. The Pink Jungle (Pow R. Toc H.)† 4.56
12. The Labyrinths Of Auximines† 3.20
13. Footsteps / Doors† 3.12
14. Behold The Temple Of Light† 5.32
15. The End Of The Beginning (A Saucerful of Secrets)† 6.31
Total: 76 mins, 36 secs approx..
‘Forum Musiques’, Paris, France, 22 January 1969: 19.25
1. Set The Controls For The Heart Of The Sun
David Gilmour interview
2. A Saucerful Of Secrets
3. ‘The Man’ and ‘The Journey’: Royal Festival Hall, London, rehearsal, April 14, 1969: 14.05
Afternoon (Biding My Time)
The Beginning (Green Is The Colour)
Beset By Creatures Of The Deep†
The End Of The Beginning (A Saucerful Of Secrets)
Essencer Pop & Blues Festival, Essen, Germany, October 11 1969: 19.14
4. Careful With That Axe, Eugene
5. A Saucerful Of Secrets
Music Power & European Music Revolution, Festival Actuel, 27.53
Amougies Mont de l’Enclus, Belgium, 25 October 1969:
6. Green Is The Colour
7. Careful With That Axe, Eugene
8. Set The Controls For The Heart Of The Sun
9. Interstellar Overdrive with Frank Zappa 11.26
Total: 71 mins, 14 secs approx.

CD 1:
1. Atom Heart Mother live in Montreux, 21 Nov 1970† 17.58
BBC Radio Session, 16 July 1970:
2. Embryo† 11.10
3. Fat Old Sun† 5.52
4. Green Is The Colour† 3.27
5. Careful With That Axe, Eugene† 8.25
6. If† 5.47
7. Atom Heart Mother† with choir, cello & brass ensemble 25.30
Total: 78 mins, 8 secs approx.
CD 2:
Unreleased tracks from the ‘Zabriskie Point’ soundtrack recordings:
1. On The Highway† 1.16
2. Auto Scene Version 2† 1.13
3. Auto Scene Version 3† 1.31
4. Aeroplane† 2.18
5. Explosion† 5.47
6. The Riot Scene† 1.40
7. Looking At Map† 1.57
8. Love Scene Version 7† 5.03
9. Love Scene Version 1† 3.26
10. Take Off† 1.20
11. Take Off Version 2† 1.12
12. Love Scene Version 2† 1.56
13. Love Scene (Take 1)† 2.16
14. Unknown Song (Take 1)† 5.56
15. Love Scene (Take 2)† 6.40
16. Crumbling Land (Take 1)† 4.09
17. Atom Heart Mother† Early studio version, band only 19.15
Total: 67 mins, 9 secs approx.
DVD 1:
An Hour with Pink Floyd:
KQED, San Francisco, USA, 30 April 1970:
1. Atom Heart Mother 17.37
2. Cymbaline 8.38
3. Grantchester Meadows 7.37
4. Green Is The Colour 3.31
5. Careful With That Axe, Eugene 9.09
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun 12.37
Total: 59 mins, 9 secs approx.
Audio only:
Atom Heart Mother album original 4.0 Quad mix 1970:
7. Atom Heart Mother 23.42
8. If 4.31
9. Summer ’68 5.29
10. Fat Old Sun 5.24
11. Alan’s Psychedelic Breakfast 13.01
Total: 52 mins, 7 secs approx.
DVD 2:
‘Pop Deux – Festival de St. Tropez’, France, 8 August 1970:
Part 1:
1. Cymbaline (sound check) 3.54
2. Atom Heart Mother 13.46
3. Embryo 11.23
Part 2:
4. Green Is The Colour/
5. Careful With That Axe, Eugene 12.21
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun 12.07
Roland Petit Ballet, Paris, France, 5 December 1970:
7. Instrumental Improvisations 1,2,3† live in the studio 3.28
8. Embryo 2.39
Blackhill’s Garden Party, Hyde Park, London, UK, 18 July 1970:
9. Atom Heart Mother with the Philip Jones Brass Ensemble/John Alldis Choir 21.15
Total: 80 mins, 53 secs approx.
All DVD content is included on one blu-ray.

1. Nothing Part 14 (Echoes work in progress) † 7.01
BBC Radio Session, 30 September 1971:
2. Fat Old Sun† 15.33
3. One Of These Days† 7.19
4. Embryo† 10.43
5. Echoes† 26.25
Total: 67 mins 1 sec approx.
‘Aspekte’ feature 9.51
1. Interview + Atom Heart Mother (extracts)
Hamburg, Germany, 25 February 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
2. A Saucerful Of Secrets (extract)
Offenbach, Germany, 26 February 1971
‘Cinq Grands Sur La Deux’ 17.55
Abbaye de Royaumont, Asnierès-sur-Oise, France,
15 June 1971
3. Set The Control For The Heart Of The Sun
4. Cymbaline
5. Atom Heart Mother (extract) 3.12
‘Musikforum Ossiachersee’, Ossiach, Austria,
1 July 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
‘Get To Know’ 6.23
Randwick Race Course, Sydney, Australia,
15 August 1971
6. Careful With That Axe, Eugene
Band interview
’24 hours – Bootleg Records’, London, UK, 1971
7. Documentary including Pink Floyd 2.27
and manager Steve O’Rourke
‘Review’, London, UK, 1971 3.37
8. Storm Thorgerson & Aubrey ‘Po’ Powell
interviewed re: record cover design
9. One of These Days (‘French Windows’) 4.17
Ian Emes animation created July 1972,
Birmingham, UK
10. Atom Heart Mother (extract, in colour): 5.10
‘Musikforum Ossiachersee’, Ossiach, Austria,
1 July 1971
Brass & Choir conducted by Jeffrey Mitchell
11. Atom Heart Mother: ’71 Hakone Aphrodite 15.11
Open Air Festival, Hakone, Japan,
6-7 August 1971
Total: 68 mins 3 secs approx..
Audio-only material:
1. Echoes original 4.0 Quad mix 1971 23.35
Obscured By Clouds 2016 Remix
1. Obscured By Clouds† 3.03
2 When You’re In† 2.31
3 Burning Bridges† 3.30
4 The Gold It’s In The… † 3.07
5 Wot’s…Uh The Deal† 5.09
6 Mudmen† 4.18
7 Childhood’s End† 4.33
8 Free Four† 4.16
9 Stay† 4.06
10 Absolutely Curtains† 5.52
Total 40 mins 25 secs approx.
Recording Obscured by Clouds, Château d’Hérouville,
France, 23-29 February 1972
1. Wot’s…Uh The Deal: with recording session photos 5.04
2. Pop Deux: Documentary recording Obscured By Clouds 7.14
+ David Gilmour and Roger Waters interview
Brighton Dome, UK, 29 June 1972 16.44
3. Set The Controls For The Heart Of The Sun
4. Careful With That Axe, Eugene
Roland Petit Pink Floyd Ballet, France, news reports 1972-73
5. Actualités Méditerranée, Marseille, 22 November 1972 3.29
6. JT Nuit – Les Pink Floyd, Marseille, 26 November 1972 3.04
7. JT 20h – Pink Floyd, Paris, 12 January 1973 3.01
8. Journal de Paris – Les Pink Floyd, Paris, 12 January 1973 5.03
9. Poitiers – Autour Du Passage Des Pink Floyd 4.27
Concert set up news report – France, 29 November 1972
Live At Pompeii (with 2016 5.1 Audio Remix)
10. Careful With That Axe, Eugene 6.40
11. A Saucerful Of Secrets 10.09
12. One Of These Days 5.58
13. Set The Controls For The Heart Of The Sun 10.24
14. Echoes 26.10
Total: 107 mins 27 secs approx..

BBC Radio Session, 25 September 1967:
1. Flaming† 2.42
2. The Scarecrow† 1.59
3. The Gnome† 2.08
4. Matilda Mother† 3.20
5. Reaction in G† 0.34
6. Set The Controls For The Heart Of The Sun† 3.19
BBC Radio Session, 20 December 1967:
7. Scream Thy Last Scream† 3.35
8. Vegetable Man† 3.07
9. Pow R. Toc H.† 2.45
10. Jugband Blues† 3.50
BBC Radio Session, 2 December 1968:
11. Baby Blue Shuffle In D Major† 3.58
12. Blues† 4.59
13. US Radio ad 0.22
14. Music from The Committee No. 1 1.06
15. Music from The Committee No. 2 3.25
16. Moonhead† 7.16
live on 1969 BBC TV moon landings broadcast
17. Echoes† 24.10
live at Wembley 1974
Total: 72 mins 35 secs approx.
DVD/Blu-ray 1:
1. Arnold Layne (Alternative version) 2.56
Hampstead Heath and St. Michael’s Church,
Highgate, London, UK, March 1967
2. ‘P1 – P wie Petersilie’ 16.52
Stuggart, Germany, 22 July 1969
Corporal Clegg
Band interview
A Saucerful of Secrets
3. Atom Heart Mother 3.46
‘Bath Festival of Blues & Progressive Music’,
Shepton Mallet, UK, 27 June 1970
4. ‘Kralingen Music Festival’ 10.16
Rotterdam, The Netherlands, 28 June 1970
Set The Controls For The Heart Of The Sun
A Saucerful Of Secrets
5. ‘The Amsterdam Rock Circus’ 35.41
Amsterdam, The Netherlands, 22 May 1972
Atom Heart Mother
Careful With That Axe, Eugene
A Saucerful Of Secrets
The Committee – (Feature Film) 55.18
Score by Pink Floyd
Total: 124 mins 49 secs approx.
DVD/Blu-ray 2:
‘More’ feature film 1.56.00
‘La Vallée’ (Obscured By Clouds) feature film 1.45.00
Total: 3 hours 41 mins approx.

— Arnold Layne C/W Candy And A Currant Bun
— See Emily Play C/W The Scarecrow
— Apples And Oranges C/W Paintbox
— It Would Be So Nice C/W Julia Dream
— Point Me At The Sky C/W Careful With That Axe, Eugene

También se editará un CD doble de resumen de la caja que se convertirá en el peor regalo posible para estas Navidades para cualquier fan de Pink Floyd. El “querer y no poder” más recalcitrante y frustrante.

Ya ha llegado la copia del Jack White’s Lazaretto UltraLP

Ya ha llegado la copia del Jack White’s Lazaretto UltraLP

La compré en un “bundle” con Blunderbuss, que ya tenia. Pero este era en vinilo azul.

​Lo cierto es que el precio era muy bueno. Lo compré el 9 de Junio en POPMARKET, lo enviaron el 1 de julio y llegó ayer. Todo un viaje.

Pues aquí ha llegado… Señores, qué embalaje.. Algo ciertamente es-pec-ta-cu-lar!!.. Caja tamaño pizza gigante, muchísimas capas de cartón para que te todo vaya bien…

Os dejo unas fotos que hablan por si mismas.

la foto 1 la foto 2 la foto 3 la foto 4 la foto 5

Selección Jäger: la 10 mejores tiendas de discos de España

Selección Jäger: la 10 mejores tiendas de discos de España

La música está en crisis, pero las tiendas de discos siguen una lucha feroz para seguir ofreciendo calidad y atrevidas iniciativas para los clientes más exigentes. Y las mejores resisten

Por: Aïda Camprubí, miércoles 18 de diciembre de 2013Selección Jäger: la 10 mejores tiendas de discos de España | PlayGround | Articulos Musica

Desde Dead Moon Records a Flexidiscos en Valencia o la mítica Escridiscos de Madrid, la especializada Discos Paradiso, o Bora-Bora y Honky Tonk, negocios de venta de música que si sois aficionados asiduos, no os podéis perder.

Es un hecho irrefutable que las tiendas de discos son unos espacios preciosos, con encanto: elementos activos del epicentro cultural que tristemente se han visto afectadas por la crisis económica y las nuevas vías de consumo musical por internet. Pero no todo el sector está en decadencia, los tiempos difíciles han ayudado a florecer nuevas e interesantes propuestas y han reforzado los negocios pioneros que han sabido mantenerse a flote con los medios que tienen al alcance, gracias a sus ideales auténticos. Debemos potenciar esta escena y respaldar a las tiendas de discos, que son parte del legado cultural actual y por este motivo hemos decidido lanzar este artículo con espacios que no os podéis perder si alguna vez visitáis estas ciudades.

¿Por qué debemos seguir comprando? Seguramente os habréis fijado que cada vez más sobresale un nuevo modelo de negocio dentro de las tiendas de discos. Ya no son sólo un espacio de compra-venta, sino que representan un punto de encuentro para la escena, son lanzaderas de sellos minoritarios o especializados, espacios de descubrimiento e incluso se posicionan como una alternativa a las duras condiciones de las salas de conciertos, potenciando cada vez más los directos en pequeño formato. También podemos encontrar en ellas, no sólo discos, sino también libros, cómics, serigrafías, merchandising y todo tipo de objetos artísticos. Para los musicólogos, artistas y aficionados, son un oasis en medio de la metrópolis. Y no queremos que desaparezcan.

Jägermeister ha decidido implicarse a fondo con la movida, y hace sus primeros pinitos participando en negocios como la recién estrenada Dead Moon Records –con un corner la mar de visible y cuidado–, una tienda especializada en Barcelona, que hará las delicias de los melómanos de la ciudad. Esta y muchas otras son las iniciativas que debéis visitar si alguna vez tenéis el placer de encontraros cerca. Aquí os presentamos una pequeña selección, en la que seguro faltaran algunas de vuestras favoritas, pero sin duda representan diez de las más emblemáticas, tanto nuevas como viejas.

Dead Moon (C/ de la Lluna 10A, 08001 Barcelona)


De las cenizas de Luchador, nace Dead Moon Records, una tienda de discos especializada, situada en el centro de Barcelona. Está regentada por los personajes detrás del sello Boston Pizza Records, miembros de bandas como Wind Atlas, Sons Of Woods y Destroyed Room, prueba más que suficiente de su exquisito y prolífico gusto musical. Su intención es que los visitantes descubran nuevos géneros musicales, y por este motivo muchos de los discos expuestos llevan una pequeña descripción hecha con mimo. Además de las propuestas más habituales en el panorama alternativo, en ella podéis encontrar discos de los sellos Blind Prophet, Dais, Minimal Wave, Dark Entries o La Vida Es un Mus.

Discos Bora-Bora (Plaza Universidad 1 Local 7, 18001 Granada)


He aquí una joven y fresca aportación al negocio. Abierta recientemente en 2012, Discos Bora-Bora en Granada potencia al máximo las oportunidades que ofrece una tienda de música. Además de vender discos de indie, rock, folk, country, soul, jazz, reggae, electrónica e incluso bandas sonoras, entre muchas variedades más, ejerce también como espacio de conciertos. ¡Y tienen su propio canal de Youtube! Donde podéis disfrutar de los directos de bandas como Tachenko, I AM DIVE, Alondra Bentley, Matthew Caws, etc. Además su espacio se encuentra muy cerca del bar regentado por Eric Jiménez de Los Planetas, y él mismo se encarga de visitar asiduamente la tienda y elegir una selección de discos que luego expone en su establecimiento.

Discos Paradiso (C/ Ferlandina 39, 08001 Barcelona)


Discos Paradiso es la tienda de electrónica por excelencia en Barcelona, con una amplia selección de vinilo de segunda mano y cubetas especializadas en género adyacentes (rock experimental, disco music, etc.). Abierta en 2010, en ella puedes encontrar una amplia selección de lo mejor en tendencias digitales, pero también un gran abanico de free jazz, hip hop, afro-beat, música cubana y propuestas experimentales., tanto novedades como segunda mano. Es otro ejemplo claro de un nuevo modelo de negocio, donde se mezcla la venta de discos y vinilos con eventos en directo desde la tienda. Cada martes podéis disfrutar de una serie de streamings bajo el título de “El Mostrador”. Además algún que otro concierto en directo durante los fines de semana. Por su local han pasado figuras nacionales de la talla de JohnTalabot y Ángel Molina.

Café Molar (C/ de la Ruda 19, 28005 Madrid)


He aquí otra iniciativa con carisma y preparada con cariño. Café Molar es un centro donde converge música, literatura, cómics y gastronomía para crear un espacio muy particular, donde además de comprar, puedes descansar, iniciar una tertulia o asistir a una de las múltiples presentaciones de libros, discos y arte que convergen en la tienda. Una nueva manera de entender la exclusividad, lejos de dedicarse a un concepto en concreto, los explotan en conjunto para crear una experiencia única.

Flexidiscos (Plaza Baro de Cortes 2 Bajo Izq., 46006 Valencia)


Otra de las propuestas que nos tiene alucinados. Este local de Valencia capital abierto en 2011 está regentado por un cuarteto de músicos de cabo a rabo que se las arreglan siguiendo un modelo de gestión asambleario. Además de ser los organizadores de multitud de conciertos de la zona, tocan activamente en bandas como Cuello, Las Rodilleras, Antiguo Régimen y Zanussi, para nombrar algunas. Como no podría ser menos su gusto musical es exquisito y ofrecen propuestas independientes de hardcore, punk, industrial, electrónica y rock de los 60, 70 y 80, además de cassettes, fanzines, serigrafías y todo tipo de merchandasing, ejerciendo de fuerte soporte a la escena local.

Honky Tonk (C/ del Falperra 18, 36202 Vigo)


Esta tienda nacida de la fructífera escena de Vigo, abrió sus puertas en 1997 para ofrecer a los melómanos y aficionados de la zona un catalogo lleno de una amplia variedad de estilos, desde los más clásicos a los más actuales, sin obviar las propuestas de los géneros más anárquicos. Prestan batalla a las descargas de internet ofreciendo ediciones especiales, descatalogadas o de coleccionista. Tienen una sección con conciertos y eventos recomendados, con la posibilidad de adquirir allí mismo las entradas. Además informan a sus clientes mediante una completa newsletter y tienen una sección, “Girando en Honky Tonk” donde te cuentan que está sonando en la tienda estos últimos días. ¡Un planteamiento la mar de interesante!

Escridiscos (C/ de las Navas de Tolosa 4, 28013 Madrid)


Escridiscos es una reliquia exhibida en medio de la metrópolis. Se trata de una de las tiendas de música más antiguas de la capital, inaugurada en 1977 y que aún continua en funcionamiento con un catalogo con más de 8000 títulos en formato LP, además de EP y discos varios. Nació en el auge de la new wave inglesa y fue una de las primeras en exportar discos británicos. Se glorifica por ser el epicentro de la movida madrileña de la época, pero actualmente además de estos resquicios, también podemos encontrar propuestas más sixties, oldies, de blues, soul y de las muchas facetas del pop.

Bloody Mary (C/ Cipriano Larrañaga 9, 20302 Irún)


Bloory Mary se posiciona como una de las propuestas más auténticas de la provincia de Guipúzcoa, implantada en el sector desde 1990, se encarga de facilitar una oferta especializada en estilos como el garage, surf, hardcore, rockabilly y algunos derivados del blues. Lejos de las modas pasajeras, está aquí para quedarse y lo demuestra desbancándose de internet, seleccionando discos y piezas que no pueden encontrarse con facilidad y buscando ediciones de coleccionista, exclusivamente en los distintos formaros del vinilo. Tiendas como esta demuestran la pasión que genera el coleccionismo de vinilos y esperamos que perdure por lo menos 13 años más.

Wah Wah (C/ de Riera Baixa 14, 08001 Barcelona)


Abierta en 1992, es uno de los locales con más encanto para los coleccionistas de vinilos. Su sello diferencial es la calidad de sus propuestas, casi todo rarezas y primeras ediciones de psicodelia, rock progresivo, rockabilly, surf, new wave, garage, jazz, blues, soul, funk y lo más trillado de la escena alternativa actual. Es preciso visitarla con la mente abierta y dispuesto a rebuscar durante un par de horas entre la gran pila de discos que ofrecen, dejándose seducir sin prejuicios por toda clase de géneros y estilos que ofrecen a manos llenas. Ideal para fetichistas musicales, porque curiosidades las hay a montones.

Radiocity Discos (C/ Conde Duque 14, 28015 Madrid)


Un espacio agradable donde perderse cualquier tarde paseando por Madrid. Con una decoración cálida y acogedora, esta tienda invita a entrar y a disfrutar de un buen rato revisando sus discos principalmente dedicados al garage, pop, surf, clásico r’n’r y algunos de los derivados del hardcore-punk. Su mantra reza que más vale calidad que cantidad, y han diseñado el espacio perfecto para que disfrutes de sus finas selecciones de álbumes, pero ¡Ojo! Avisados estáis que si entráis a curiosear, podéis perder la noción del tiempo.

Brinkmann Balance | Sarte Audio Elite


Brinkmann Balance

La quinta esencia del High End alemán

El origen inequívocamente anglosajón de lo que conocemos como Audio High End no quita que, en los últimos 10 años, se hayan producido cambios en un mercado que ha experimentado como pocos –para bien y para mal- el irresistible empuje de las nuevas tendencias en el consumo de música grabada, hasta el punto de que EE.UU. y el Reino Unido han tenido que compartir su liderazgo con otros países. Por otro lado, existe a escala mundial un núcleo duro de aficionados que sienten auténtica devoción por el vinilo y empresas –como la nuestra- que han creído siempre en el más entrañable y, en muchos aspectos, musical de los formatos de audio. Y también hay países en los que lo clásico, lo tradicional ha salido mejor parado del “tsunami” digital y de Internet que en otros. Es el caso de Alemania, tradicional superpotencia en lo que a pasión por la música culta se refiere y, desde hace ya una década, verdadera caja de sorpresas en cuanto a fabricantes de componentes de audio de muy alto nivel. Fabricantes pequeños en su mayoría, pero muy comprometidos con su trabajo, hiperespecializados en términos de fabricación y sorprendentemente sofisticados en lo que a conceptos y soluciones tecnológicas se refiere.

En suma, lo mejor del rigor industrial y la pasión por las cosas bien hechas que forma parte de Alemania aplicado, en este caso, a la reproducción de la música grabada. Uno de dichos fabricantes es Brinkmann, fundada y dirigida por Helmut Brinkmann y que, sin ninguna duda, se puede considerar un ejemplo icónico de lo que es y representa el High End alemán. El giradiscos Balance, que protagoniza el presente Blog, ejemplifica a su vez una manera muy especial y contundente lo que significa maridar sonido y tecnología en clave de vinilo.

Austeridad formal, sofisticación tecnológica y radicalismo conceptual

Hay que reconocer que los alemanes juegan con ventaja a la hora de buscar lo último en materiales y, sobre todo, ingeniería mecánica gracias a una excelente base industrial que les permite acceder a lo último en maquinaria de control numérico para realizar mecanizados de muy alta precisión y, por tanto, para convertir en realidad los proyectos del más loco y exigente de los fanáticos de la reproducción sonora.

Del Balance gusta su elegante y sofisticada austeridad estética. Siendo un producto elitista, se nota que ha sido concebido por y para realizar una función muy concreta, sin concesiones a la galería ni, por supuesto, el más mínimo “fuego de artificio” que induzca a pensar que se busquen otros objetivos además de la excelencia sonora suprema. Una excelencia que en el ámbito de los giradiscos se condensa en dos conceptos: estabilidad de rotación e inmunidad absoluta frente a interferencias de origen mecánico o acústico.
Construido de forma completamente manual, el Balance impone ya de entrada por su contundente (18 kg de peso y 95 mm de altura) plato de aluminio especial de baja resonancia (a lo que contribuye también el disco de vidrio “incrustado” en su parte superior), un plato que para cumplir su cometido sin imperfecciones debe girar a la velocidad exacta. Y ahí es donde entra en juego esa sofisticación de la que antes hablábamos porque Helmut Brinkmann considera que el elemento clave del sistema de rotación es el conjunto formato por el eje y los rodamientos (cojinete), un conjunto que de ningún modo puede ser afectado por factores externos por insignificantes que parezcan.

Uno de dichos factores, esencial para el fabricante alemán, es la temperatura de los materiales empleados en el citado conjunto, cuya variación en función de las condiciones de trabajo se reduce prácticamente a cero gracias a un esquema de control electrónico basado en un transistor MOSFET de alta calidad que se encarga de mantener la disipación térmica en 15 vatios (lo que se consigue calentando el aceite que baña el eje de rotación) por cuanto se considera que es la cantidad adecuada para garantizar una rotación absolutamente fluida –y, por supuesto, a la velocidad exacta… es importante insistir en ello- del conjunto “plato+rodamientos”.

En este sentido, ayuda mucho la muy elaborada (ubicada en un recinto separado bellamente diseñado e irreprochablemente mecanizado) fuente de alimentación transistorizada que acompaña al Balance, una fuente que puede ser sustituida por una a válvulas (RöNt) disponible opcionalmente y que ha sido ideada para optimizar lo que Helmut Brinkmann llama la “cadena de energía”, formada por las diferentes fuerzas que entran en juego en un giradiscos con el fin de conseguir la perfecta rotación del plato. En suma, espíritu High End aplicado al límite.
En lo que respecta a los elementos mecánicos más “clásicos”, encontramos de nuevo un perfeccionismo controlado, casi comedido, pero perfeccionismo al fin y al cabo y, por lo tanto, excelencia. Es el caso del robusto chasis de 4 centímetros de grosor mecanizado en latón/acero de alta calidad o la base para el brazo de lectura, que puede aceptar diseños de longitud comprendida entre 9 y 10’5 y 12’1 pulgadas. Sobra decir que el Balance se suministra de fábrica con el bloque del brazo debidamente mecanizado para el modelos por el que finalmente se opte.

Una explosión de matices

Escuchamos el Balance equipado con un brazo Tonearm de 10’5 pulgadas de la propia Brinkmann –otro dechado de “perfeccionismo austero”- y una cápsula van den Hul The Condor, a lo que hay que sumar un preamplificador de fono Edison (otra maravilla que merece por sí solo protagonizar un futuro Blog), un previo de línea Audio Research Reference Anniversary, una pareja de etapas de potencia monofónicas Krell Evolution 900e y una pareja de las sublimes Sonus faber The Sonus faber. Todas las conexiones (Balance/Edison incluida) son de Transparent Audio (Opus MM2 en línea y cajas).
Lógicamente, la explosiva combinación que acabamos de describir no puede dar más que alegrías, en especial, teniendo en cuenta que todos los productos que la constituyen están ya suficientemente rodados.


Pero es que la palabra “alegría” casi resulta banal cuando uno se pone a escuchar pieza tras pieza –siempre de música clásica y jazz, que para algo la música verdadera debe ser ejecutada con instrumentos acústicos- y a descubrir un torrente de matices que inunda literalmente el espíritu. Por ejemplo, la incisiva interpretación de las celebérrimas “Cuatro Estaciones” por los impecables músicos de “Il Giardino Armonico” rebosa de riqueza, brío y sensualidad. Y lo mismo sucede con las melancólicas piezas de Schubert magistralmente ejecutadas por el genial y riguroso Alfred Brendel. ¡Y no digamos ya la legendaria banda de Duke Ellington o la siempre seductora voz de Ella Fitzgerald! Se consigue llegar a una especie de catarsis en la que el equipo desaparece virtualmente de la escena para convertirse en un enlace perfecto entre el compositor, los intérpretes y el oyente. En definitiva, seducción en grado sumo -con capacidad para crear adicción, lo que sucede en ocasiones muy contadas- que, con toda seguridad, frustrará a más de uno cuando la desconexión de los aparatos del equipo le haga volver a la realidad. ¿Se puede mejorar tanta excelsitud? Nos “tememos” que sí, “afinando” en materia de cápsula, fuente de alimentación del plato (léase cambiar transistores por válvulas). De hecho, casi no hemos mencionado la palabra Balance en nuestra reseña sobre la calidad sonora… hasta ese punto hace el Brinkmann honor a su nombre. Una espléndida materialización del concepto de “giradiscos para toda la vida” y un monumento a la mejor ingeniería y sabiduría alemanas a la hora de sacar todo el jugo al disco de vinilo. Más info>>

Enviado desde mi iPad

Mike Oldfield Remaster Campaign Continues with “Crises,” “Five Miles Out”

Crises Box

Universal’s Mike Oldfield expanded remaster campaign begins with reissues of two of his more pop-friendly records: 1982′s Five Miles Out and 1983′s Crises, both of which will come packed with extras in September.

While both albums featured their share of ambitious and complex pieces like “Taurus II” and Crises‘ title track, there was an increasing presence of keyboards on both albums, notably the Fairlight CMI and Oberheim OBX synthesizers. On Five Miles Out, Oldfield made rare vocal appearances alongside Scottish singer Maggie Reilly, who’d first collaborated with Oldfield on 1980′s QE2 and would work with him throughout the 1980s. Crises, meanwhile, features vocals from Reilly, British vocalist Roger Chapman and Jon Anderson of Yes.

While Crises yielded Oldfield’s most successful single in Europe with “Moonlight Shadow,” Five Miles Outyielded what is technically his most successful song in the U.S.: “Family Man,” which was taken to No. 6 in 1982 by Daryl Hall & John Oates.

And what extras await you on the expanded editions of these albums?

Layout 1

Five Miles Out will be released as a three-disc deluxe edition – two CDs and a DVD. The first disc features the original, remastered album augmented with non-LP B-side “Waldberg (The Peak)” and a demo of the title track, while the second features eight tracks from a 1982 live show in Cologne, France. The DVD features the original album, newly remixed by Oldfield in 5.1 surround sound, as well as a promo video for the title track.

Crises, meanwhile, gets quite the deluxe treatment, available as a five-disc box set. The remastered album is augmented on Disc 1 with non-LP singles “Mistake” and “Crime of Passion” (along with its B-side “Jungle Gardenia”) and 12″ mixes and new “unplugged” mixes of singles “Moonlight Shadow” and “Shadow on the Wall.” Discs 2 and 3 feature another live show, this time from Wembley Arena in the summer of 1983. Finally, the box closes out with two DVDs: one of promo videos and live footage, the other of the album mixed in 5.1 surround sound.

Additional formats will be available, including single-disc remasters and newly-cut LP editions. (Limited colored vinyl variants will be made available, as well.) Crises will also be given a standard Universal Deluxe Edition release, distilling the live material to one disc. All configurations will be available in the U.K. on September 1, with Amazon U.K. pre-orders (and Amazon U.S. pre-orders for the deluxe editions) live now.

Five Miles Out: Deluxe Edition(Mercury/UMC, 2013)

CD: Amazon U.K.
2CD+DVD: Amazon U.S. / Amazon U.K.
LP: Amazon U.K.

Disc 1: Expanded LP (originally released as Virgin 204 500, 1982)

  1. Taurus II
  2. Family Man
  3. Orabidoo
  4. Mount Teidi
  5. Five Miles Out
  6. Waldberg (The Peak) (B-side to “Mistake” – Virgin VS 541, 1982)
  7. Five Miles Out (Demo) *

Disc 2: Live in Cologne – 12/6/1982

  1. Tubular Bells (Part One)
  2. Sheba
  3. Mirage
  4. Family Man
  5. Taurus II
  6. Mount Teidi
  7. Five Miles Out
  8. Guilty

Disc 3: DVD – 5.1 surround mix of original LP (plus “Five Miles Out” promo video)

Crises: Deluxe Edition Box Set(Mercury/UMC, 2013)

CD: Amazon U.K.
2CD: Amazon U.K.
3CD+2DVD: Amazon U.S. / Amazon U.K.
LP: Amazon U.K.

Disc 1: Expanded LP (originally released as Virgin 205 500, 1983)

  1. Crises
  2. Moonlight Shadow
  3. In High Places
  4. Foreign Affair
  5. Taurus 3
  6. Shadow on the Wall
  7. Moonlight Shadow (2013 Unplugged Mix) *
  8. Shadow on the Wall (2013 Unplugged Mix) *
  9. Mistake (single A-side – Virgin VS 541, 1982)
  10. Crime of Passion (Extended Version) (12″ A-side – Virgin VS 648-12, 1983)
  11. Jungle Gardenia (B-side to “Crime of Passion” – Virgin VS 648, 1983)
  12. Moonlight Shadow (12″ Version) (12″ A-side – Virgin VS 586-12, 1983)
  13. Shadow on the Wall (12″ Version) (12″ A-side – Virgin VS 625-12, 1983)

Discs 2-3: Live At Wembley Arena – 7/22/1983 *

  1. Woodhenge/Incantations (Part Three)
  2. Sheba
  3. Ommadawn (Part One)
  4. Mount Teidi
  5. Five Miles Out
  6. Tubular Bells (Part One)
  1. Taurus I
  2. Taurus II
  3. Crises
  4. Moonlight Shadow
  5. Shadow on the Wall
  6. Family Man

Disc 4: DVD

  1. Crises (Live At Wembley Arena)
  2. Tubular Bells (Part One) (Live At Wembley Arena)
  3. Moonlight Shadow (promo video)
  4. Shadow on the Wall (promo video)
  5. Moonlight Shadow (Live on Top of the Pops – 6/23/1983)
  6. Crime of Passion (promo video)

Disc 5: DVD – 5.1 surround mix of original LP


















From : http://theseconddisc.com/2013/07/15/mike-oldfield-remaster-campaign-continues-with-crises-five-miles-out/

Mi equipo estéreo…

Eric Clapton – Just One Night

Reproduzco íntegro el artículo de Sifredi del 08/02/2009 en el foro de Guitarristas… Una gozada de artículo…


Grabado en vivo en dos fechas dentro de la gira del 79 (concretamente en Diciembre) correspondiente a su álbum “Backless” en el impresionante teatro Budokan de Tokio, se me antoja como uno de los mejores ejemplos del buen hacer de Clapton para bien del mundo de la guitarra blues y, personalmente, lo colocaría en un lugar muy destacado en la historia de la música.

Lo primero que me gustaría destacar es la efectividad del combo de cuatro músicos (musicazos, de hecho) – además de Eric; alejado de la espectacularidad de las bandas más numerosas y dejando notar el altísimo nivel de los cinco “monstruos”que giraron por aquel entonces. El disco entero suena a feeling, a Blues, a sincero, a crudo, a caliente, a profesional, pero sobretodo suena a Eric Clapton.

La banda la formaron Henry Spinetti a la batería, Dave Markee al bajo, Chris Stainton (seguro un viejo conocido de los fans de Clapton) a las teclas y como guitarrista (y teclista ocasional) al grandísimo Albert Lee.

El álbum doble está producido a medias por Slowhand y Jon Astley ( The Who y George Harrison han sido algunos de sus clientes más destacables) y hace una justícia tremenda en cuanto a sonido a la banda que hace sonar los temas. Las guitarras que oímos en el disco son la Telecaster de Lee (ahora endorser de MusicMan con su propia signature – guitarra fea donde las haya) y la entrañable “Blackie” de Clapton (una Strato negra del 57).

Los amplis son los Music Man que llevó Eric durante la segunda mitad de los 70 y principios de los 80. La mezcla, como ya he comentado, me parece muy respetuosa y equilibrada. En la mayoría de temas tenemos la guitarra y voz de “Manolenta” en el medio, Lee a la izquierda, Stantion a la derecha y bajo y batería en el centro (aunque la batería está colocada de manera inversa, como si quien escucha está sentado en ella), lo que hace que todo el material sonoro sea muy fácil de reconocer ( y admirar).


Tulsa Time

Perteneciente al disco “Backless” y firmado por Danny Flowers. Buen tema para empezar el disco. La intro de Stainton da el tempo y la banda empieza a caminar en una especie de Boggie con tintes Country hasta que Clapton empieza a cantar la pegadiza melodía (más tarde copiada por Garth Brooks) y podemos oir los coros de Albert Lee (muy Countriestambien) casando a la perfección. La batería y el bajo se mantienen en el ritmo casi sin salirse del guión (casi todo el disco). Stainton, aunque solvente, tampoco se luce demasiado al piano. La guitarra de Lee suena con un punto de saturación que unido a la técnica (buenísima) de dedos del inglés le da un apego al tema que permite a Clapton lucirse (no podía ser de otra manera) con total libertad. No he conseguido averiguar qué guitarra hace sonar aquí “Manolenta”, pero desde luego no es “Blackie”; afinada en Open G y tocada con Slide le da un sonido muy crudo al tema. El solo no parece tal, aunque recordemos que aquí solo está calentando ( los primeros temas en directo de aquella época los empezaba con Slide y muy relajado). Agradable.

Early In The Morning

Blues lento tradicional arreglado por la banda. Empieza con un precioso solo de Slide de 12 compases. Chris Stainton se pone a los mandos de un Hammond y eso le da un color increíble al conjunto. Lee va siguiendo al bajo durante cada vuelta de 12 y dejando a Clapton todo el trabajo más vistoso.

El tempo de todo el Blues está tirado para atrás (como los buenos temas de Blues) y es Spinetti quien lleva a toda la banda de un lado para otro. Los otros dos solos del tema son una delicia con Clapton al cuello de botella. Ritardando en el Turnaround y final. Muy completo. Hay un acople en el micro de Clapton al principio del tema, aunque no molesta demasiado.

Lay Down Sally

Del disco “Slowhand” firmado por Clapton, Marcy Levy (vocalista de la época) y George Terry (guitarrista y bandleaderde Clapton en los primeros 70´s). Albert Lee da el tempo con el riff de guitarra y se van sumando los demás. Nadie se mueve un ápice de su parte durante la mayoría del tema (Stainton se escapa en algun estribillo y Lee nos enseña como se puede acompañar de una manera efectiva, profesional y con un gusto exquisito).

Clapton canta el tema casi igual que en el disco de origen, aunque con una voz un poco más madura. El solo presenta un par de novedades respecto a lo que Clapton solía venir haciendo (una buena muestra que hasta los maestros no dejan de aprender nunca). Lo más destacable, diría yo, sería la inclusión en su tremendo arsenal de licks guitarrísticos de novenas y sextas adscritas a la mixo de la tonalidad mientras toca la Penta mayor (si bien es cierto que las ya había usado anteriormente, a mi me da la impresión que es en esta época donde las acoge con mayor asiduidad). Buen tema.

Wonderful Tonight

Clásico entre los clásicos. Firmado por Clapton (en honor a su esposa de entonces, la esquiva Patty Boyd) y sacado tambien del álbum “Slowhand”. Me gusta mucho que se oiga a Clapton de lejos dando la entrada a sus músicos. La archiconocida melodía y Clapton a la voz. Siempre me ha gustado mucho la guitarra que Clapton mete para acompañarse en este tema. Lee va arpegiando los acordes sin arriesgar demasiado (algun Dsus4 se oye por la izquierda durante la estrofa) y Chris Stainton nos muestra lo chulo que suena un Hammond cuando tienes gracia. El puente a dos voces (Eric y Albert Lee) nos da el subidón necesario para entrar en el solo. Esa pentatónica con el feeling del maestro pone los pelos de punta…luego, como si nada, sigue cantando la última estrofa. Memorable.

If I Don´t Be There By Morning

Escrito por Bob Dylan y Helena Springs para el disco “Backless”. Pura energía. Me encanta el bajo en este tema. Clapton y Lee cantan las estrofas a dúo y Clapton a solas el cambio (cómo me gusta en esta parte el bajo). El primer solo del tema lo hace Albert Lee, Mixo a cuestas, acabándolo con la Penta y la “cola” del piano (qué bueno es Albert Lee, joder) todo ello con su característico sonido Country saturado. El segundo solo está a cargo del piano de Chris Stainton. Muy “Bluesero” a base de quintas bemoles octavadas y con el swing que le pone el bueno de Chris a casi todo lo que le he oído. Si le pusiera un “pero” al tema, sería el arreglo para acabar: me parece un poco atropellado y sorpresivo (el arreglo, repito, no como lo tocan, que lo hacen estupendamente). Muy simpático. La letra siempre me ha gustado un montón.

Worried Life Blues

Firmado por Maceo Merriweather y un clásico en el reper de “Manolenta”. Al final del tema anterior (los últimos diez segundos) Clapton se acerca al micro y con su educado y muy musical acento británico presenta el tema. “One, Two, Three” solaco bluesero impresionante y empieza a cantar. En este tema hay piano y órgano, así que supongo que debe ser Albert Lee que cuelga su guitarra para ponerse (creo) al piano. Clapton empieza a estar calentito con la voz y nos regala una exquisita interpretación vocal muy acorde con la letra. Solo de Albert Lee al piano (bastante chulo) mientras por detrás, Dave Markee va tejiendo una telaraña sonora a base de líneas de bajo blues que arropa y hace mucho mejor el solo (24 compases). Después entra en escena el teclista titular con un solo al Hammond bastante arriesgado (para ser Chris Stainton, claro) aunque muy resolutivo. Clapton en su salsa (con un solo la mitad de corto que sus compinches), estrofa final y se acaba el tema. Muy bueno.

All Our Past Times

De la pluma de Clapton y el malogrado Rick Danko (bajista de The Band y gran amigo de Eric) sale esta preciosa canción . Clapton la canta con mucho sentimiento y eso te acaba llegando. La segunda estrofa tiene la voz solista de Albert Lee (celebrado tímidamente por la, por otro lado, siempre agradecida audiencia nipona) que cumple con bastante soltura el reto. Su acento super inglés choca con el de Clapton (recordemos que Slowhand canta siempre con acento Yanki), pero la verdad es que lo borda haciendo la segunda voz en los estribillos como, seguramente, aprendió cuando estuvo en la banda de Emmylou Harris. El solo de Clapton es para enmarcarlo (¿Cuál no, verdad?) derrochando feeling y técnica por doquier. El solo que luego hace Albert está muy a la altura aunque se nota de otra naturaleza, con una técnica impecable y una sonoridad bellísima. El único “pero”, es el mismo que en “If I Don´t Be There By Morning”, el final siempre me ha sonado un poco falto de chispa (vuelvo a repetir que me refiero al arreglo). Gran Tema.

Alter Midnight

J.J. Cale (tambien gran amigo de E.C.) firma el tema. WOW!!!! Temazo!!!! Mucha energía. A un ritmo trepidante, la banda le saca un jugo increíble a la sencilla progresión de acordes. Clapton se desgañita cantando y se nota cuanto le gusta la canción (incluso la pista de voz llega a saturar un poco). El tremendo solo con el Cry Baby te lleva a lo más alto del tema, doblando la sensación de velocidad que tiene. Toda la banda se vuelve loca de principio a fin y cargando cada compás de semicorcheas (en realidad es Eric quien le mete más caña) llegan al final. Impresionante.


Double Trouble

De los mejores Blues de Clapton de toda la historia. Compuesto por el zurdo Otis Rush para su disco homónimo de 1958 y versionado aquí por Clapton con el respeto habitual en él por los viejos Bluesmen llegando incluso a mejorarlo. La armonía menor del tema sitúa a la banda en clara ventaja a la hora de transmitir feeling solamente manteniéndose en el groove y los acordes, dejando que E.C. se postule como líder absoluto durante los 8 minutos y pico que dura. La batería y el bajo se clavan en el tempo lento mientras el Hammond de Stainton (Leslie arriba, Leslie abajo) le va dando movimiento. La guitarra de Albert Lee de acompañamiento es ingeniosa y bella a la par que resolutiva, manteniendo un hipnotizante riff con las cuerdas graves.

Clapton está que se sale. La voz es impresionante. La sube, la baja, la fuerza, juega con el falsete…. parece talmente como si la hubiera escrito él en ese mismo momento. Lo de los solos es….es un buen argumento para todos aquellos que creemos que el inglés ha sido, es y será para siempre uno de los mejores guitarristas de Blues de la histora. El primero es “impepinablemente” bueno, lo cojas por donde lo cojas.

Derrocha técnica, soltura, riesgo, lenguaje propio del estilo y mucho, muchísimo feeling. El solo final es I-N-C-R-E-I-B-L-E. Todo lo que tiene el primero pero aumentado exponencialmente. A mitad del amplio abanico de notas “ a la Clapton”, Eric “manda callar” a la banda y se pone a juguetear con las notas agudas de “Blackie”, acercando su dedo pulgar al final de la púa para golpear suavemente las cuerdas muy cerca del mástil y sacando unos armónicos que hacen enloquecer al público del Budokan. Se le escapan un par de notas cuando la banda vuelve a subir la intensidad aunque, evidentemente a esas alturas de la película…¿a quien le importa? Sencillamente genial.

Setting Me Up

Compuesto por el gran amigo de Eric, Mark Knopfler para el primer disco de Dire Straits (¡¡¡que discazo!!!). La verdad es que a aquellos que la discografía del grupo británico de Knopfler nos es más que familiar, seguramente este track nos sorprendió un poco. Lo canta en su totalidad el bueno de Albert Lee mientras Clapton le hace los coros en el estribillo (incluso como segunda voz, E.C. le imprime un carácter único a todo lo que sale de su garganta). Los solos se los reparten a partes iguales. Los de Eric estan muy bien aunque los de Lee son muy pero que muy buenos. Se nota que el tipo está en su salsa con ese toque Bluegrass suyo. Destacaría el cierre del tema con la guitarra de Albert al estilo de Knopfler aunque “corregido y aumentado”. Buen tema.

Blues Power

Perteneciente al álbum de debut en solitario de Eric Clapton y firmado a medias por el susodicho y Leon Russell (gran pianista, compositor y amiguete de Clapton). La intro al piano de Chris Stantion y Clapton da paso a uno de los mejores temas del disco. Poco más de tres acordes tocados tipo Straight Blues y toda una declaración de principios:

“Bet you didn’t think I knew how to rock ‘n’ roll.
Oh, I got the boogie-woogie right down in my very soul.
There ain’t no need for me to be a wallflower,
‘Cause now I’m living on blues power.

I knew all the time but now I’m gonna let you know:
I’m gonna keep on rocking, no matter if it’s fast or slow.
Ain’t gonna stop until the twenty-fifth hour,
‘Cause now I’m living on blues power.”

Chris Stainton hace un solo muy bueno en la onda de Boggie Blues. El solo de Clapton en esta ocasión tambien derrocha todas y cada una de las virtudes que “Manolenta” atesora. Pasando a “Blackie” por el “Cry Baby” Clapton hace un solo memorable lleno de energía, musicalidad, sentido, sensibilidad y mala leche. Muy recomendable tambien la versión de este tema que se encuentra en el doble en vivo de Derek & The Dominos. De lo mejor del disco.

Rambling On My Mind

Uno de los favoritos de Clapton compuestos por su admiradísimo Robert Jonson. Muy tranquilo. La banda en su sitio y a Eric saliendole Blues por las orejas a más no poder. Empieza con un solo “muy cabaretero” a cargo de Chris Stainton al piano. Clapton canta muy relajado y pausado (me da que le queda un poco bajo el tono, aunque lo borda). Cuando llega el solo cambian el tono y eso le da un poco de “vidilla” a la canción. El solo es más “eléctrico” ( muy a lo Buddy Guy) y en medio del mismo, vuelve a cambiar de tono. La sorpresa llega al salir de ahí cuando, cambio de tono mediante, se ponen a tocar “Have You Ever Loved A Woman?”, otro de los preferidos por E.C. y compuesto por su también muy admirado Freddie King (Qué Bueno era Freddie!!!!) Cuando acaban las estrofas vuelven a cambiar de tono para el solo de Eric y la vuelta de “Rambling On My Mind”. Imprescindible.


Otro tema compuesto por J.J. Cale y que oímos por primera vez en el disco “Slowhand”.El tema empieza con el famoso riffy los japos haciendo palmas a negras. En esta ocasión, Chris Stainton se aleja de los instrumentos más acústicos y se pone a tocar el riff con un sinte de la época. El trabajo de Markee es muy destacable, enganchándose al bombo de Spinetti y aguantando el embiste de las hachas de Lee y Clapton con una parsimonia sólo dejada de lado para acometer el riff desde su tercera mayor, dándole una amplitud al sonido general muy agradecida. Me recuerda un poco a la manera de tocar de Jack Bruce, en este tema.

Albert Lee está soberbio tanto a la guitarra rítmica como solista (el largo solo es delicioso de la primera nota a la última), creando un montón de buenos licks al servicio del jefe y desde la Penta y la Mixo más bluesera. El solo de Clapton de nuevo con el Wha sube el nivel del disco (si es que no estaba ya suficientemente alto). Hacia la mitad del solo me da la sensación que se permite la licencia de hacer un guiño a su público usando la pentatónica con notas muy cortadas y repetidas para que tengan un rollo a música asiática que la verdad, entra muy bien con lo venía haciendo y le da un respiro para atacar con más fuerza hasta el final. Al final de cada estribillo (“She don´t lie, She don´t lie, She don´t lie…..Cocaine!) es la audiencia quien canta lo de “Cocaine” , lo cual agradecen los japos gritando y aplaudiendo. En el último estribillo tambien la banda calla para que se oiga al público y cuando éste se da cuenta de que han sido ellos los que han acabado el tema, se lo agradecen a los músicos con un aplauso casi interminable. Buenísimo.

Further On Up The Road

El tema que cierra el disco. Compuesto por Donald Robey y Joe Medwick. Casi parece una excusa para despedirse del público y presentar a la banda. El track empieza con la batería, presentación de Henry Spinetty, bajo, presentación de Dave Markee, piano, presentación de Chris Stainton, Guitarra, presentación de Albert Lee y poco después es
el mismo Lee quien presenta a Eric Clapton con la consecuente ovación del público nipon. El tema es un Shuffle Blues donde todos solean; primero Eric, le sigue Stainton, después Albert Lee y otro de “Manolenta”. Estrofa, solo de nuevo de Clapton y “pa casa”. Correcto.


Para los neófitos en Clapton o en el blues en general es una buena referencia para empezar a enamorarse de esta música. Para los demás es un disco increíble donde la calidad del sonido, la de la banda, los arreglos y las interpretaciones son de un nivel altísimo y un lugar donde mirarse para aprender muchísimo de cada nota que sale de este impresionante disco.

Un saludo :saludo:

Blog de WordPress.com.

Subir ↑